POST NÚMERO 1000: ¿Quién es Blue Beetle?

1. Una verdadera dinastía superheroica.
 
    Charlton Comics fue una editorial de historietas con muy buenos personajes, que le hacía bastante competencia a Marvel y a DC durante la llamada Edad de Plata.  Uno de sus títulos destacados fue Blue Beetle (Escarabajo Azul), un justiciero con poderes místicos, recibidos de un objeto egipcio con forma del coleóptero y del cual luego adopta el nombre.  Alter ego de Dan Garrett, fue en su momento la actualización de otro paladín de la Edad de Oro, del cual supuestamente Charlton compró sus derechos a la desaparecida Fox Feature Syndicate.  La segunda versión de este luchador de la justicia data de 1964, mientras que el primero, Dan Garret (sin la segunda T), es de nada menos 1939 y no tenía poderes a diferencia de su versión más "moderna".
    Al anterior le sigue Ted Kord, el Blue Beetle más famoso y querido de todos (y mi favorito), quien debutó en las revistas en 1966, co-creado nada menos que por Steve Ditko (uno de los papis de Spidey y del buen Doctor Strange, que el otro es Stan Lee).  Discípulo del anterior, basa su labor en la gran inteligencia que posee, que le permite crear varios elementos fabulosos para combatir el crimen (ya que no posee superpoderes), su agilidad atlética y el buen humor que lo caracterizan, a lo que se le suma el dinero que tiene como dueño de empresas Kord (dedicada a la tecnología). Considerando lo recién mencionado, entre ellos su avatar insectoide, recuerda bastante al propio Spider-Man, como a Batman (si bien es lejos mucho más sociable que el segundo).  Interesante resulta ser que su debut, fue en la serie del Capitán Atom, otro gran superhéroe de la Charlton y solo después obtuvo su propia colección. Fue introducido a la continuidad oficial de DC en los eventos de Crisis en las Tierras Infinitas (1985-1986), en la que tuvo un papel relevante.  Su participación como importante miembro de la Liga de la Justicia de América y de la Liga de la Justicia Internacional, durante más de 5 años, haciendo una inolvidable dupla con Boster Gold, su mejor amigo, es recordada como su mejor etapa; con posterioridad no tuvo tanta relevancia, hasta que un dramático evento relacionado con él propicia la Crisis Infinita. Pasaría un buen tiempo para que volviera a destacar en los cómics, en especial a partir de Renacimiento (que rescató varios conceptos de DC que los Nuevos 52 había descartado, gran error) y en especial Doomsday Clock.  Cabe mencionar que fue la inspiración de Alan Moore y Dave Gibbons, para crear a Night Owl en Watchmen, la famosa novela gráfica que revisita en tono adulto a los superhéroes de la Charlton.
     El tercer Blue Beetle, Jaime Reyes, es un joven de origen latino que recibe por accidente el escarabajo que originalmente era de Dan Garrett, aunque se revela que el aparato es en realidad de procedencia alienígena; es así que este se une en simbiosis al chico y se vuelve una armadura, la cual le permite crear armas sofisticadas.  En las historietas, ha tenido colección propia y formado parte de los Jóvenes Titanes y de la Liga de la Justicia.  Cabe mencionar que hoy en día, Reyes y Kord llevan en paralelo sus carreras como Bicho Azul.
 
2. Blue Beetle en los medios.
 
    De los tres Blue Beetle es Reyes el que más desempeño ha tenido en televisión, teniendo su primera aparición como invitado en un capítulo de la décima y última temporada de Smallville (en una historia haciendo de comparsa del mismo Boster Gold, si bien acá apenas habla y se ve muy amenazante).
   Luego Blue Beetle posee mayor rol en Batman the Brave and the Bold, como uno de los primeros discípulos del Caballero Oscuro.  Sin embargo, es en la segunda temporada de Young Justice la serie donde obtiene mayor significancia, puesto que la trama misma gira en torno a la naturaleza de su armadura.
   En cuanto a Ted Kord, apareció en dos capítulos bastante nostálgicos de Batman the Brave and the Bold.  Asimismo, tuvo su propio cortometraje para Showcase, una serie de producciones animadas que van de agregados a las películas animadas originales de DC; en este caso concreto, cabe destacar la estética y animación que emulan la del recordado cartoon sesentero de Spider-Man.

                             Los preciosos créditos de apertura del corto de Blue Beetle II.

 
3. Blue Beetle y yo.
 
    Conocí a Ted Kord, el segundo Blue Beetle, a mediados de los noventa y ello gracias a los cómics que me prestaba mi amigo Mauricio Tapia.  Se trataba de la edición argentina de Liga de la Justicia Internacional, que sacaba la extinta empresa argentina Editorial Perfil; eran versiones muy baratas, hechas con papel casi parecido a la celulosa de los llamados pulps y de colores deslavados.  En dicha versión su nombre aparecía traducido como Bicho Azul y de esa manera me acostumbré a llamarlo desde siempre.  Su simpatía y optimismo, su buen humor desde un principio me hicieron adorarlo.  Asimismo, su férrea amistad con Boster Gold (Astro Dorado en la edición de Perfil), era un ejemplo que quería seguir con mis propios amigos (solo años después, comencé a fantasear con la idea de que podía haber un romance entre los dos).  Uno de mis mayores deseos es tener en edición de lujo esta dorada etapa (en paralelo con la Liga de la Justicia de Europa) y este año estuve a punto de cumplirla, debido a un proyecto especial de ECC (editorial de cómics española que hoy en día posee los derechos de DC en España) dirigido a un público reducido, pero el envío desde España me salía en la práctica casi el mismo valor que los tomos de la colección, así que por vivir en Chile pagaba el doble (¡Y me penarán esos 6 libros de preciosa presentación que no tendré en mis manos!).  Lo último que les diré sobre mi Blue Beetle predilecto, es que por años he querido hacer cosplay de él; a ver si al menos pronto cumplo ese sueño.
    En cuanto a Jaime Reyes, no tengo recuerdos de haber leído cómics en los que apareciera, si bien sé que su estreno fue en Crisis Infinita, que tengo y leí hace años, aunque nada me acuerdo al respecto.  En cambio, sí tengo presente lo divertido que era verlo en Batman the Brave and the Bold, serie en la cual acompañó al Murciélago a unas cuantas aventuras espaciales; más fresco tengo su intervención en Young Justice, que la revisité el año pasado no más.  En todo caso, me gusta mucho el personaje, su personalidad y apariencia, así como no puede dejar de agradarme que sea latino como yo.

Icónica portada del primer número de la Liga de la Justicia con Ted Kord y amigos.

