Otra partida de aperitivos.

Tras el éxito de la primera temporada de Star Trek: Discovery, sus responsables decidieron regalarnos nada menos que 4 cortometrajes ambientados en ese universo, 3 de ellos teniendo de protagonistas a sus personajes y uno transcurriendo nada menos que en el futuro de esa visión futurista que partió en los sesenta gracias a Gene Rodenberry. 
      Bajo el nombre de Star Trek: Short Treks, fueron estrenados en 2018 antes de la emisión de la segunda temporada de Discovery.  Luego, ya confirmada un tercer año de este programa y la creación de 3 nuevos programas trekkies, se dio paso a producir 6 cortos más, los que fueron exhibidos entre diciembre de 2019 y enero de 2020.
     Cabe mencionar que esta vez intentaron innovar más, al producir dos en formato animado (GGI, que parece a los gringos ya no les gusta el tipo tradicional, salvo para ciertos cartoons televisivos... Algo que bien deberían aprenderle a los japoneses) y solo uno de ellos tiene relación directa con Discovery; mientras que 3 (los mejores...salvo el último) son todo un anticipo a lo que se nos viene con Star Trek: Strange New Worlds, el spin-off dedicado al Capitán Pike y al joven Spock, que realmente promete mucho. En cuanto al mentado corto final, es un magnífico anticipo de los eventos que veremos en Star Trek: Picard en su ya vista (y gozada) primera temporada.

 
1. Preguntas y Respuestas: El cadete Spock (ahora sin su tupida barba que lo hacía verse tan salvaje y varonil) llega al Enterprise para realizar sus servicios.  Allí es recibido por la estupenda Número Uno (Rebecca Romjin Stamos... ¡La adoro!). Es entonces que ambos quedan atrapados en un ascensor y ambos que apenas se conocen, deben lidiar con el aburrimiento.   Muy divertido, fue una estupenda manera de comenzar con estos cortos y dejarnos ganosos de las aventuras dedicadas a Pike y compañeros.  Por cierto, el guión corre a cargo de Michael Chabon, destacado escritor que está detrás de Picard.

2. El Problema con Edward: Aún mucho más divertido que el anterior y lleno de humor, nos revela uno de los grandes misterios del universo trekker: el origen de la plaga de los tribbles.  Todo sucede cuando una simpática oficial, amiga de Cristopher Pike (que aquí por fin volvemos a ver al estupendo capitán) es ascendida a cargo de una nave; allí un acomplejado científico, cree encontrar la respuesta a la hambruna que ocurre en un planeta que deben socorrer.  En determinado punto, los momentos más graciosos llegan a ser catastróficos y en verdad da gusto cómo todo está llevado a cabo.

3. No preguntes: El Enterprise está dotándose de su tripulación y entre sus integrantes viene una joven cadete, quien en su primer día en la Nave Insignia de la Federación se encuentra con una prueba muy difícil... ¡Un motín y más encima debe cuidar a un reheo muy especial! Una gran sorpresa para el final y un nuevo personaje que ojalá veamos entre los protagonistas de Star Trek: Strange New Worlds.

 
4. La Chica que hizo las Estrellas: A mi humilde parecer el corto "malo" de esta tanda, pues peca de cursi y parece cualquier cosa, menos algo de la continuidad trekker. Consiste este en el primero del par de cortos animados mencionados más arriba y que nos retrata algo así como una historia infantil tradicional africana, que le cuenta a una pequeña Michael su padre, antes de que el destino los separe y esta sea adoptada por vulcanos.  El típico relato de autosuperación (o de seguir nuestros sueños) que tiene al menos una moraleja, se hizo demasiado estereotipado para su servidor.

