Tuve el gusto de conocer a Antonio José Méndez gracias a la magia de Internet, que tras dejarme un comentario a uno de mis viejos post hace unas semanas atrás, me abrió la puerta a su maravilloso arte y que apenas lo vi me fascinó. Cuando le conté a mi entorno de que me había escrito un artista de esos que me hacen admirarlo, mi amigo Ricardo Ruiz de la revista Insomnia me contó que había sido entrevistado y aportado con su pincel en la revista. La verdad es que de antes de tener noticias de lo dicho por RAR, se me había ocurrido probar suerte y preguntarle a Antonio si me concedía ese mismo honor para mi humilde blog y es así que gracias a su amabilidad hoy cierro con broche de oro este mes. Espero disfruten de esta entrevista, tanto como yo, que feliz los invito a conocer el genial arte de quien hoy se presenta. Además, si han llegado acá y siguen este blog (aunque no escriban, je), se darán cuenta de que mucho en común tenemos con este tremendo pintor de lo fantástico.
Démosle no más.
1.Cuéntanos en 10 líneas quién eres. Soy un
fanático del cine de terror desde niño; también me encantan los cómics, la
literatura en general, el rocknroll y el arte por supuesto; puedo pasar horas y
horas en museos mirando las pinceladas de los maestros. La mayoría de mis obras
están basadas en films de terror, pero en ellas puede haber ciertos elementos
personales.Cuando tenga más tiempo habré
de pintar cuadros más autobiográficos con escenas de mi vida y, por supuesto,
con elementos fantásticos. 2.¿Cómo fue qué empezaste a realizar estos maravillosos
cuadros? Empecé en
2014 con dibujos a lápiz de versiones de cuadros de mis artistas preferidos.Al poco tiempo pasé al color haciendo
pinturas propias con pinceles y acrílicos.Nunca antes lo había hecho, fue duro al principio, pero con trabajo y
ganas fui mejorando hasta conseguir los trabajos que hago ahora. 3.¿Qué tal es el proceso para realizar una de tus
pinturas? Muy
divertido aunque también trabajoso: Primero elijo una película que me haya
impactado o que le tenga mucho cariño, mayoritariamente son films de los 80s o
más para atrás.En segundo lugar vuelvo
a ver la película para recordar las escenas que me inspirarán más, para después
ir haciendo en mi mente el diseño. Lo siguiente es pasarlo al papel haciendo
bocetos rápidos; normalmente me baso en uno de ellospara pintar la tela, aunque en ocasiones el
cuadro final se parece muy poco al boceto elegido.
Con Kane Hooder (el Jason de Martes 13 más famoso y querido)
Junto a Tom Savini (si no conoces a este maestro: ¡Ia Shubb Nigurath para ti!
4.¿Cómo han sido las reacciones de los artistas a los que
has homenajeado a través de tu trabajo? Es muy
emocionante cuando alguien que es un icono del cine de terror y te aterrorizaba
de niño, sonríe y se alegra al ver tu obra o comenta ciertas cosas del cuadro
que le gustan.Esos momentos te hacen
sentir muy especial y son como si formases parte de algomás grande. 5.¿Solo el terror te atrae? Explícate, por favor. El terror, los
monstruos, lo fantástico desde que tengo uso de razón me apasiona.Es una pasión con la que he nacido y que no
soy capaz de abandonar.soy un yonky de
lo fantástico. 6.¿Cómo han sido tus experiencias en las distintas
exposiciones que has realizado? Debido al Covid-19
desde finales de febrero no he vuelto a exponer.Este año solo he tenido 4 expos y todas de mi
otra temática: El motor.Por lo que
después de 8 meses me siento muy raro, al estar pintando en casa después de
tantas exposiciones en 6 años seguidos. Echando la vista atrás, sólo tengo
buenos recuerdos, ya sea de los muchos fans que decoran sus casas o llevan puestas
mis pinturas, o de los famosos que he podido conocer y recibir sus halagos o
gente maravillosa y ciudades fantásticas que sin mi arte puede que jamás
hubiese visitado o conocido. 7.¿Cuáles son tu escritor, libro, director, película y
serie favoritas de horror y por qué? Son
demasiados, pero intentaré nombrar a algunos de los esenciales como el escritorClark Asthon Smith y su
fantástico “Zotique” ; Clive Barker y sus geniales “Libros de Sangre”; dos
cómics maravillosos como el postapocalítico “Ciudad” del recientemente
fallecido Juan Giménez y Ricardo Barreiro y el maravilloso “Thorgal” de Van Hamme y
Rosinski.Directores como Tobe Hooper con
“The Texas chainsaw massacre”(74), Lucio Fulci y su “L'Adila” (81), John
Carpenter con “The Thing” (82), Dario Argento y “Phenonema” (85), George
A.Romero con “Day of the Dead” (85), David Cronenberg “The Fly” (86) etc.. y
series nombro 3 indispensables : “Twilight Zone”, la original de Rod Serling,
“Twin Peaks” de David Lynch , “Tales from the crypt” y como bonus“The X-files” que estoy ahora mismo viendo y
es lo que me llevó a descubrir tu web al buscar opiniones de la primera
temporada :)
¡Robert Englud, compadre!
En compañía de Doug Bradley (Pinhead de Hellraiser).