 
4. La peli.
 
    Pensada originalmente como un producto para streaming, al final se decidió lanzarla de forma directa al cine y es que bastante plata y talento se gastó en la película para el cine de Blue Beetle.  Centrada en el tercero de esta dinastía, Jaime Reyes, aunque ya no un adolescente, sino que un inexperto joven de 22 año (bien educado y recién egresado abogado), nos muestras sus primeros pasos usando la armadura alienígena, la que tal como en las historietas llega hasta él de forma azarosa.  Es así que no solo debe aprender a usarla, y de manera muy graciosa, sino que también ello implica convivir con la IA que vive dentro del Escarabajo Azul.  Que Reyes haya sido "escogido" por la entidad extraterrestre, no es por completo fortuito, sino que responde a un conflicto de fuerzas mayores y en el que una multinacional dedicada a la producción de armas desea hacerse a toda costa con el control de esta tecnología; por lo tanto, en medio del fuego cruzado y al haberse involucrado su propia familia en todo esto (aunque como víctimas inocentes de los poderosos), el muchacho tendrá que luchar en contra de los villanos de turno.
     Aparte de una historia maravillosa, que no aburre y nos mantiene atentos en todo momento, con una puesta en escena soberbia en los aspectos técnicos y artísticos, en Blue Beetle encontramos varios puntos a destacar:
 
* Primero que nada, al menos para mí, la enorme importancia que se le da al valor de la familia y es que el mismo protagonista posee una tan entrañable, en la que pese a la diversidad de sus integrantes, se aprecia que el amor es el eje central que une a sus integrantes; por lo mismo, esta es la mayor fuerza con la que cuentan, ya que es lo que los hace auténticos y felices; por lo tanto, antes que la mismísima armadura sofisticada, son estos principios los que le otorgan a Jaime Reyes la resiliencia, para superar las duras pruebas que se le pondrán por delante.  El mismo tema de la familia, se da por parte de otros personajes de la cinta, como bien sucede con los Kord, ya que el segundo Blue Beetle, Ted, tuvo una hija que mantiene la memoria de la huella de sus padres y eso mismo la vuelve alguien destacable; no obstante, tenemos a su déspota tía, quien para nada comparte sus principios y de ahí sus rencillas con ella (una contraposición clara con la familia Reyes). Y, por último, tenemos al otro villano de la historia, un sujeto que escapa al estereotipo maniqueísta y cuyas palabras dirigidas a su rival ("tu familia es tu propio lastre" o algo así) son significativas, tanto para redondear este tema, como para definirlo a él mismo.
* Luego hay que mencionar todo lo relacionado con el elemento étnico del filme, ligado a la identidad no solo mexicana (padres, abuela y tío de Jaime son emigrantes que llevan décadas en USA, se han nacionalizado gringos, pero no han perdido sus raíces orgullosas, las que se las han transmitido a Jaime y a su hermana).  Cabe mencionar que antes ya Marvel y el UCM nos mostraron elementos mesoamericanos en Wakanda for Ever, con su reinterpretación de Namor y su gente, mientras que América Chávez de Doctor Strange en el Universo de la Locura, es de clara ascendencia latina... Sin embargo, su hispanidad está permeada por la fantasía y por lo mismo no son los mejores ejemplos de la identidad latinoamericana (sus pueblos de origen en el mundo real no existen); en cambio DC centra el protagonismo de Blue Beetle en latinos REALES y nos da el gusto celebrando su música y costumbres (el Chapulín Colorado, la Virgen de Guadalupe, la clásica melodía de La Cucaracha y hasta una canción de los argentinos Soda Stereo... Entre otros preciosos detalles).  Por lo mismo, escuchamos un montón de diálogos en español y también algo de portugués de Brasil y una bella lengua indoamericana que me parece es náhuatl.

* Relacionado con lo anterior, encontramos una severa crítica al imperialismo yanqui: Las empresas Kord están ahora lideradas por una mujer caucásica racista, quien usa el poder de su industria en armamentos y ha intervenido con sus inventos de muerte en lugares como Guatemala (no olvidemos que el director de este largometraje es de nacionalidad y si bien Ángel Manuel Soto no es el autor del guión de esta peli, quedan claras sus intenciones políticas).
* Otro de los puntos fuertes de esta obra, son sus personajes; por lo mismo, aparte de algunos de los ya mencionados (el mismo superhéroe novato y los dos villanos), caben destacar la hermana, el tío y la abuela.  La primera de ellos, una chiquilla cuya hermandad con Jaime es admirable; el segundo, un verdadero genio que vamos descubriendo con placer y la tercera, una graciosa sorpresa de mujer.
* En cuanto a los actores que aquí intervienen, solo tenemos a dos estrellas, si bien todos sus compañeros de acción están formidables.  En el papel principal tenemos a Xolo Maridueña, héroe juvenil de Cobra Kai y a quien da gusto verlo en otro papel, luego de años contemplándolo como el mismo personaje en el mentado programa. Luego está "la mala de la película" la veterana Susan Sarandon y a quién no la veía desde la década pasada en una nueva producción; debo decir sobre ella (a la cual adoro) que me fascinan sus villanas (como la que interpreta en Hijos de Dune y la bruja malvada de Encantada).
* Por último, solo para ñoños que SÍ saben de cómics deceístas: atentos a la reinterpretación que aquí hayamos de una idea salida de nada menos que Jack "El Rey" Kirby: OMAC ¿Les gustó?

                                                                            Tráiler.

Descubriendo a una gran escritora (1)

     Tanith Lee fue una muy talentosa escritora de ciencia ficción, fantasía y terror bastante premiada y valorada por la crítica especializada y sus lectores.  Prolífica, con más de 70 novelas y/o libros publicados (entre literatura infantil, juvenil, para público adulto y poesía), así como nada menos que sobre 300 cuentos, era una asidua colaboradora en variadas antologías.
    Pese a las dimensiones de su carrera, en español una muy ínfima parte de esta ha sido publicada y de ella mayormente sus novelas más tempranas y/o del siglo XX (un total de solo 8 de estos trabajos).  Lo mismo sucede con sus cuentos, recogidos en selecciones varias como Vampiras (1987, por editorial Valdemar), si bien tampoco son tantos los que podemos leer en nuestro idioma.  Un número considerable de estos relatos traducidos a la lengua de Cervantes, son los que aparecen en su colección Mujeres: Ángeles o Demonios (1989, Women as Demons), el volumen que ahora revisaremos.
     Si bien para mí ha sido un enorme placer dedicarme a este tomo, que compré (a menos que me equivoque) hace 20 años y solo ahora leí, lamento que cuando ya le he dedicado mi tiempo, su autora haya fallecido hace rato; y es que en 2015 Tanith Lee sucumbió al cáncer de mamas, cuando solo tenía 67 años (una muerte temprana, que podría haber seguido por muchos años más escribiendo nuevas piezas suyas).
    Pendiente tengo Hijos de Lobos (1981), novela en la que trata el tema de la licantropía y que está bastante bien considerada, como el resto de su bibliografía.
    Los cuentos que comprenden la colección que ahora nos reúne son:
 
1. La Mujer Demonio.
 
    Un caballero llega hasta una torre, en la que solo vive una mujer, aislada del resto del mundo.  La dama es hermosa y de aspecto misterioso, quien resulta ser una criatura femenina que es peligrosa para los varones y a los que atrae con sus encantos.  Varios factores permiten que el viajero escape con vida, aunque no sin antes quedar marcado por esa especie de vampiresa; por otro lado, la mujer no puede quitarse de la cabeza a quien ha sido su única presa en escapársele y por ello hace algo que nunca antes había llevado a cabo: sale de su hogar y comienza a buscarlo, para consumar de una manera u otra su único encuentro.
    Un bellísimo primer relato para comenzar este libro, poseedor de una prosa poética que nos preguntamos si va a estar presente en el resto del tomo; porque nos atrapa y nos lleva a este mundo que conjuga el ensueño y las pesadillas, al reinterpretar los clásicos cuentos de hadas y las narraciones orales propias de algunos mitos y leyendas medievales sobre amores tormentosos.  Así como el héroe de esta historia resulta arquetípico (varonil, leal, gallardo y hermoso), la supuesta villana en primera instancia también cumple con el perfil propio de su estirpe (preciosa y mortal); sin embargo, debido a su naturaleza que la ha llevado a ser una persona condenada y a cómo intenta escapar a ese destino, resulta imposible no compadecerla.
     Por otro lado, se trata de un texto que ahonda en la soledad de su personaje femenino principal, privada del privilegio para encontrar el amor y/o a un par; debido a lo anterior, pese a sus cualidades sobrenaturales, no deja de reflejar el dolor verdadero y que encontramos en quienes en el mundo real se sienten igual de desamparados.
 