5. Efrain y Punto. Con una estética diferente en su animación, resulta toda una curiosidad tanto por la trama que muestra (donde casi no hay diálogos), como por el hecho de que sus protagonistas fueron creados en exclusiva para esta pieza: una tardígrado (ese animal gigantesco que conocimos en la primera temporada de Discovery) y uno de esos robotitos de mantención que serán incorporados tan bien en la tercera temporada de la señalada serie.  A esto se le suma la inclusión de al menos un par de momentos icónicos en la cronología trekker. Por cierto, el guión fue escrito por Michael Guiachino, destacado compositor y en lo que tal vez sea su primera incursión en este arte (cabe mencionar que Guiachino hizo la banda sonora de las pelis de Star Trek de Abrams).

 
6. Niños de Marte: A mi humilde parecer, si es que no el mejor corto de esta segunda temporada, sí lejos el más hermoso y emotivo. Dos niñas, una humana y la otra alienígena, estudian en el mismo instituto y tienen a sus padres trabajando en los astilleros de Marte; pero no son amigas... Por muy divertidos que vienen a ser los 3 primeros cortos, este es el único que conserva el lado más trascendente de Star Trek y que consiste en la idea de que no importa cuán diferentes seamos, en el fondo somos iguales, porque compartimos la capacidad de amar y por ello podemos dejar de lado las divergencias en pro de una vida mejor juntos.

Cuatro nuevas oportunidades para amar al Tío Steve (I)

     Quienes disfrutamos desde hace rato con la literatura de Stephen King y hemos crecido con sus libros y las adaptaciones que se han hecho de sus ficciones, sabemos que no escribe solo para ganar dinero (hasta mi mamá sabe que se ha hecho millonario con su trabajo y ella no lee, como bien lo hace su retoño que ya adolescente le pidió de regalo libros de su escritor favorito), sino que en verdad disfruta del arte de contarnos historias... ¿Y cómo podemos afirmar esto? Pues porque sagradamente todos los días se dedica a redactar varias horas al día y solo dos al año no lo hace (creo que el 5 de julio y en Navidad ¿No?), pero además porque a diferencia de un montón de sus colegas y entre ellos muchos de los que son bestsellers, no solo saca gruesos volúmenes, sino que le gusta incursionar en los formatos del cuento y la novela corta; se supone que tales "géneros" no son rentables, al menos para los gringos, sin embargo a él no le importa, pues ya tiene toda la plata que quiere y de ese modo puede contribuir feliz de la vida a cuanta antología hay e incluso ser publicado en revistas tan importantes como el New Yorker.  De paso, cada cierto tiempo saca una nueva colección de cuentos, muchos de ellos rescatados de esas ediciones varias en las que participa y, de igual manera, en otras ocasiones publica colecciones de novelas cortas y que por lo general son 4 en total por recopilación.
      If it Bleeds viene a ser su quinto libro correspondiente a las novelas cortas y apareció tan solo el año pasado.  Publicado en español bajo el nombre de La Sangre Manda (una traducción casi exacta a Si Sangra, que es lo que realmente significa su título original) corresponde al libro que en el presente estoy gozando y que a partir de ahora empezaré a comentarles.   Es mi intención dedicarle al menos una entrada más a este tomo, que a medida que me vaya terminado cada una de sus narraciones, escribiré al respecto para mantener frescos mis recuerdos e ideas, que en todo caso no sé qué tan extensas me saldrán estas revisiones personales.
    Démosle no más.
 