8.Aparte de pintar… ¿Has realizado otro tipo de
expresiones artísticas? Cuéntanos, por favor. Hice un
busto en arcilla monstruoso que no me quedó mal, pero por falta de tiempo no he
podido continuar haciendo más esculturas; en un futuro he de volver a
intentarlo. 9.¿Qué consejos les podrías dar a quienes desean
dedicarse al arte como tú? Primero
que no tengan miedo en pintar lo que les guste, aunque sean cosas monstruosas y
no tengan ninguna salida comercial.Y en
segundo lugar que nunca paren de trabajar,aunque no les apetezca o no tengan inspiración, pues esta se logra
trabajando. 10.¿Hay algún trabajo tuyo por el cual sientas especial
afecto? (expláyate) Hay muchos,ja, ja y para mí es difícil elegir sólo uno
,así que lo intentaré por años: 2014-“Freddy
Krueger”. De mis primeras pinturas en tela y de mis mejores retratos 2015-“Phantasm
II”.Me sigue pareciendo una buena
composición, aun siendo de lasiniciales; además le tengo un cariño especial por ser una de mis
primeras ventas internacionales, pues ahora mismo se encuentra en Munich. 2016-“Bad
Taste”.De mis cuadros favoritos y que
reflejan lo loco que es el film 2017-“Zombi 2”. Me encanta esta tela, además
se nota una gran evolución en mi técnica comparándola con las del año anterior 2018-
“Street Trash. Otra de mis favoritas de siempre, con una composición muy equilibrada
y con tonalidades fuertes como me gustan. 2019-
“Nightmare before Xmas”. hay gente que ha dicho que es mi obra maestra , no lo
sé ,lo que si sé es que el cuadro original lo vendí al poco de pintarlo. 2020-
“Total Recall”.Tiene muchas horas de
trabajo detrás, me encanta observar todos los detalles de esta obra. 11.¿Cómo te gustaría que a futuro se viera tu legado
artístico? Bueno, el futuro
para mí ahora mismo es mi hijo , Saúl Alan Méndez y me gustaría que él
estuviese orgulloso de lo he hecho con los pinceles 12.Tus admiradores del extranjero… ¿Podemos conseguir
algunos de los artículos que vendes desde tu página? Sí claro hay varias páginas que venden mis pinturas: https://fineartamerica.com/profiles/jose-mendez
Dentro de su destacada carrera como
director, el tristemente fallecido Stuart Gordon (una de las primeras queridas
celebridades que se llevó este maldito 2020) hizo tanto cine de terror, como de
ciencia ficción, drama, thriller y hasta una comedia con elementos
fantásticos. Asimismo, participó en la pantalla
chica con nada menos que 4 aportes, los que incluyen una película y tres
mediometrajes y/o episodios para programas de horror antológicos. Cuando ya estamos por terminar el año y mi revisión
personal de su trabajo, que les estoy hablando de uno de mis cineastas favoritos,
es el momento de hacer referencia a este apartado suyo dentro de una carrera
tan memorable y es que bien merecen ser tenidas en cuenta, especialmente las últimas
tres incursiones del realizador, que en sí mismas pueden ser consideradas como
joyitas de la pantalla chica. Bueno, vamos por parte dijo Jack el Destripador: 1.
Daugther of Darkness (Hija de las Tinieblas, 1990): Filmada nada menos que en Rumania, poco
después del derrocamiento del dictador socialista Nicolae Ceaușescu y cuando el país se
estaba abriendo de nuevo al resto del mundo, se trata de una historia de vampiros
y viejas castas ligadas justamente al país famoso por ser la patria donde nació
y vivió Vlad Teples, la figura real en la que se inspiró Bram Stoker para
escribir su famosa novela Drácula; del mismo modo, el libro está
ambientado en buena parte de su extensión en la zona de Transilvania, por lo
tanto este telefilme se aprovecha de tales detalles para contarnos un argumento
que pudo tener mejor resultado, si lo hubiesen pulido más y no se notara tanto
el escaso presupuesto. Una joven y bella mujer norteamericana realiza
un viaje hasta Rumania, con la intención de averiguar más sobre su padre al que
no lo conoció. Como dice el dicho “ten
cuidado con lo que deseas”, puesto que no solo consigue encontrarse con él,
sino que descubre hechos macabros sobre su naturaleza y la herencia a la que
ella misma pertenece. Ayudada tanto por
su progenitor, como por un guapo miembro de la embajada gringa, debe escapar de
los hijos de la noche que desean tenerla para sí, ya que ella es la clave para
la propia sobrevivencia del clan. Teniendo en su mayoría actores locales
(entre los que se incluye un supuesto galán rumano que carece de todo sex-appeal),
la producción tiene sus buenos momentos, no obstante se nota que se trata de una
labor por encargo y es que bien puede considerarse como el único título
olvidable en la filmografía de Stuart Gordon.
Me atrevo a afirmar lo anterior, puesto que se nota filmada con pocas
ganas, ya que se pone aburrida en su mayor parte y pese a contar con nada menos
que la participación estelar del legendario Anthonny Perkins (el asesino serial
de la saga de Psicosis), hasta este mismo no da una buena actuación;
cabe mencionar que al año siguiente nos dejó demasiado pronto, debido a una
enfermedad que arrastraba hace tiempo, motivo que a lo mejor está detrás de su
poco compromiso con el largometraje. Además de la mencionada estrella,
participaron en esta obra los gringos Mia Sara y Jack Coleman, quienes tampoco brillaron,
si bien el último muchos años después nos daría un gran trabajo en la recordada
serie de ciencia ficción Héroes. Como es propio de las cintas de Stuart
Gordon del género, acá encontramos su cuota de erotismo, sumado a uno que otro
monstruo por ahí que no se aprecia mucho que digamos y su cuota de gore. En todo caso, el guión corrió por parte de
Andrew Laskos (supongo, rumano de nacionalidad), única vez en la que participó
con el maestro y que se nota no hubo sintonía entre los artistas, a diferencia
de los colaboradores habituales o más talentosos en otras creaciones de Gordon.
Tráiler.
2.
Su genial paso por Maestros del Horror. En 2015 Showtime estrenó el proyecto para
el TV cable de Mick Garris Masters of Horror. Consistente en producciones originales del género
de horror, reunió a un grupo increíble de directores consagrados como nunca
antes se había visto dentro de un título cinematográfico o para la televisión
(superando viejas leyendas como La Dimensión Desconociday Galería Nocturna, que salvo honrosas excepciones no tuvieron detrás de las
cámaras a tantos cineastas destacados); dicho programa, además, adaptó a varios
autores clásicos de la literatura e incluso del cómic, si bien contó en algunos
casos con guiones realizados en exclusiva para este espectáculo. Manteniendo una producción impecable, digna
de lo mejor del séptimo arte, a lo largo de dos temporadas, cada una con 13
historias autoconclusivas, se extendió por tres años dejando un legado imborrable
(si no han visto este programa antológico y adoran asustarse… ¿Qué están
esperando para hacerlo?). Fue así que
Stuart Gordon, amigo de su colega como el resto de los que aquí intervinieron, participó
no solo para un puro episodio, sino que con dos, uno por temporada. La verdad es que ya hace rato le dediqué
mis palabras a los dos títulos que hizo Gordon para Master of Horror,
así que no ocuparé mucho tiempo en referirme de nuevo a ellos y si quieren
profundizar más en mi opinión al respecto, les dejo los enlaces
correspondientes.