2. Deux amours d'une sorciere.
 
    Una mujer joven y hermosa se ha casado con un hombre rico ya anciano, que bien podría ser su padre o hasta su abuelo.  La vida entre ambos es tranquila, que no hay amor verdadero entre ellos, ni deseo, aunque sí se acompañan.  La vida sigue su curso, hasta que la fémina conoce a dos apuestos caballeros que son considerados los más sobresalientes del reino y es entonces que se obsesiona con uno de ellos.  Entonces decide usar sus talentos de hechicera para atraerlo hacia ella; no obstante, sus planes no se cumplen como bien quisiera y al final es la desgracia la que llega hasta su puerta.
     La autora vuelve a la ambientación medieval, para contarnos otra vez por medio de un lenguaje exquisito en sus descripciones, una historia acerca de la manera tormentosa de cómo podemos llegar a amar y a desear de manera egoísta, sin pensar en las consecuencias.
    Pese a no ser un relato muy extenso, encontramos en sus páginas poderosas imágenes, que son un deleite para la imaginación (como cierta visita a la corte, que incluye una conversación entre uno de los dos caballeros y la protagonista de esta obra, frente al resto de la audiencia).

 
3. Un guante no correspondido.
 
   En una comunidad pequeña y en la que se conocen entre todos, un hombre con cierta fama entre los suyos, conoce a una artista con la cual tiene un corto affaire.  Ella es quien está más interesada, pero el tipo la despacha sin mayores complicaciones, puesto que acostumbra a desligarse en un dos por tres de sus conquistas.  Mientras él es una persona práctica y frío (en un principio), la pintora es apasionada y frágil (en apariencia).  Esta última trata de que su amor no la abandone, no obstante, al no resultar su propósito, comienza la desgracia para el supuesto rompecorazones y se desencadena la declive suya en la que lo fantástico entra en escena.
     Esta historia, la más extensa de las que llevamos leídas del libro y la primera en estar ambientada en la actualidad (al menos de para cuando se escribió esta obra, claro), se mueve dentro del terreno de la incertidumbre y ese es uno de sus puntos más destacables; pues la vida misma es un misterio y muchas veces nos quedamos con la duda de qué nos pasó realmente o por qué.  Es así que no está claro de si el castigo que le llega al despreocupado y casi misógino protagonista, es por intervención de una fuerza superior sobrenatural o surge del mismo despecho de su antigua conquista; sin embargo, lo que sí está claro, es que el objeto de su delirio es tanto castigo, como una manifestación de su culpa.
     Interesante resulta ser, además, ligado al nombre de esta pieza, el juego que hace la escritora con dos objetos y/o minúsculas prendas, que en el pasado tenían un significado especial y que con el paso del tiempo han perdido el sentido que llegaron a tener: El pañuelo de tela que usaban las damas y botaban de forma deliberada al suelo, con el propósito de que el varón de su interés la recogiera para entregárselo (a ver si se producía el romance con todo este rito); por otro lado, tenemos al guante con el que se golpeaba en el rostro a una persona, como símbolo de molestia y desprecio, en el caso de que esto lo hiciera una mujer a un hombre, o para ofrecer un duelo (ajuste de cuentas) por parte de un caballero ofendido a otro que lo haya humillado... He aquí la interesante recreación que hace la autora de estas rancias tradiciones (o que, al menos, así lo interpreto yo).
 
4. Gemelos.
 
    El primer texto del volumen que está contado en primera persona es, además, una extraña narración dividida en pequeños capítulos (cada uno con su nombre, que gira en torno a lo que nos dice en sus líneas la protagonista).  Es, más encima, un texto a medias entre la ciencia ficción y el terror sobrenatural, con un fuerte contenido mítico.
    Una mujer de muchos talentos artísticos vive sometida por una entidad masculina que vive dentro de ella.  Nunca llegamos a saber su origen y al parecer su naturaleza es por completo incorpórea, pero sí el mismo nombre de este texto nos da pistas sobre su relación con la protagonista.
    La vida solitaria de la pobre víctima se nos va revelando de manera emotiva, hasta la tragedia final, que implica la llegada de un atractivo hombre que despierta los celos del monstruo.
 
5. En Oro.
 
    Leer a Tanith Lee es todo un placer, que cada línea suya se disfruta por las palabras que elige y las imágenes que nos evoca en lo que narra (¿Ya lo dije? Me recuerda a Neil Gaiman y a Lord Dunsany por su prosa poética).  Y el presente cuento lo confirma, siendo que esta vez vuelve a retomar la narración en primera persona, aunque ahora hace algo que no se había visto hasta entonces en el volumen: el narrador es un hombre, un narrador testigo que nos cuenta de una rara y poderosa mujer de origen exótico, quien llega hasta su comunidad para estremecer sus cimientos.
    Ambientado en el mundo antiguo, en lo que pareciese ser una provincia del Imperio Romano, ya en época de su decadencia, nos muestra la mirada prejuiciosa y hasta machista de alguien hacia lo que no conoce; todo esto lo hace recelar, de manera muy significativa, de una mujer independiente y es que bien escapa a lo que él puede controlar.
    Este hermoso texto lleno de elementos sobrenaturales, bastante afirmado en la tradición de numerosos pueblos reales (como los egipcios), trata también acerca de las relaciones entre los distintos géneros y la naturaleza del misterio.
    Detrás de las palabras del narrador, quien nos puede llegar a desagradar por sus propios defectos, igual podemos reconocer algo de sabiduría, cuando este al fin asume con resignación su propia mortalidad.
 

6. El rubor de Lancaster.
 
   Un cuento que se mueve- a menos que me equivoque- en el terreno de la llamada "fantasía histórica", puesto que poseería entre sus protagonistas y secundarios a personajes reales, versionando hechos reales famosos del pasado; en este caso, los acontecimientos de la llamada Guerra de las Dos Rosas (Inglaterra, 1455-1461).  La verdad que para mi pesar es un texto que me aburrió sobremanera, pues apenas lo entendí, debido a su lenguaje sobrecargado y su manera de contar la historia desde más de un punto de vista... Bueno, ni siquiera todos los textos de Stephen King, mi autor favorito, han sido de mi gusto, así que bien maestros como Tanith Lee pueden no siempre conseguir conquistarme; por lo mismo, en una colección de cuentos, ya sea de un mismo artista (como en este caso) o tipo antología (de varios autores) no siempre la totalidad de sus piezas conseguirán encantarnos, ya sea por distinta calidad literaria, diferencia de estilo o porque simplemente la historia no fue del gusto de uno (que en este caso concreto, los motivos segundo y tercero son los que me provocaron tedio).
 