1. El teléfono del señor Harrigan.
 
    Un muchachito de unos 9 años conoce a un acaudalado anciano cercano a los ochenta, quien le paga por leerle y hacerle uno que otro trabajo en su mansión.  Esta intimista obra con la que parte la más reciente colección de novelas cortas del Tío Steve, abarca los recuerdos del narrador-protagonista, alguien que desde sus primeros años de adultez y ya profesional, rememora el valor que tuvo para él esa fraternidad tan especial, entre dos personas tan distintas, pero que se encontraron entre sí por esas casualidades de la vida (o tal vez porque debía ser así) y cómo cada uno marcó la existencia del otro.
    Hay un elemento sobrenatural detrás de esta historia, incluso terrorífico, no obstante todo esto se encuentra en segundo plano y no solo por carecer del carácter más gráfico de muchas narraciones kingnianas, sino porque lo esencial del relato radica en el valor que le otorga a las relaciones interpersonales: al poder de la amistad y en general al significado del amor entre nosotros.
     Como en muchos títulos de nuestro autor, es la amistad la que termina por salvar, incluso de manera literal a los protagonistas; en este caso, ese socorro fraterno va incluso más allá de lo que podemos llegar a apreciar el común de los mortales y aun así los detalles con los que marca su texto King al respecto, nos pueden tocar de manera profunda, puesto que más de uno de sus lectores alguna vez vio en un adulto que no fuera de su sangre, a alguien en quien confiar y a un verdadero par o a quien admirar.
    De igual manera, gratificante resulta ser cómo esta pieza aborda el amor paterno-filial entre un niño y su padre, retratando de manera tan humana algo que es tan antiguo y que, sin embargo, hoy vemos de manera más frecuente que antes: las familias monoparentales. 
    El Tío Steve como el gran artista que es, no deja de representar la vida tal como es, lo que queda bien demostrado por lo afirmado arriba y ello sin que lo fantástico, maravilloso y extrapolativo le quite peso estético a su trabajo.  Por lo tanto, esta novelita trata acerca del crecimiento personal, de la madurez, aunque también de lo maravilloso que es ver el mundo con los ojos que tenemos al ser niños; por esto y por más razones que se me pueden escapar, no podía dejar todo solo en momentos felices y de ese modo esta novelette trata por igual los temas de la muerte y el dolor que ello conlleva, si bien esto por igual significa un aporte más para nuestro desarrollo personal.
    La literatura en sí misma o, mejor dicho, el amor a las historias clásicas y a sus autores (sin dejar de lado a los contemporáneos), a su vez no deja de estar presente en los escritos de nuestro escritor; de este modo El teléfono del señor Harrigan, no está exento de tales cultos y amorosos detalles e invitándonos, como en ocasiones anteriores, a incursionar en dichas obras (y en verdad que S.K. sabe cómo entusiasmarnos al respecto).
    A todo esto, la trama transcurre en las inmediaciones de Castle Rock, que como sabrán los seguidores acérrimos de nuestro escritor favorito, se trata de una ciudad ficticia muy importante en su bibliografía y en ese sentido da gusto que no se haya olvidado de ella, pese a que durante hartos años no la volvió a revisitar e invitarnos a sus mágicas calles.
    Por último, plausible resulta ser cómo King se actualiza y hace que sus nuevas creaciones reflejen la actualidad. Es así que en el caso concreto de este título y de ahí su nombre, se nos hace un interesante recorrido por el mundo de los celulares (como llamamos en Chile a los teléfonos móviles) y las aplicaciones que estos usan; datos que no son gratuitos, puesto que gracias a ello es que el autor introduce esa marca suya que tan bien lo identifica: los objetos cotidianos que se vuelven una puerta para que lo extraordinario, maravilloso o aterrador toque/invada lo que entendemos como nuestra realidad, aparentemente tan segura y equilibrada.  Y respecto a todo esto, sin dudas que a sus "Lectores Constantes", que lo leemos desde el milenio anterior (o sea, que mínimo tenemos unos treinta años, lo que no es mi caso, claro), nos llamará la atención cuando el narrador se refiera a "Principios de siglo", lo que no corresponde al XX como el resto de sus obras, sino que a este siglo XXI que ya ha pasado a su tercera década; pues esto es valioso dentro del relato, porque su protagonista es un hijo de este tiempo y ello bien lo sabe caracterizar King, quien como muchos de nosotros ha sabido hacer parte de sí estas tecnologías, que no hace mucho solo serían propias de la ciencia ficción.

Portada alemana.