2.2. Dreams in the Witch-House (Los Sueños en la Casa de la Bruja): Basada en uno de los cuentos más famosos de
Howard Phillps Lovecraft, uno de sus dos escritores predilectos, se trata de una
puesta en escena sobrecogedora y que lleva nuevamente al llamado “Soñador de
Providence” a una actualización que le hace rinde honor, como hace gráficas las
pesadillas de este para sorprendernos con imágenes tan duras, algo que el
propio Lovecraft no habría osado en ser tan literal en sus escritos. Un joven estudiante arrienda una espantosa
habitación en un edificio deteriorado; teniendo de casero a un hombre muy poco
agradable, a un anciano que sabe más de un secreto del lugar y a una preciosa
madre sola con su hijo bebé, se encuentra con la mala suerte de que la
construcción que habita es portal a un mundo aterrador y donde la bruja que le
da nombre a la historia hace lo que quiere.
No siempre el bien gana y esta pieza en verdad muy recomendable nos lo
deja claro, siempre y cuando no nos tapemos los ojos, que tal vez el director
no había sido antes tan atroz salvo desde Castle Freak(que esta
vez no tenemos su habitual humor negro, para aliviar la contundente digestión).
Tráiler.
2.3.
The Black Cat (El Gato Negro). Con su primer trabajo para Masters
of Horrors Stuart Gordon dejó la vara muy alta y no solo para él mismo,
sino que para el resto de sus compañeros.
Así fue que tal como en un momento fue el segundo en aportar para este
programa, esta vez estuvo casi despidiendo la segunda y última partida del
título en cuestión, que su versión del clásico de Edgar Allan Poe (su otro
autor fetiche), fue exhibida en el lugar 11 de las 13 historias que componen esta
segunda tanda. En verdad ver su adaptación del célebre
cuento deja claro el amor hacia el artista que inspiró esta pesadilla y otras
más, puesto que el protagonista resulta ser el mismo Poe, de modo que se
entrelazan en el guión la propia biografía del genio de las letras de Baltimore
y los sucesos de su dichoso relato. La
miseria del artista y el mundo en el que vivió están muy bien retratados, pero
así como hay oscuridad también hay luz y en ello radica el rasgo que más humaniza
al protagonista, algo que deben descubrir por sí mismos quienes no han tenido
la dicha de ver esta perla de la pantalla chica. Momentos impactantes abundan como siempre en
esta adaptación, que logra darle ese carácter sobrenatural y fatalista a la trama,
pese a la ambientación realista y a ello se agrega un clímax devastador. No se puede dejar de destacar la estupenda
personificación del camaleónico Jeffrey Combs como el mismísimo Poe, en uno de
sus mejores papeles.
Tráiler.
3.
De regreso (y despedida) en Fear Itself.
Ni corto, ni perezoso, Mick Garris tenía
una carta bajo la manda cuando le cancelaron su anterior proyecto y de ese modo
se fue a NBC con un nuevo producto de mismo estilo: Fear Itself(El
Miedo Mismo), tomando como nombre una famosa cita del presidente estadounidense Franklin D. Roosevelt y que dice: “The only thing we have to fear is fear
itself” (“A lo único que hay que temer es al miedo mismo”) y que
parece a los yanquis les gusta mucho, pues usaron esta misma expresión para un
evento en Marvel Cómics. Bien casi podríamos
considerarla una tercera temporada de su predecesora, puesto que entre sus
directores hay varios nombres que ya estuvieron en Master of Horror;
solo que esta vez los guiones son por completo originales y la duración de sus historias
es más breve y corresponde por lo general a los 40 minutos, mientras que su
antecesora ocupaba cerca una hora para
las dulces pesadillas que nos regalaba. Eater (El Devorador) corresponde
al quinto capítulo de los 13 que componen esta producción. Coescrita por Richard Chizmar demostrándonos
su talento para lo macabro, tiene como protagonista nada menos que a una joven
y preciosa Elizabeth Moss en uno de sus primeros papeles (la protagonista de El Cuento de la Criada) y también a Pablo Schreiber haciendo un casi desagradable
papel (el simpático leprechaun de Dioses Americanos). Así que todos
estos nombres juntos ya hacen bastante atractivo de antemano el presente manjar,
que más encima se trata del último regalo que nos dejó el artista, que me he
dispuesto a homenajear por medio de estos posts. Un asesino serial de lo más raro llega a
una penitenciaría en plena noche y entre los pocos policías que deben cuidarlo hasta
que se lo lleven a una prisión o un lugar más seguro, se encuentra una policía novata
adicta a las historias de terror; la muchacha es objeto de burla de sus
compañeros, quienes demuestran su machismo con estas muestras de intolerancia
solo porque ella es distinta (en un momento aparece leyendo nada menos que una
revista Fangoria y estoy casi seguro que hay una alusión directa
a Stephen King en los diálogos, pero el detalle se me escapa); sin embargo, justamente
es esta particularidad suya la que la hace darse cuenta de que el prisionero es
más de lo que aparenta, un brujo caníbal con poderes sobrenaturales. Con un final sorprende que habla sobre los
verdaderos actos de valor, sobreponiéndose al miedo, corresponde a otro trabajo
de Gordon muy gore y con un villano espantoso, que provoca rechazo por
su propia inhumanidad.