7. Eres mi Sol.
 
   Un magnífico cuento de ciencia ficción con un final increíble.  El texto comienza con la traslación de un informe forense, para dilucidar un accidente estelar, que provocó la muerte de miles de personas que iban en un crucero de lujo espacial.
   El protagonista masculino era miembro de la tripulación oficial de la antedicha nave.  Su destino sufrirá el impase mencionado, cuando conoce a una de las turistas, una mujercita tímida de apariencia insignificante y todo debido a su propio narcisismo machista.
    El texto incluye la descripción de una interesante raza extraterrestre humanoide, una ingeniosa variación del tema del vampirismo y muy atractivas reflexiones sobre la influencia que podemos llegar a tener en otras personas y la necesidad/obsesión por sentirnos a gusto con nuestros cuerpos e ideales de belleza personal.
 
8. Aquel que fuimos.
 
   Una exitosa y estrafalaria escritora se obsesiona con la figura de un poeta maldito del siglo XIX, que está segura corresponde a una anterior encarnación suya; es así que se empecina en tener todos los objetos que quedan de su paso por la tierra y debido a ello comienza a cometer actos cada vez más desfachatados.
    Un relato que nos muestra a los artistas como muchas veces lo son en la vida real: Llenos de talento, pero egoístas y disruptivos en muchos aspectos.
     Encontramos un uso del humor bien inteligente en esta narración, que nos agarra desde el principio; no obstante, hacia el final la historia se desinfla y se pone enredosa, hasta aburrida... Una lástima, que al menos a mí me dio impresión que a su autora se le escapó de las manos.

De humor y tragedia.

      Tuve la dicha de poder verme la segunda temporada de Star Trek: Strange New Worlds solo con unas pocas semanas de distancia entre la una y la otra (y en una calidad de imagen formidable); así que tenía frescos los recuerdos de sus eventos y en especial lo concerniente a la relación entre sus personajes (esto último, uno de los elementos que más me gusta del show).  Por lo mismo, y mucho más, me fue un enorme placer contemplar la más reciente tanda de capítulos, cada uno un verdadero placer para los sentidos, que convirtieron la segunda temporada en un producto lejos superior a su predecesora.
    El programa parte resolviendo el conflicto que estaba pendiente del año anterior, para el cual los guionistas se dieron el tiempo de contarnos una historia en dos partes.  Bajo el nombre de Broken Circle, significó ambientar la trama en distintos escenarios, de modo que la primera parte nos concedió el anhelado regreso- por fin- de nada menos que los Klingon (y para placer de los trekkies de la vieja escuela, con el aspecto que los hizo más famosos y queridos); por otro lado, Ad astra per aspera, la segunda parte, significó tener algunos de los mejores monólogos y diálogos de la serie, dejándonos claro por qué el amor a primera vista con Una (bueno, reconozco que adoro desde el principio a casi todos estos personajes).  Cabe mencionar que la última parte de este díptico, bien nos ayuda a entender mejor cómo funciona la Federación, que ya no es la sociedad por completo idílica que pensábamos en un principio (no voy a dejar de confesarles, que el desenlace de este argumento me sacó mis primeras lagrimitas).
     Al comienzo del mentado comienzo de temporada, conocemos a la más reciente integrante del Enterprise, la nueva Jefe de Ingeniería y quién se une a la tripulación en circunstancias muy singulares.  Se trata de una mujer con un pasado bien interesante y de personalidad extravagante, que podría darnos a futuro muchas atractivas historias, pero que en esta temporada no está aprovechada al máximo.  Admito que me agrada y encuentro genial que sea tan distinta al especialista que le toca reemplazar, puesto que Pellia en sí misma es bastante sui generis.
    El tercer episodio, Tomorrow and Tomorrow and Tomorrow. trata uno de mis temas favoritos y el cual le ha otorgado a Star Trek muchos de sus más sobresalientes piezas: el viaje en el tiempo.  Esto incluye una inesperada historia de amor, que con posterioridad tendrá atractivas ramificaciones.  Por otro lado, implica la igualmente ansiada reaparición de uno de los más recordados villanos de la franquicia, aunque de una manera inesperada y, por otro, la consolidación de un recurrente que ahora sí conseguirá mis bendiciones (aunque todavía creo le faltan sus buenas cazuelas... ¡Solo mis compatriotas me entenderán!).  Asimismo, las actuaciones de los protagonistas de esta preciosa historia, en especial de la heroína, no pueden dejar de conmovernos y dejarnos claro los grandes talentos que hay involucrados en este espectáculo.