 
2. La Vida de Chuck.
 
    Stephen King tiene historias raras (como Bicicleta Estática, entre las que puedo recordar por ahora), inclasificables en algunos casos, que pueden ser del gusto de uno o no debido a su naturaleza extraña y entre ellas hayamos esta...Pero se trata, en todo caso, de una obra hermosa y que si bien no va a estar considerada entre lo mejor de su autor, al menos si resulta ser un interesante ejercicio narrativo, que demuestra tanto la maestría de este para jugar con las técnicas literarias, como para ser creativo y otorgarle a sus relatos una honda emotividad.
     Dividida en tres partes, cada una con su respectivo título, tal como dice su nombre aborda la vida de su protagonista, Chuck; sin embargo, lo hace de atrás para adelante y solo en los últimos párrafos de su primer apartado aparece el personaje, que antes de ello el argumento viene a ser algo muy distinto (en apariencia) a lo que vamos a encontrar más adelante.
     Primero asistimos a lo que se ve como una historia más del Tío Steve sobre el fin del mundo, la que este cuenta de una manera muy atrapante y que no deja de hacernos sentirlo como algo cercano a lo que ahora mismo estamos viviendo.  King nos transporta una vez más a la vida de un ciudadano común y corriente, pero en esta ocasión lo aterrador de lo que parece ser el fin de los tiempos, aparece como algo que ya está pasando desde hace un tiempo atrás y el protagonista (que no es Chuck, si no que otro) se ha adaptado como el resto de quienes lo rodean a sobrevivir a dicha catástrofe o, tal vez, a aceptarla; en este sentido, plausible resulta ser cómo S.K. logra darle a su narración un carácter tan natural a algo que claramente no lo es (la vida sigue su curso y la gente sigue, pese a todo, en lo suyo).  Y entre medio de todo esto, unos surrealistas avisos publicitarios que empiezan a invadir todo, provocan la incertidumbre de la gente y entre ellos los lectores, que no tenemos idea de a dónde irá a parar todo esto.
    Luego Chuck ya es el verdadero protagonista de la historia o quizás deberíamos decir el coprotagonista, junto a una muchachita que ha sido abandonada por su novio y un músico callejero.  Es aquí que el escritor nos concede un primer bello momento en la vida de Chuck, cuando este dejando de lado el tedio del típico gringo adulto oficinista, se da el tiempo para una "locura" de esas que hacen de nuestra existencia algo lleno de recuerdos preciosos.
     En el tercer acto conocemos a Chuck de niño y adolescente (tal como pasó con el protagonista de la novela corta anterior) para asistir a otros momentos valiosos, que ahora tienen que ver con su proceso de maduración y donde pese a la pérdida de los seres queridos, no falta la oportunidad para ser feliz y pleno.
    Ligado bastante a El teléfono del señor Harrigan, esta obra nos vuelve a hablar acerca del valor que tienen en nuestras vidas aquellas personas que han pasado a nuestro lado y de lo que significan las relaciones que llegamos a tener con ellas.  Pero, además, es un texto que habla sobre el significado de lo que hacemos y del lugar que todo ello tiene en nuestra memoria y corazón; luego su conjunto nos hace ser quiénes somos, como bien sucede con el Chuck de esta obra.
    Un precioso dicho se repite en esta novelette, el cual ya fue usado en su predecesora:

 

“Cuando muere alguien, una biblioteca se incendia” (o algo así, je).

 
      Estas sabias palabras cobran más sentido ahora y a ello se le suma el significado de un verso de Walt Whittman que aquí aparece y que el Tío Steve no deja de explicarnos (si bien prefiero no repetir acá su interpretación):
 
                                                  “Soy inmenso, contengo multitudes”.
 
     Por último, los niños de King no dejan de sobrecogernos y tan maravillosos en su realismo, pese a que les haga pasar tantos hechos extraordinarios.  Se sienten cercanos, nos recuerdan a nosotros cuando teníamos esos años y es que no son los genios superdotados de Orson Scott Card y eso es lo mejor de todo.  Pueden ser más inteligentes que la mayoría, aunque no en plan genios, sino que sus acciones y razonamientos responden a lo que vemos en los pequeños que conocemos o en lo que recordamos de nosotros mismos de aquellos dorados años.
 