En medio de esta pandemia (dándonos una pizca
de alegría entre tanta mala onda), el programa de televisión sobre superhéroes
descarriados y el grupo encargado de controlarlos, The Boys,
basado en la serie de cómics de Garth Ennis y Darick Robertson, estrenó segunda
temporada.Nuevamente solo 8 episodios,
más un cortometraje de regalo (que no he podido ver aún) dedicado a uno de sus
personajes más queridos, que han sido la delicia para sus seguidores,
confirmando su estatus de ser una de las mejores de series live action del
género para adultos y que a muchos (incluyéndome) dejaron con gusto a poco por
lo breve de la temporada.Ahora bien, me
queda claro que realizar un show como este sale bien caro y que la
espectacularidad de los guiones, nos ha dado en todos sus episodios momentos
dignos del más espectacular hit cinematográfico hollywoodense; por lo tanto, no
debemos olvidar sus tremendos efectos especiales (con mucho gore) y de igual
manera tener a una estrella del cine actual como Karl Urban (¡Suspiros por
él!), no es moco de pavo...¡Pero podrían hacer un esfuerzo para el año que
viene y al menos darnos una temporada de 10 episodios! ¿No? (que en pedir no
hay engaño). Este 2020 seguimos siendo testigos de la
guerra personal del grupo liderado por el duro Butcher (que ahora descubriremos
que sí tiene su corazoncito) en contra de Vought International y sus
superhéroes corruptos.La disputa cada
vez es más dura, puesto que ambos bandos no quieren ceder y ya sabemos quiénes
son los buenos ¿No? Aunque a diferencia de los cómics más políticamente correctos,
los verdaderos héroes de la historia no cejarán en usar los medios más
extremos. Respecto a todo esto, se definen mucho
mejor las posiciones de los protagonistas, que entre estos destaca el proceso
por el que pasan los entrañables Frenchie, Kumiko y Starlight.Del primero llegamos a conocer su pasado y de
ese modo entendemos mucho mejor su actual conducta y compromiso con su misión,
sin dejar de lado la aclaración de por qué se comporta tan protector con la
mujer que podría romperlo en dos pedazos sin problemas; de la segunda,
descubrimos datos relevantes de sus orígenes, incluyendo la presencia de
alguien muy querido en su vida, todo lo que ayuda a humanizarla más; y de la
tercera, conseguimos razones de sobra para verla como lejos la verdadera
justiciera metahumana de la serie (¡Además de que, pese a todo lo duro que le
toca pasar y hace por respeto a sus convicciones, es tan angelical!). Para apoyar a nuestros héroes/antihéroes,
aparece una dura mujer que conocía de mejores tiempos a Butcher, Frenchie y a
MM.Se trata de un personaje que cumple
con un estereotipo caro al género, el del representante del gobierno encargado
de controlar a los superhumanos; así que esta dama de hierro (que en realidad
también tiene su buen grado de nobleza), se vuelve a unir a nuestros
protagonistas, tras una vieja ruptura con el equipo que logramos conocer y con
dolor, la verdad.
Entre los villanos y/o trabajadores de Vough,
el gran antagonista no nos puede caer peor, que Homelander está construido e
interpretado de tal manera, que encarna muchos de los rasgos que llegamos a
despreciar en quienes ostentan el poder y lamentablemente se han transformado
en el mundo real en líderes de millones y que engañados confían en ellos:
abusador, falto de empatía, indolente, megalómano, machista, corrupto y un
claro sociópata escondido bajo su apariencia compuesta y atractiva (¿Les
recuerda a alguna figura del mundo real, actualmente liderando a millones de
personas?).Pero nos tienen una sorpresa
con el supuesto hombre más poderoso del mundo: este tiene una debilidad...y no
se trata de kryptonita precisamente. Luego están el resto de los viejos
conocidos: Deep, a estas alturas un personaje cómico, quien está pagando sus
errores de una manera tal que casi sentimos lástima por él y a veces hasta
dudamos de su inteligencia (es en verdad una parodia de Aquaman ¿No? Así como
es una versión retorcida de Superman).Y
recordemos que a la miseria le gusta la compañía y el otro que ahora debe
cosechar lo que sembró, que no es lo mejor, es el aún más detestable A-Train,
quien esta vez también nos saca más de una sonrisa. Del miembro más misterioso de Los 7, el
mortal Black Noir, tenemos algo más para disfrute nuestro y entre ello se
revelan dos datos interesantes... ¡Pero mejor que lo descubran ustedes por sí
mismos! Solo Reina Maeve, aparte de Starlight,
puede llegar a simpatizarnos y más cuando la vemos intervenir de una vez por
todas, en la guerra que ignoró tanto tiempo.Interesante resulta ser el drama propio por el que pasa esta variante de
Wonder Woman. Dos nuevos villanos llegan en esta
segunda temporada para agregarle sabor: en primer la deslenguada Stormfront, la
compañera ideal para Homelander, puesto que mucho tienen en común.Su pasado viene a ser una de las grandes
sorpresas de estos episodios, así como su intervención directa en muchos de los
acontecimientos más importantes.Con
solo unos capítulos a cuestas, logra ganarse el repudio de los
espectadores...¡Y vaya que buen personaje es! Luego tenemos a Stan Edgar, quien se supone
es el jefe máximo, un despiadado hombre de negocio que en realidad resulta ser
mucho más complejo que los villanos superpoderosas.Este, se encuentra interpretado por Giancarlo
Esposito, un actor que tuve el gusto de "descubrir" tan solo el año
pasado y al cual le salen estupendos todos sus papeles y en especial de
"malos", puesto que también tiene un rol como rival del héroe en The Mandalorian. Para amenizar aún más todo esto, que ya
deberían saber de lo suculento que es el plato que nos están sirviendo, aparece
dentro de la trama una poderosa iglesia "new age", ligada a la
adhesión de sujetos con poderes y que está claropara nosotros que sus verdaderos propósitos
no son de carácter espiritual; grandes sorpresas tendremos de sus miembros y en
especial de su líder, así como de su relación con personajes que ya conocíamos
de antes. Un regalito para los seguidores de otros
éxitos de la ñoñería, viene a ser el reencuentro por unos minutos con un viejo
actor muy querido: John Noble, el recordado Walter de Fringe y quien también brilló
como el Senescal de Gondor en El Retorno del Rey (siendo que como
todo un guiño para los más ñoños de la casa, fue la segunda vez en la que le
tocó actuar junto a Karl Urban en una misma producción, luego de trabajar juntos
en la tercera parte de El Señor de los Anillos, si bien aquella
vez no filmaron escenas juntos).No voy
a mencionar qué papel realizó, pues mejor lo descubran quienes como yo lo
recuerdan con cariño. The Boys debe parte de su
éxito al buen humor que posee, momentos muy graciosos salpicados con la
violencia que también caracteriza a este show... Al respecto, solo recordar los
intereses personales del varonil Leche Materna y la respuesta que le da a Hughie
cuando le pregunta qué está viendo en la televisión. Habrá que esperar hasta el año que viene,
para saber qué pasará a continuación con estos formidables personajes y en
especial luego del impactante final, que si bien cierra muy bienlos dramas de la temporada, abre la puerta
para varios temas que podrían desarrollarse a futuro.A tener paciencia no más, cuidarse harto
mientras no haya vacuna para esta puta enfermedad y a ver si mientras tanto me
consigo los 3 tomos integrales del cómic, que la Editorial Norma sacó en unas
preciosas ediciones...¡Que quiero puro saber cómo son las historias originales! ...Y antes que se me olvide: Presten
atención los fanáticos del verdadero Hombre sin Miedo, Daredevil, cuando hacen
una graciosa parodia/homenaje a este tan amado paladín marvelita.