    El cuarto episodio, Among de Lotus Eathers, tiene mucho de los elementos de la serie clásica, partiendo por el importante detalle de mostrarnos a una sociedad alienígena físicamente similar a la de la Tierra (¡Ni un detalle físico que los haga verse extraterrestres!).  Luego tenemos un fuerte dilema ético, en el cual queda de manifiesto- una vez más- la nobleza de sus corazones y la fuerza de sus principios morales; varias moralejas encontramos en este capítulo, que bien podría ser el menos sobresaliente en lo que va de la serie, aunque no por ello carece de sus propias virtudes.  Además, el capítulo permite que alguien como Érica Ortegas logre destacar y, de ese modo, tomemos conciencia de lo estupendo que están caracterizados todos estos personajes.
     En cuanto a la muy simpática Christine Chapel, nos mostró en el primer episodio de la temporada una faceta aguerrida, que no conocíamos de su persona y, por otro lado, ya antes había tenido grandes momentos de gloria... Sin embargo, el quinto episodio, Charade, le permite volverse alguien mucho más admirable; esto, porque no solo interviene de forma directa en  "primer contacto" y con una especie alienígena muy singular, sino que por todo lo que hace en este solo episodio. Sus acciones tendrán un importante impacto en su relación con el hombre al que ama, la que es uno de los puntos determinantes de este segundo año.  Por otro lado, tenemos de coprotagonista al mismísimo Spock, ya que la trama del capítulo se centra en buena parte en su noviazgo; por lo mismo, la enamorada vulcana del mestizo reaparece y resulta imposible que la noble T' Pal no nos caiga bien. A su vez, a estos eventos se agrega la dulce madre del oficial científico, en su misma versión de Discovery; la llegada de Amanda, que así se llama, ayuda a que la personalidad de este Spock, más cercano a su humanidad, nos sea tan entrañable.
    El siguiente episodio, Lost in Traslation, también tiene mucho que ofrecernos (¡Y vaya que es harto!).  No contaré mucho al respecto, para no quitarle las sorpresas a quién aún no goza de esta entrega.  Solo diré que es un capítulo dedicado a nuestra amada Uhura (¡Ídola!), que la une a quién luego será tan vital en su existencia y la escena final que nos entregan ambos, unidos a un tercero, es un momento que difícilmente no sobrecogerá el corazoncito de muchos trekkies.  De igual manera, la emoción también va de la mano con el especial reencuentro con otro personaje, cuya pérdida nos fue muy triste en el pasado. Y, por último, el capítulo ayuda a que un secundario recurrente, al que conocimos en la temporada anterior, hermano de un muy famoso personaje de Star Trek, nos caiga mucho mejor (¡Que bien guapo está más encima!).
    El siguiente capítulo, Those Old Scientist (dirigido nada menos que por Jonathan Frakes, Riker de TNG y Picard) es uno de los más divertidos.  Si bien hemos tenido risas en abundancia durante la temporada, en la cual tampoco han faltado las lágrimas, este debido a su originalidad y a todos sus momentos de antología, merece estar entre los puntos claves de la franquicia.  El argumento nos muestra a un viajero del futuro bastante irreverente, quien llega al Enterprise para causarle unos cuantos quebraderos de cabeza; lo gracioso es que este tipo, sabe detalles importantes sobre el devenir de nuestros héroes, lo que provoca acontecimientos muy jocosos.  Cuando parece que todo se va a arreglar, se une a la fiesta una amiga del anterior, así que hay que buscar una nueva manera de evitar el llamado efecto mariposa.  Los créditos de apertura poseen una animación diferente, más del tipo "caricatura"; puesto que esta historia resulta ser nada menos que un inesperado crossover, con la serie animada para adultos de la saga, Lower Decks; de este modo, quienes aparecen al principio son sus protagonistas, así como luego vemos a los actores, que les ponen sus voces originales en inglés, interpretándolos en carne y hueso por primera vez. Y en cuanto a la escena final, no puede ser más cómica.
    Mi capítulo favorito, en lo que va de la serie y el que creo es lejos el más duro que hemos visto de Star Trek en décadas viene a ser, es Under the Cloak of War. Centrado en la dupla del doctor M' Benga y la enfermera Chapel, nos muestra cómo estos dos se conocen desde años atrás, durante la guerra contra los Klingon. Impactantes datos se nos dan sobre ambos y es que nunca antes habíamos tenido profesionales de la salud en Star Trek, que manejaran conocimientos y habilidades como los que aquí vemos.  La vida de ambos se complica, cuando alguien de su pasado más trágico, que compartieron junto a otros más de los tripulantes, es enviado al Enterprise para una misión diplomática.  Cómo la violencia y el dolor nos marcan, es algo que aborda este potente episodio, que nos muestra que las buenas personas también se equivocan y actúan de forma ciega, cometiendo actos de gran violencia (incluso para defender sus propios principios y a sus seres queridos).  Por ende, no siempre es fácil enjuiciar moralmente a los demás, porque la verdad no es por completo en blanco y negro.
    A lo anterior le sigue nada menos que... ¡Un musical! Bajo el título de Subspace Rhapsody, posee una fuerte carga romántica, puesto que buena parte de su trama y canciones tienen que ver con nada menos que tres historias, que implican romance y/o enamoramientos (hay alguien dentro de la nave que no es correspondido).  Que suceda esto en un título de Star Trek, que procura ser creíble científicamente y considera la verosimilitud rigurosa hasta donde es posible (aunque nunca sin dejar de lado el sentido de maravilla), se explica debido a un raro fenómeno cósmico; luego, lo que parece cómico, podría provocar grandes desastres, de modo que entre cantos y bailes nuestros héroes deben buscar una solución al peligro que puede significar algo como esto.  Atentos a la canción y coreografía de los viejos enemigo de la serie, muy divertido todo.
    Luego de una temporada tan potente como esta, el final no podía ser menos y de ese modo el último capítulo, por fin, nos lleva a que la gran amenaza que se nos prometió se concrete. El nuevo frente bélico, tomado de un capítulo famoso de la serie original, ya tiene una imagen actualizada para el otro bando... ¡Y vaya que resulta ser efectivo, el tratamiento adulto y aterrador de su amenaza!  Lástima tener que esperar varios meses, para saber qué pasará, tras un cierre en suspenso como el que aquí se nos otorga.
    Por cierto: ojo con el personaje clásico remozado, que hace su debut en Hegemony, el final de temporada que nos mantendrá atentos todo el rato.

                                                                Intro de la temporada 2

Adioses atrasados

 

     2023 ya lleva bastante avanzado y varias personalidades que hemos tenido el gusto de “conocer”, gracias a sus aportes al mundo del arte (al menos en los rubros que a mí me importan) han muerto.   Solo ahora me he dado el tiempo de despedirlos a través de un escrito y contándoles, tal como en casos anteriores, acerca de mi relación con ellos y explicando las razones de por qué lograron ser significativos para mí.   Como chileno que soy, entre ellos encontramos agente valiosa para la historia actual nacional y que por lo mismo forman parte varios recuerdos preciados míos.  A estos últimos no les dedicaré tanto espacio en el presente escrito, pero no por ello olvido lo que hicieron y les doy las gracias por haber aportado belleza, cultura y emociones a la vida de un montón de gente y, como no, a la mía también; así que besos al Cielo a Cecilia (cantante apreciada entre varias generaciones y una de los primeros íconos LGTB de estos lares), Luis Alarcón (tremendo actor al que siempre reverencié), Patricio Bañados (periodista muy valioso en el proceso del regreso a la democracia, luego de 17 años de dictadura militar) y Augusto Góngora (por igual periodista, quien contribuyó a mi amor por el cine y que fue uno de mis primeros amores platónicos, que es su desaparición la que más lamento y/o agradezco, ya que el Alzheimer fue lo apagó su vida demasiado pronto y por años llevó tal carga).  En el plano internacional, lamento la muerte de la cantante irlandesa Sinnead O´Connor, poseedora de una voz preciosa, que con solo una canción suya se robó mi corazón adolescente y que lamentablemente no tuvo la carrera que se merecía).
 
1. Julian Sands.

    A este actor lo vine a señalar con fuego en mi memoria, cuando era yo apenas era un niño y estaba por entrar a la adolescencia. Lo anterior fue gracias a su participación en Warlock (1989), tremendo filme de terror sobrenatural independiente, que le dio uno de sus primeros protagónicos de importancia y/o de fama internacional (antes tuvo un rol destacado en la cinta de época y romántica Una Habitación con Vistas, que la vi hace rato y también de chico, aunque de ella solo recuerdo que en una escena se ven a unos cuantos efebos y a un hombre maduro jugando desnudos en un río- quizás la primera vez que vi penes en pantalla, así que por razones obvias es el único recuerdo que tengo de ella-;supongo que uno de los chiquillos era el mismo Sands).
    La publicidad certera con que se estrenó el mentado filme en Chile, que fue todo un éxito acá, y la apariencia engañosa del villano con su rostro y efigie tan aristocráticos, acaparó de inmediato mi atención.  Luego tuve el gusto de apreciarlo en varias producciones televisivas y cinematográficas, muchas de ellas bastante queridas por mí.  Recuerdo las ansias con que vi la secuela de Warlock (que en su momento me decepcionó, aunque creo se merece una revisión ¿No?) y toda la polémica que provocó la cinta Boxing Helena (1993); en la que hacía de un desquiciado, que mantenía a la mujer objeto de su obsesión encerrada en una caja y a la que había cortado sus cuatro extremidades (peli que DEBO volver a ver como adulto de una vez, luego de tantas décadas).  En cambio, hace unos años atrás me reví junto a mi bebé, Amilcar, Aracnofobia (1990), una obra de terror family friend que tuve el gusto de comprar remasterizada en Blu-ray y barata.
    Muchas intervenciones importantes tuvo este artista en títulos de relevancia, como Gothic (1987) El Almuerzo Desnudo (1991) y  Leaving Las Vegas (1995), pero no las recuerdo.  En cambio, sí se quedó algo en mi memoria su protagónico para la versión de El Fantasma de la Ópera (1998) de Dario Argento... Claro que esta no fue muy de mi agrado, pese a la tremenda dupla involucrada en ella.  Me queda claro que debo verla otra vez para darle su oportunidad, que a lo mejor no era mi momento para saber apreciarla.
    En la pantalla chica Sands brilló bastante y por mi parte lo recuerdo con cariño en la serie Smalville (2009), donde hizo nada menos que de Jor-El, el heroico padre de Superman; con lo guapo y elegante que era, se veía estupendo usando esos preciosos trajes blanco-luminosos, que recreaban los vistos en los dos primeros filmes con Cristopher Reeve. Aunque fue en su papel para Rose Red (2002), miniserie de terror con guión original de Stephen King, que me dio mucho gusto reencontrarme con él, pues en ella dejaba de lado los papeles de sujetos retorcidos (que siempre lo relacioné con su papel en las mentadas Warlock y Boxing Helena), para hacer en este caso de un sujeto noble.
    Siguiendo con su labor para la tele, conozco en parte su participación como un gran villano recurrente en las últimas temporadas de Stargate SG-1 (2008) y sus dos películas para la pantalla chica; de ello solo he visto unos cuantos segundos y me ha impresionado la fuerte personalidad que exuda en tales casos. Este año me descargué la serie completa en muy buena calidad y espero comenzar a verla pronto, claro que antes de que salga mi ídolo, hay cerca de 150 episodios.
   El 13 de enero de este año Julian Sands se fue de excursión solo a unas montañas en Estados Unidos (era británico de nacimiento, luego se radicó en USA al hacerse famoso); andaba solo como acostumbraba a hacer esos paseos.  Tras no tener noticias suyas su familia, lo buscaron por todas partes y terminó quedando declarado como desaparecido.  En junio 25 se hallaron sus restos.  Tenía 65 años al fallecer.
 
2. Ray Stevenson.

 
    Si a Julian Sands lo encontraba hermoso y con un porte distinguido, desde que lo vi por primera vez en los comerciales televisivos de Warlock (la palabra inglesa tráiler aún no llegaba a nuestro español de Chile), Stevenson desde el principio se convirtió en objeto de mi atención (y definitivamente era muy de mi gusto) debido a su atractivo tan masculino.  De 1.93 de altura y bastante masa muscular, con un rostro cuadrado que armonizaba muy bien su belleza viril, poseedor de unos ojos azules muy expresivos, era claramente un referente para muchas y muchos de macho alfa.
    Supe de su existencia gracias a Roma (2005-2007), tremenda serie histórica de HBO y en la que hacía del soldado romano Tito Pullio.  Su trabajo para tan premiada producción le otorgó la fama ya maduro, si bien llevaba tiempo dedicado a las artes escénicas.  Con posterioridad, llegó a mis manos una muy interesante cinta de terror sobrenatural británica, Outpost (2008); en ella hacía otra vez de militar (si bien ahora de uno más "moderno") y quien junto a su grupo se enfrenta a una especie de zombies nazis (fue uno de mis amigos ñoños, quién se fijó en la participación de este artista en dicha cinta y me lo hizo saber, puesto que los dos quedamos encantados con Roma).
   Mi tercer encuentro con Ray fue el que más me fascinó, pues encarnó de una manera maravillosa a uno de mis antihéroes favoritos marvelita: a Frank Castle, más conocido como El Castigador.  The Punisher: War Zone (2008) es la tercera cinta dedicada al personaje, convirtiéndose el actor en el más que digno sucesor de Dolph Lundgren (quien hizo a fines de los ochenta una muy deslavada y libre adaptación de los cómics) y del también muy guapo y talentoso Thomas Jane (a estas alturas me cuesta decidir cuál versión del recio exterminador de maleantes me gusta más, si la suya o la del gringo Jane y es que las dos son geniales... ¡Y hay que sumar a estos dos al bien machote John Bernthal, de la serie de televisión sobre el personaje y que le salió estupendo también!).  A diferencia del filme anterior, este reboot no llegó al cine a Chilito y solo lo pude ver gracias a la magia de los DVD (como me gustó tanto, luego me la compré en Blu-ray).  No está demás decir que, con su físico impresionante, el guapo irlandés (apoyado, por supuesto, por sus dotes actorales), logró hacer que no extrañáramos tanto a Jane.
    Stevenson regresó a Marvel en un papel secundario, pero ahora en superproducciones del UCM (que la del Castigador era de presupuesto más humilde, aunque no por ello deja de ser muy recomendable) en las tres primeras entregas de Thor como su fiel amigo Volstagg; para este papel usó bastante maquillaje y una prótesis en el estómago, para parecerse a una versión más apolínea del voluminoso asgardiano.
    Sé que en algún momento me lo encontré en otros largometrajes muy divertidos, en papeles disimiles en El Libro de Eli (2010), Policías de Repuesto (2010) y G. I. Joe: Retaliation (2013), pero mi memoria me falla una vez más; bien vale la pena repetirme esos títulos y en parte por Ray.
     En televisión tuve el gusto de contemplarlo en la séptima temporada de Dexter (2012), en la cual hacía de un mafioso ucraniano; en esta se cumplió en parte mi fantasía de verlo haciendo de gay, enamorado de otro hombre, aunque siempre manteniendo su porte varonil (si bien a menos que me equivoque en ningún momento aparece siquiera besándose con su pareja).
     Asimismo, en Las Guerras Clónicas le puso la voz al mandaloriano Gar Saxon, rol que repitió en Rebels y con posterioridad regresó al universo de Star Wars como el principal villano de Ahsoka, que está a días de estrenarse.  Lamentablemente este papel fue el último de su carrera y no alcanzó a verlo ya lanzado en vida, puesto que dejó este plano de existencia el 21 de mayo, cuando solo le faltaban cuatro días para cumplir los 59 años; a la fecha no se ha declarado la razón de su fallecimiento.
 