1. Genesis Climber MOSPEADA. Se trata de un animé de ciencia ficción emitido entre
finales de 1983 y principios de 1984 en Japón, compuesto por 25 episodios y que
quienes cuando fuimos niños entre la década de los ochenta y los noventa, conocimos
como la saga final de Robotech, en lo que vendría a ser La
Nueva Generación, también llamado como La Tercera Guerra Robotech
o de manera más informal bajo el nombre de La Saga Invid…Para
ser sinceros, uno que otro detalle no más diferencia la versión original de la
americanizada por Carl Macek (incluyendo los desnudos que aparecen por ahí), entre
los que cambian unos cuantos nombres propios, títulos de las locaciones y
fechas para hacer calzar todo dentro de la versión americanizada. A mediados
del siglo XXI invade a la Tierra una extraña raza alienígena conocida como los
Inbit (Invid en la adaptación gringa), quienes causan tal devastación
con su poderío, que al menos el continente americano (donde transcurre esta
historia), pasa por una crisis demográfica y desperdigándose a raíz de ello los
pocos sobrevivientes humanos; todo ocurre a través de un paisaje bastante cambiado
en algunos casos y formándose nuevas zonas urbanas en las ruinas de otrora
ciudades poderosas o en pequeños pueblos, donde la tecnología ahora es un bien
escaso. En su mayoría estamos frente a
un escenario que nos recuerda mucho el del llamado Far West, donde la
vida no es fácil, las comunidades son diminutas y casi dedicadas por entero a
la agricultura o a la minería (al menos dentro de lo que pudimos ver). Entre medio de todo esto, se encuentran los
miembros de la resistencia a los extranjeros, que ya llevan décadas dominando nuestro
mundo, desde que comienza la aventura de los protagonistas, entre terrestres civiles
y militares sobrevivientes de una primera expedición venida desde Marte a
recuperar el planeta madre (confrontación que perdieron, claro). La serie gira en torno a un grupo liderado
por el único hombre en pie de la segunda oleada liberadora marciana, al que se
unen varios sujetos muy singulares y queribles, la verdad mucho mejores personajes
que su propia cabecilla; es así que este anime trata sobre el largo viaje desde
América del Sur (al parecer Brasil) hasta Estados Unidos para eliminar de una
vez al enemigo, ya sea por ellos mismos (¡Vaya que se tienen fe!...y no lo digo de manera irónica, sino porque en
verdad uno llega a encariñarse con los protagonistas, lejos mucho más que los
de Southern Crossy en mi caso incluso más que con los de Macross)
o uniéndose a otros guerreros. Entre medio
de esta odisea, vamos conociendo el pasado de casi todos ellos, quienes se van
encontrando con varios individuos, que en un puro episodio como coprotagonistas
logran impactarnos; asimismo, también tienen un papel especial los propios Inbit
y es que estos seres, resultan ser mucho más complejos que los enemigos de las
otras series que formaron Robotech, puesto que su conducta y agenda
secreta para invadirnos, es por completo distinta, dándole a la trama conflictos
y trasfondos no apreciados en los otros títulos mencionados.
2. Por qué amo a esta historia. De las 3 partes que componen Robotech,
como ya he dicho antes, esta es lejos mi favorita; razones tengo de sobra y
ahora que la volví a ver luego de más de quince años y en su versión original,
reafirmo mis palabras; puesto que esta vez la miré con un espíritu más crítico
y pensando en qué había en ella como para amarla tanto. A ver, vamos por parte. En primer
lugar, algo que es por completo exclusivo de este programa (o saga, si se le
considera como parte del show occidentalizado), viene a ser el grupo en el que
se centra la historia. Y es que en esta
ocasión la trama posee un carácter coral, que ahora más que nunca los
acontecimientos giran en torno a varios personajes, en la práctica todos ellos
con el mismo nivel de importancia y que en su individualidad aportan bastante con
sus propias habilidades y formas de ser, hasta formar una verdadera familia; se
trata de una comunidad que se necesita, respeta y quiere mutuamente, cuyos
destinos se unieron por el azar y las circunstancias, llegando a convertirse en
más que amigos. Hay dos romances entre
sus componentes, diferentes en la forma en la que se desarrollan entre sí, pero
sumados a la relación estrecha que ha nacido entre todos ellos, resulta emotivo
ver la dinámica que han conseguido (como cuando llegan a una ciudad bien
conservada debajo de una capa de hielo, celebran el cumpleaños sorpresa de una
de sus compañeras o sufren cuando esta misma ha decidido dejar el grupo momentáneamente). Para que todo lo anterior ocurra, por
supuesto que debemos tener personajes entrañables, un equipo heterogéneo que se
apoye en figuras con las cuales podamos simpatizar y hasta sentirnos
reflejados, algo que incluso ni en Macross se consigue tanto como
en este título; ninguno de ellos está caracterizado de manera débil, ni te
desagrada (incluso la niña del grupo, que pese a sus berrinches, aporta humor a
los momentos más dramáticos y luego sabemos que podemos confiarles también
nuestra vida, contar con ella…). Cuando
hemos terminado de ver Mospeada, se echan de menos estos
personajes, que quisiéramos más historias suyas, puesto que se han encarnado en
nuestros corazones y si los conocimos siendo aún niños o en los primeros años
de nuestra adolescencia, es entendible la añoranza que nos provocan; porque estuvieron
ahí para “hablarnos” y “contarnos”, acerca de temas que ya nos interesaban en