3. John Romita Sr.

 
    Romita Padre (la Sr. es abreviación de Senior para diferenciarlo de su hijo, John Romita Jr., también famoso dibujante de cómics), fue uno de los destacados caricaturistas de Marvel que en los sesenta ayudó a cimentar el gran imperio de la Casa de las Ideas, junto a Steve Ditko, Jack y Kirby y, como no, Stan Lee (bueno, debería agregar otros grandes nombres por acá, pero creo que estos fueron los 4 pilares que iniciaron la llamada Era Marvel ¿O me equivoco?).
   Como muchos de sus colegas, su labor en las dependencias de la empresa comenzó mucho antes del éxito de Los 4 Fantásticos, realizando el arte para numerosos cómics y en los que sobresalió en especial por las historias románticas, debido a las hermosas mujeres que era capaz de realizar.
     En mi caso particular y relación con el extenso legado de Romita Sr. para las historietas, tengo bastante de su labor para las revistas de Spider-Man y es que este tuvo el cargo de nada menos que reemplazar a Steve Ditko, cuando el cocreador del Arácnido dejó Marvel.  Gracias a él Peter Parker se volvió más apuesto y Mary Jane por fin tuvo rostro (hasta entonces en sus fugaces apariciones, Ditko/Lee la mostraban siempre con su rostro ingeniosamente tapado, debido al ángulo en el que aparecía en las viñetas).  De su creación en conjunto con Stan, justo al comienzo de su colaboración en las historietas del Trepamuros (número 39 de agosto de 1966), son el magnífico villano Kingpin y el no menos interesante Rhino.
    Interesante resulta ser que cuando se sabía que Ditko dejaría la Casa de las Ideas, Lee buscando un digno sucesor suyo para relevarlo en el título del Cabeza de Red, le dio la tarea de dibujarlo en un número de Daredevil y así bastante contento con el resultado, le ofreció luego el cargo correspondiente.  Romita Sr. se quedó por años haciendo el arte para nuestro Amistoso Vecino y de ese modo nos concedió algunas de las portadas más famosas y hermosas suyas.  Asimismo, también laburó junto al Hombre (a estas alturas ya deberían saber a quién me refiero) en las versiones para los diarios de Spider-Man, verdaderas joyas que poseen su propia continuidad del superhéroe (tengo a mi haber el primer compilatorio, en una preciosa edición de tapa dura, uno de mis tesoros más preciados).
    El 12 de junio de este año, el mundo se vio obligado a dejarlo ir a la avanzada edad de 93 años.  No solo su enorme legado nos deja, sino que también le debemos la tremenda influencia que fue para su hijo John Romita Jr., otro destacado dibujante de cómics y con un largo recorrido junto a Spidey y al Cuernitos como su progenitor (de hecho, en la película de Daredevil para el cine, ambos son homenajeados al hacer que un personaje lleve su nombre).

Sacándole partido a todo.

1. Génesis.
 
    La trilogía precuela de Star Wars fue bastante vapuleada en su momento y solo su remate, El Episodio III: La Venganza de los Sith, consiguió quitarle el mal sabor de boca a aquellos ñoños que culpaban a George Lucas de vender a su propio hijo al mercado.  Pasaron los años y las décadas y quienes solo veían a la trilogía original como algo de valor (y adoración), envejecieron y, tal vez, su orgullo propio de la juventud ya no era el mismo; por lo tanto, se dieron cuenta de que había que darle una nueva oportunidad a esos filmes, que antaño despreciaron.  Por otro lado, los niños que con ojos de maravilla apreciaron las mismas películas que otros ninguneaban y recordaban con nostalgia esas historias sobre una galaxia muy, muy lejana, se hicieron mayores y muchos de ellos crecieron en la Fuerza (del poder adquisitivo); de modo que, con mayor razón, esas mismas películas serían rescatadas para gozo suyo, enseñándoles el credo Jedi a sus mismos vástagos.
     Por otro lado, las riendas del imperio mediático de Lucas tomó aires nuevos, pues debía renovarse para conseguir nuevos adeptos y mantener felices a sus viejas filas; de modo que debía hacer dos cosas: primero, producir nuevo material canon de la cronología ya hace tiempo creada y, en segundo lugar, aprovechar lo previamente realizado, llenando los huecos de tiempo, con lo que no se contó entre medio y antes de las viejas cintas.
    Dentro del punto anterior, cabe recordar una serie de cortometrajes televisivos, que luego fueron ensamblados para que tomaran el formato de tres telefilmes: Las Guerras Clónicas.  Creada por Genndy Tartakowsky (famoso dibujante y guionista de series de culto como El Laboratorio de Dexter), nos cuenta de lo que pasa inmediatamente después de El Episodio II: El Ataque de los Clones y antes de El Episodio III; por lo tanto, la producción trata acerca del conflicto armado entre la República y los Separatistas, en el cual los Jedis lideraban su bando protegiendo el rancio status quo, sin saber que la serpiente estaba en su jardín y que el mismo enemigo, comandado por el Conde Dooku, servía al gran villano que tramaba en las dependencias del Senado.
     Cabe mencionar que, entre los altos aportes de este programa, se encuentra la incorporación de dos grandes villanos para la continuidad oficial: el ciborg General Grievous y de la aspirante a Sith Asajj Ventress.  Solo el primero aparece en el Episodio III, pero la segunda años después dio mucho que hablar (y para bien), en el show animado que siguió a este.
     El éxito de público y crítica fue lo suficientemente grande, como para que años posteriores se continuara con el relato de estos años intermedios; todo gracias a una nueva serie, ahora en CGI y de episodios más largos, la que duró nada menos que 7 temporadas y llegó a tener nada menos que 133 episodios.  Cabe mencionar que se exhibió entre 2008 y 2020.

Afiche de la primera serie (en 2D)

 
2. Star Wars para rato.
 
     El mismo año de 2008 se estrenó una cinta en CGI para el cine, titulada Star Wars: The Clone Wars.  Tal como su predecesora televisiva homónima, su trama se ambientó al comienzo de los 3 años anteriores a La Venganza de los Sith.  La trama nuevamente tuvo de protagonistas a Obi-Wan Kenobi y a Anakin Skywalker" defendiendo ambos la paz de la galaxia y siempre entre otros grandes Jedis. Asimismo, un enorme ejército de clones los ayuda a pelear en contra de los Separatistas, sus droides y un montón de villanos más.  Sin embargo, entre medio de ello deben cumplir una misión muy especial y que es rescatar al hijo, aún bebé, del jefe de la mafia Jabba the Hut (otro personaje de las cintas clásicas).
     Cabe mencionar que para muchos, lo mejor de esta primera nueva película de la saga (luego de tanto tiempo sin otros aperitivos de la franquicia), es que en ella le entregan una aprendiz, al casi recién ordenado caballero Anakin: La padawan Ahsoka Tano, quién rápidamente se volvería una de las más queridas y sobresalientes personajes de la saga.
     Lo anterior fue solo el preámbulo, para un programa que hizo historia dentro de la televisión, una verdadera joya de animación televisiva y que en ningún momento pretendió infantilizar la franquicia; si no que, al contrario, enriqueció la mitología y el canon con historias elaboradas y personajes carismáticos (antiguos y nuevos) complejos.  Lo anterior bien podemos comprobarlo porque, a diferencia de muchas animaciones gringas televisivas "family friend", acá hay muertes y ello a los ojos del espectador (lo que acrecienta el realismo y el drama del producto final). Con historias unitarias, algunas de ellas verdaderas miniseries, fue desarrollando una larga trama, que nos llevó hasta el desgarrador final y que pese a que muchos sabíamos cómo terminaría, no dejó de sorprendernos.
    Mucho pasa entre medio de la serie, que bien se puede decir no posee episodio deficiente.  En todo caso, como pasa con muchos títulos de largo tiempo en pantalla, la primera temporada resulta ser (como la mentada película que le antecede) tan solo una extensa presentación de personajes y escenarios, para luego en temporadas posteriores ofrecernos un verdadero espectáculo inolvidable.  Por mi parte, de lo más sobresaliente de este show, se encuentra el hecho de cómo el protagonismo se va compartiendo a lo largo de tantos capítulos, entre un héroe y otro; de ese modo, se aprovecha al máximo un dramatis personae tan potente.
     Teniendo en cuenta lo anterior, acá tendremos muchos y variados relatos llenos de emociones (aventura, acción, intriga, humor, romance, tragedia, heroísmo, misticismo...), en los cuales no solo la dupla de Obi-Wan y Anakin destacan, sino que muchas veces estos ni aparecen o a lo más hacen de comparsa. Por lo tanto, desfilan ante nuestros ojos y para nuestro regocijo, viejos conocidos a los que ahora vamos a querer y admirar más que nunca: Yoda, Padme, los androides C-3PO y R2-D2 (los episodios que protagonizan estos dos son tan ingeniosos y divertidos, que esperamos con ansias cada nueva entrega de sus aventuras), Mace Windu y hasta Ja Jar Binks (quien se redime de las tonteras que algunos no les aguantaron en La Amenaza Fantasma y, por lo mismo, nos da muchos gratos momentos).  Sumados a los anteriores, aparecen como "invitados" otros íconos de la saga, como lo son los mismísimos Chewbacca, Boba Fett y, aunque en menor grado, el senador Organa.