aquel entonces y con un realismo bastante estremecedor, pese al ambiente de ciencia
ficción en el que transcurre todo esto: la soledad, el compañerismo y la
lealtad. Desde los
orígenes del manga (cómic japonés), cuando comenzó a desarrollarse esta rancia
tradición artística, con autores de la talla de Osamu Tesuka, estas obras tratan
una historia de connotaciones épicas y que se extiende de manera continua a lo
largo de sus varios episodios; un ejemplo de ello, viene a ser nada menos que La Princesa Caballero, editada por primera vez en la década de los
cincuenta del siglo pasado, del mismo “Dios del Manga”, la cual en cada
capítulo va abordando la trama de manera cronológica. Luego, el mismo animé posee este carácter y
tanto en el papel, como en las producciones audiovisuales, en su mayoría apreciamos
este elemento. Respecto a todo lo afirmado
en las anteriores líneas, Mospeada es un caso especial, puesto
que si bien trata acerca de la lucha en contra de los Inbit, lo que
motiva las acciones de sus personajes hasta su espectacular final, en su
mayoría los episodios poseen un estilo autoconclusivo; y eso es algo que
particularmente me gusta mucho, puesto que considerando que ahora mismo las
producciones gringas televisivas han optado por esa tendencia, se echan de
menos los títulos en los cuales nos encontramos con una excelente aventura de
un solo capítulo, donde nos consiguen sorprender y emocionar, algo que con el
caso presente sucede con creces. Más de dos
decenas de potentes historias, tenemos para disfrute nuestro en la obra que hoy
nos reúne, donde los protagonistas se enfrentarán a aventuras de todo tipo, igual
ellas ligadas a los invasores; sin embargo, todas estas nos contarán casos de
enorme heroísmo, aunque también acerca de los vicios y debilidades del ser
humano, para luego volver a enaltecer lo mejor que puede haber entre nosotros;
ya que nuestros protagonistas son tanto ejemplo de lo recién mencionado, como
son testigos de lo uno y de lo otro, gracias a los personajes variopintos con los
que se cruzan en el camino. En este
sentido, emocionantes son los episodios que nos cuentan sobre el héroe de
guerra “caído” y con el que se encuentran casi al principio de la serie, la
visita a un pueblo donde no quieren confrontación contra los inbit y donde uno
de los protagonistas va a dejar un libro a un viejo amigo, el encuentro con los
veteranos de guerra que han perdido la fe en sí mismos, el drama del soldado
ciborg y el de la periodista que conocen poco antes de finalizar el animé
(entre otros, claro). Uno de los grandes temas de las
narraciones desde la época de la oralidad (mitos y leyendas) es el del viaje, ejemplos
que encontramos tanto entre aquellas que son tanto clásicos, como la semilla de
muchas otras que hoy reverenciamos como La Odisea, los relatos bíblicos
de Noé y de Moisés, el Poema del Mío Cidy La Divina Comedia, por solo mencionar algunos.
Al respecto, los artistas no han dejado de inspirarse en ellas, puesto
que la vida misma es un largo viaje que solo termina con la muerte (y para los
creyentes, este es solo el paso a otro viaje más maravilloso) y en este sentido
el manganime no puede quedar exento de dicho tópico. Si comparamos a la luz de este asunto Mospeada,con los dos títulos ya revisados en El Cubil, encontramos que Macross
sí aborda esta temática en su primera parte, cuando el SDF-1 es
transportado accidentalmente al espacio y luego debe regresar a la Tierra; Southern
Cross trata del descubrimiento del “Otro” debido a la guerra, sin
embargo pese a que Jeanne Fránçaix/Dana Sterling y su gente, visitan las naves-mundo
de los Zor/Maestros de la Robotecnia, el viaje en sí no es determinante para el
desarrollo de la historia… En cambio con el presente anime que ahora nos reúne,
el viaje es esencial dentro de la motivación de sus protagonistas y es lo que
ayuda a conocerlos mejor, así como al mundo que los rodea tan distinto al
nuestro y aún así tan cercano a este mismo como al de otros grandes relatos. Muchas aventuras pasan entre medio, cada una
con sus puertos, pruebas y personajes invitados, que mientras dure su misión
nunca se quedarán mucho tiempo en ese mismo lugar y es justamente todo esto lo
que al menos a mí me hace tan atractiva esta saga; que la vida es un constante
descubrimiento y eso es lo que vemos a medida que se va desarrollando un
argumento como este. Desde pequeño, cuando veía westerns con mi
papá, que amo este subgénero y en ese sentido ahora ya adulto y luego de un montón
de obras correspondiente a tal temática, me he dado cuenta ahora de que Mospeada
tiene mucho de esto. Y es que al
estar casi toda ella ambientada en tierra, las diversas historias y
ambientación que conforman el argumento central, la convierten en un western de
ciencia ficción. Las confrontaciones no
solo con los Inbit, sino que con otros humanos, villanos, es al más puro
estilo de las disputas entre vaqueros; de hecho, muchos personajes y pueblos
con los que nos encontramos acá poseen las características de estas obras,
donde hombres y mujeres deben conquistar con su propio valor y manos un suelo
agreste, donde impera la ley del más fuerte, hay señores que ostentan el poder para
bien o para mal como líderes de estas comunidades, aparecen forajidos y bandoleros,
caballos varios, cantinas, etc. Hay una
apariencia retro en buena parte del show, que no dejo de disfrutar en medio de
la tecnología futurista y la presencia de las criaturas extraterrestres.
3. Otras apreciaciones. Los 3 casos que se convirtieron en la materia prima de
Robotech poseen robots, mechas y
naves (entre humanas y alienígenas) por doquier…Cada uno con sus propios
diseños, que para quienes vimos este programa en los albores de nuestra existencia,
no dejaron de maravillarnos… Sin embargo, en el caso de Mospeada o
La Nueva Generación, dichos vehículos y armaduras me resultan más
llamativas que nunca y ello debido a su apariencia orgánica; es así, que en lo
que a los Inbit se refiere, nos recuerdan varias de ellas a gigantes crustáceos,
cada modelo precioso en su configuración, lo que las hace verse amenazantes,
extrañas y exóticas; las mismas naves transportadoras de soldados extraterrestres,
parecen colosales conchas y respecto a todo esto, la configuración de los
recintos del enemigo son muy llamativos (Me pregunto si alguna vez en mis
anteriores revisiones de la serie, me había dado cuenta de la clara connotación
fálica de sus edificios). Y en lo que respecta a la tecnología humana, los Mospeada
(Ciclones en la versión gringa), se ganaron el corazón de muchos,
que estas motos transformables en verdad son preciosas y dan ganas de tener una
real o al menos a escala. Cabe mencionar
que cuando llegó a estos lares Robotech, otra época, cuando
muchos de nosotros éramos “blancas palomitas” y pensábamos diferente, que nos
quedaba aún mucho por vivir, el personaje de Yellow Belmont/Yellow Dancer fue el
primer personaje cercano a la comunidad LGTB que conocimos; transformista más
bien (que debemos tener claro que no es travesti, ya que este se hace pasar por
mujer no por un tema de orientación sexual, sino porque su trabajo como artista
y, además, para despistar al enemigo, lo ha llevado a interpretar a una
fémina), quizás a más de alguien, entre menores y adultos, causó impacto y luego aceptado sin mayores contratiempo por esa audiencia tan inexperta en tales temas; no
obstante se convirtió con rapidez en uno de los protagonistas más icónicos de
la serie y que haya pasado esto concretamente entre los chilenos, que aún vivíamos
en la dictadura militar de Pinochet, es algo para tener en cuenta a la hora de
hablar de las virtudes de esta serie y lo que hacen los japoneses con sus
fantasías: que detrás de todas estas fantasías, la humanidad de sus personajes
y los temas planteados en medio de tales historias, son reflejo de la realidad
de una manera tal, que los gringos no se atrevían a hacer en sus producciones animadas
incluso hoy en día, porque pensaban que el formato debía ser de carácter
familiar y/o infantil (salvo honrosas excepciones y entre ellas el propio Carl
Macek que tuvo la valentía de traernos estas historias). En tiempos en los cuales palabras y valores
tales como diversidad, inclusión, tolerancia y
minorías sexuales no formaban parte de nuestro lenguaje cotidiano,
una obra como Mospeada marcó precedentes.
Opening (para mí lejos lo mejor su animación, que la canción no es de mi gusto).
1.
El material primigenio. De entre todas las series, miniseries,
novelas gráficas y one-shots que han salido de la popular franquicia de los X-Men
en los cómics Marvel, se encuentra una de las tantas creaciones de Chris
Claremont para las revistas sobre los mutantes marvelitas: Los Nuevos
Mutantes. Teniendo de protagonistas
a un grupo de adolescentes, tal como lo fue en los sesenta con la agrupación original
de los estudiantes del Profesor-X, acá nos encontramos con una nueva generación de “Hijos del Átomo” aprendiendo a usar sus poderes, para enfrentarse a
las fuerzas del mal y ahora teniendo de tutores a los primeros egresados de la
Academia para Jóvenes Talentos. Debutando
en 1982, han tenido al menos un trío de series diferentes y muchos de sus
personajes se volvieron famosos, teniendo destacados papeles en los eventos de
estas colecciones. 2.
Con las mejores intenciones. Proyectado su debut en el cine en
un principio para 2018, cuando aún teníamos en este mundo al querido Stan Lee
(puesto que su nombre aparece como Productor Ejecutivo), fue atrasado su
estreno en al año siguiente, ya que el montaje original no fue
del gusto de algunos y hasta fue reescrita la cinta. Con posterioridad vino la compra del imperio
de Disney a los estudios Fox, siendo que esta iba a ser la última producción “independiente”
de la empresa con los derechos exclusivos de los personajes, lo que atrasó de
nuevo el estreno para otro año más y luego vino la pandemia del Covid-19,
exhibiéndose por fin en cines durante agosto de este 2020, aunque con las
restricciones respectivas como bien es sabido.
Así que el filme nunca llegó a Chile y a otros lugares del mundo, salvo
honrosas excepciones, que al menos acá en el culo del mundo las salas de
espectáculo no se abren desde fines del primer trimestre. Solo gracias a la magia de Internet y las
descargas, más ahora que salió en blu-ray este mismo mes, su servidor ha podido
verla y heme aquí escribiendo sobre ella (recuerdo haber visto el afiche en
algunos cines y hasta el tráiler…todo bastante sugerente). El largometraje está realizado por Josh
Boone, director, guionista y productor de un par de comedias románticas, que en
más de una ocasión ha estado a punto de llevar a la pantalla grandes obras del
género de terror de artistas consagrados y a los que admira como Stephen King (Revivaly La Historia de Lisey), Anne Rice (El Vampiro Lestat)
y Clive Barker (El Gran Espectáculo Secreto); pero las
vicisitudes de la vida se lo impidieron, hasta que consiguió llevar a cabo en
10 episodios la nueva versión de The Stand, la famosa novela del
llamado Rey del Terror para la televisión y que se estrenará a fin de año. Mientras tanto, hoy tenemos para apreciar y
disfrutar su visión bastante especial de los cómics de superhéroes,
convirtiendo una historia de aventuras de justicieros en trajes ajustados y
llamativos, en una obra de horror sobre muchachos enfrentados a sus miedos e
incapacidad para asumir su propia naturaleza extraordinaria (una estupenda
metáfora sobre la adolescencia), los que más encima son ven controlados por una institución y su representante que supuestamente desea protegerlos, aunque como es
de esperar no todo es lo que parece. 3.
La trama. Con un comienzo muy prometedor, que al
menos en mi caso no rompió las expectativas que me provocó (pese a la mala
referencia de un amigo que se prejuició contra ella y algo me contaminó al respecto) y que consigue de inmediato
darle una atmósfera enrarecida, que la hace ser tan distinta a otras entregas
de adaptaciones sobre los famosos mutantes, nos muestra a una de sus protagonistas
siendo la única sobreviviente de una terrible experiencia. La chica, de origen indígena americano, llega
hasta una institución donde dicen la van a ayudar a salir de su trauma y a descubrir sus habilidades para usarlas con
pleno dominio; allí se encuentra con otros muchachos, cada uno con su propia
personalidad, capacidades y conflictos. Como
es de esperar, la convivencia con el resto de los chicos la lleva a entablar
amistad y si bien una de las otras dos muchachas que allí viven, se muestra en un
principio agresiva con ella. Todo se
complica cuando una serie de manifestaciones de tipo sobrenatural, espantosas y
violentas comienzan a asolar al grupo, de modo que lo único que pueden hacer es
descubrir su origen y deshacerse de tal amenaza; así que pese al individualismo de
algunos y a que no los han preparado para ello, deben aprender a trabajar en
equipo, como es habitual en este tipo de relatos.
Precioso afiche onda retro ochentero.
4.