Afiche de la película.

     Asimismo, cumplen grandes papeles otros personajes muy valiosos dentro de la cronología, como los villanos Palpatine, Conde Dooku, General Grievous e incluso el mismísimo Darth Maul.  La presencia del mal representada por los anteriores está bien retratada no solo por estos, sino que también por sus secuaces y otros ruines sujetos en varias categorías; a veces mostrándonos que hay matices y que incluso en alguien como ellos, podemos encontrar algo de luz.
    Cabe destacar la fuerza de personajes femeninos del calibre de Padme, más heroica que nunca y la favorita de muchos (incluyéndome), Ahsoka Tano.  A lo largo de los 3 años en que dura esta llamada Guerra de los Clones (o Guerras Clónicas también en español), veremos madurar tanto a la padawan, que el impresionante desenlace de la serie se centra en ella, como la verdadera protagonista de esta última historia. Asimismo, el fuerte lazo con su maestro Anakin, se encuentra entre los ejes principales del argumento central.
     Por otro lado, la contrapartida de Ahsoka, la dura Ventress, corresponde a otro de los mejores personajes de la serie y quien también pasará por mucho a lo largo de estas 7 temporadas; relacionado a ella, la figura de las Hermanas de la Noche (que estoy casi seguro son un homenaje a Dune y a sus Veneratas Matres en especial), viene a ser otro punto genial, dentro de los agregados al canon de Star Wars y que le debemos a este programa. Ojalá en un futuro cercano, nos encontremos con versiones live-action de Ventress y de sus hermanas; lo que sería maravilloso, tanto para quienes las ubicamos desde hace rato, como para aquellos que por primera vez descubrirán lo magníficas que son.
    No podemos dejar de lado el dúo compuesto por Obi-Wan y Anakin, cuya amistad entre si resulta sobrecogedora y más cuando sabemos cómo terminará todo entre ellos.  Mucho se nos cuenta sobre ambos juntos y por separado, llegando a conocer datos más que interesantes sobre el pasado de Kenobi y encantándonos con la humanidad de Skywalker, quien no nos puede caer mejor y cuyo romance con Padme, de igual manera, se vuelve otro de los nudos centrales del show.  Además, cada uno de estos dos tendrá sus propias aventuras por separado, que nos entregarán satisfacciones por doquier.
 
3. Otros puntos a destacar.
 
    Dentro de todo lo que nos ofrece esta segunda versión de Las Guerras Clónicas, a valorar con todo nuestro corazón, encontramos dos grupos relacionados entre sí y que serán abordados en profundidad a partir de sus guiones (algo no hecho hasta el momento dentro de la franquicia y en el material canónico): la mismísima Orden Jedi y los propios clones.
     Respecto a los primeros, por fin se nos revelarán los detalles de cómo funciona dicha comunidad; de ese modo, conoceremos en profundidad sus tradiciones y podremos saber más de esos mismos "caballeros" que antes solo veíamos de pasada (así como, también, nos presentarán a varios otros que harán ese debut dentro de esta serie).
     En cuanto a los clones, logramos adentrarnos en su cultura y en las relaciones interpersonales entre pares, sus superiores y civiles; esto les otorgará tal grado de humanidad, que con facilidad nos consiguen simpatizar y de ese modo personajes como Rex y Cincos se nos vuelven por completo entrañables (que tanto ello, como otros de los suyos, cobran altos niveles de protagonismo).
     Por todo lo anterior, la estrecha relación entre Jedis y Clones es otro de los pilares en los ejes centrales del presente título.  Así que debido a todo esto, cuando se nos descubre el origen de la llamada Orden 66, no puede ser algo más dramático, ahora que hemos profundizado en la nobleza que poseían estos militares.
    Por otro lado, es acá donde la cultura mandaloriana hace su debut como tal y es que si bien Boba Fett (de quien sacaron muchas de sus características) es un personaje de los comienzos de la franquicia, los rasgos étnicos de esta comunidad como tal se introducen solo en Las Guerras Clónicas, al aparecer personajes como la ahora popular Bo-Katan (luego heroína en The Mandalorian).
    Y no podemos dejar de lado, que fue en este programa que también hizo su debut el mercenario Cad Bane, un tremendo villano de soberbia apariencia y al que también pudimos disfrutar viéndolo en vivo en El Libro de Boba Fett.
    Para terminar, no debo dejar de mencionar lo siguiente:
 
* Cada temporada posee su propio capítulo genérico, centrándose en el gran tema que se desea abordar en cada una de ellas.
* Pasaron nada menos que 5 años entre el final de la sexta temporada y la séptima y última (esta la más corta y de solo 12 episodios) ¿Las razones? Lo ignoro.
* Todos los capítulos son introducidos por una cita textual y/o palabras de sabiduría, que tanto nos adelantan, como nos dan pistas sobre el contenido de estos.
* La música en general es estupenda, bastante sinfónica y muy ad hoc a las tremendas historias que acá se nos cuentan.
* Los diseños de los personajes, naves, armas, construcciones, escenarios y monstruos son todo un gusto estético; muy cuidados y llenos de colorido.
* Como dato curioso, una de las hijas de George Lucas (creador de Star Wars y si no saben quién realmente es, no merecen leer este texto al que tanto tiempo le he dedicado, je), Katie Lucas, escribió varios de los mejores capítulos; asimismo, nada menos que el gran Paul Dini contribuyó con la escritura de mínimo en uno de ellos.
* Y solo un pero tengo para esta serie, que se robó mi corazón totalmente... ¡No es posible carezca de créditos de apertura o al menos unos preciosos de cierre como las shows de John Favreau! Y es que una pieza tan épica como esta, se merece con creces un detalle de tales características.

                                                                    Tráiler 1° temporada.