Para espectadores más creciditos. El tono oscuro del argumento, que se
ofrece como una “historia de terror sobre superhéroes” literalmente en la
publicidad de esta película, hace que no se trate de un título familiar y/o para ver
con niños pequeños (razón por la cual no la contemplé junto a mi sobrinito
regalón, fanático como yo del género), siendo que además tiene escenas violentas
y unas criaturas pavorosas muy en la línea de las producciones terroríficas (ciertos
humanoides parecidos al popular Lenderman). Asimismo, viene a ser la primera cinta
sobre un cómic Marvel o DC en tener un personaje LGTB relevante para la trama y que en realidad no se trata solo de uno, sino que acá nos encontramos con el
comienzo de un romance lésbico (muy bien desarrollado, por cierto, incluyendo el
valor del autoreconocimiento en oposición a cierto grado de homofobia y que, más
encima, se encuentra ante un rechazo de tipo religioso, por la supuesta doble naturaleza
desviada de una de las chicas); por otro lado, hay más de una alusión de tipo sexual,
hétero, lo que tal como la inclusión antes mencionada está bien, aunque sin
dudas aporta a que este título sea solo para espectadores con mayor
criterio. 5.
Para marvelitas de corazón (y en especial si son seguidores de los X-Men). Aunque no tengamos a los protagonistas
usando atuendos vistosos, no usen sus nombres de guerra y tampoco salgan personajes
ya famosos de la franquicia, se trata sin vacilaciones de una obra inserta en
el Universo Mutante al que pertenecen las otras películas; es así, que en más de
una ocasión se menciona indirectamente a la Academia Xavier para Jóvenes
Talentosos y en una escena muy particular, de manera mucho más precisa, a nada
menos que el propio Charles Xavier (por medio de una especie de broma algo graciosa). Por otro lado, una de las protagonistas
resulta ser nada menos que la hermana menor de Coloso, si bien tal dato no se
menciona, aunque quienes sabemos de estas historias reconocemos su parentesco. Igual unas cuantas veces se nombra con
todas sus letras a los X-Men. Por otro lado, el lugar donde están recluidos
los personajes tiene relación con alguien muy importante dentro de las
colecciones mutantes, quien ya tuvo una primera referencia en Días
del Pasado Futuroy que se supone en algún momento tendrá un rol
destacado dentro de próximas películas (más no les puedo decir, si no me van a
acusar de hacer spoilers). Por cierto, aunque no se trata de algo
relacionado de manera directa con los cómics de la Casa de las Ideas, en algún
momento alguien de los personajes está viendo uno de los mejores episodios de…¡Buffy, la Cazavampiros!(la más famosa creación de Josh Whedon, director de las
dos primeras películas de Los Vengadores y responsable de una de
las etapas más recordadas de los propios X-Men en los cómics).
6.
Personajes. El equipo que aparece en la película, es
completamente nuevo dentro de las adaptaciones audiovisuales de Marvel para el
cine y/o de imagen real. Como es de
esperarse, se trata de un grupo heterogéneo, hombres y mujeres de distinta nacionalidad
y condiciones, tal como sucedió con la colección de los X-Men cuando volvieron luego
de años de haber sido cancelada su serie y lo hicieron por medio de un nuevo
grupo, ahora conformado por mutantes de distinta nacionalidad, entre los que
encontraremos a nuestro Hijo del Átomo favorito: ¡Wolverine! Considerando lo dicho más arriba, para ayudar
más a motivarlos ver esta producción que merece su atención, termino la presente
revisión del filme en cuestión mencionando a sus protagonistas, que en todo caso nunca son llamados acá por sus alias tal como sucede en las viñetas: Danielle
"Dani" Moonstar/Mirage: El primer personaje que conocemos de la
película, de origen nativo americano, es una dulce chica que carga con el “Síndrome
del Sobreviviente”. Su poder solo queda
claro bien avanzada la trama, sin embargo es lejos el más relevante dentro de lo que
está ocurriendo y el peligro al que se enfrentan todos. Su vida se encuentra ligada a un espantoso
monstruo llamado Oso Demonio (bueno, en el largometraje tampoco le dan un nombre...Empero se trata de una criatura conocida dentro de las historietas). Rahne
Sinclair / Wolfsbane: En la práctica una licántropo, o sea, una mujer-lobo,
resulta ser uno de los personajes más interesantes del filme y es que está
interpretada por Maisie Williams, a quien tuvimos el gusto de conocer gracias a
su papel como Arya Stark en Juego de Tronos(convirtiéndose en la
tercera actriz de la famosa serie de televisión, en trabajar para una cinta de los
X-Men). Católica y atormentada también por su pasado, al igual que el resto de
sus compañeros, entabla una relación muy especial con la mencionada Dani. Samuel
"Sam" Guthrie / Cannonball: De entre todos los protagonistas, el único
al que ubicaba mayormente de viejas lecturas mías de las revistas, corresponde
a un chico de origen humilde y que en esta adaptación apenas sabe controlar su poder,
lo cual por igual lo hace sentirse inferior. Amistoso y sencillo, es encarnado
por otra cara conocida, Charlie Heaton, quien hace de un querido personaje de Stranger Things. Illyana
Rasputina / Magik: Quizás
la más poderosa del grupo o al menos la segunda luego de Dani, es una chica rusa
que actúa como una verdadera “perra” (a diferencia de Rahne). Pese a sus aires de autosuficiente, tiene
como debilidad a su peluche, que en realidad es mucho más de lo que vemos a simple vista. Sexual
y agresiva, quien puede desagradarnos en un principio, al final llega a
simpatizarnos, en especial por lo maravilloso de sus habilidades. Sorprende el
talento de la actriz que la personifica, la preciosa Anya Taylor-Joy, la cual en Splity Glassde M. Nigth Shyamalan interpreta a una chica tan
diferente y dulce.
Roberto
"Berto" da Costa / Sunspot: El chico guapo y/o sexy del grupo, de
nacionalidad brasileña. Se muestra como
alguien preocupado más por mostrarse hedonista y despreocupado, aunque igual tiene
sus esqueletos en el armario, puesto que tampoco sabe manejar su poder que lo
aterra. Por cierto, proviene de una
familia millonaria. Doctora
Cecilia Reyes: El
único adulto de entre los personajes (salvo el papá de Dani, si bien este apenas
sale en la película) y quien controla sola el centro médico donde están
internos los jóvenes. Se supone está
preocupada por ayudar a los chicos y por eso es severa en sus reprimendas, no
obstante tiene sus propios secretos que resultan ser bastante egoístas la
verdad.