Su servidor feliz como una lombriz con el este libro de su autor favorito.

Entrevista a Gabriel Huamán

 
    Con esta entrevista que esperé tan ansiosamente tener en mis manos y compartir con ustedes por medio de mi humilde blog, tal como ya pasó con las de los sensei Roberto Alfaro y Luis Saavedra, comienzo feliz este cuarto mes del presente año.  Es así que hoy les presento a este otro maestro al que tuve el gusto de conocer ille tempore ya y al que muchos en Chilito les debimos junto a sus compañeros ya mencionados y demases, que se abriesen espacios nacionales para aquellos temas, personajes y autores que tanto amamos los frikis de corazón.  Espero se diviertan y aprendan tanto con estas palabras, tal como lo he hecho yo al leer con gusto la entrevista a este genio del maquetismo.
 
1. Preséntate en 10 líneas.
 
      Soy un ariqueño que desde los 10 años dejé mi tierra natal y crecí en la zona central (viajando entre Valparaíso y Santiago). Hoy estoy   felizmente casado con mi compañera y amiga Lorena y soy padre de 2 hermosas hijas.   Junto con mi señora somos los socios fundadores de una empresa familiar llamada CREAFIXION.
     Desde pequeño, en mi ciudad natal, veía series como Ultraman, Tarzán, El Llanero Solitario y Batman,  entre otras. Ya en Valparaíso pude disfrutar de series como Viaje al Fondo del Mar, Tierra de Gigantes, Perdidos en el Espacio y Star Trek. Luego con el paso de los años, cuando viví en Santiago, pude ver las series de tv inglesas como Space 1999, UFO y Los Thunderbirds, las que me atrajeron mucho por su estética, maquetas y modelos más que por su historia. A ellas les debo este gusto por las maquetas y los efectos especiales, sin dejar de lado el film que fue el gran detonante para tantos y para mí: me refiero a Star Wars y las series de los 80 y 90 como Sankuokai entre tantas otras.
 
 
2. ¿Cómo llegaste al tema del maquetismo?
 
      Desde muy pequeño presente habilidades manuales y el gusto por construir cosas con madera, cartón y otras cosas. Recuerdo que cuando niño hice un avión con una botella de perfume de mi madre.
     Después, ramos escolares como Técnicas Manuales, que hoy en día vendría a ser algo así como Tecnología, me eran muy fáciles y de mi agrado. Estas cualidades e intereses llevaron a construirme mis propios juguetes y naves espaciales algo más elaborados y detallados, pues la mayoría no llegaban a Chile o eran de muy difícil acceso y costosos. Recuerdo la ocasión en que en este ramo que menciono (Técnicas Manuales) nos dieron un trabajo que fue “tema Libre” y aproveché esa instancia para hacer un modelo de casi un metro de largo, una nave hibrida inspirada en el la nave Thunderbird 2 y el Águila de Space 1999; en su interior llevaba un snowspeeders de Star Wars, que también manufacturé  a partir de fotografías de una revista oficial de la película El Imperio Contrataca. Las Revistas y fotocopias eran documentos valiosísimos en aquella época.      
 
3. ¿Cuáles son tus maestros e influencias?
 
     Extranjeros son el inglés Martin Bower, John Douglass  y el equipo de maquetas de ILM.
     A nivel nacional Don Hugo Valdenegro, el primer constructor de modelos que tuvo el Planetario Usach. Ver sus modelos a través de las vitrinas del hall del Planetario y descubrir cómo estaban hechas fue de total inspiración e influencia para los años venideros.
     Y si hablamos de los FX de maquillajes y caracterización de personajes Rick Baker, Stan Winston y muchos otros talentos.
 
4. Si te dieran a escoger alguna producción mítica de cine o televisión y en la cual podrías haber trabajado… ¿Cuál sería y por qué?
 
    Robot Jox dirigida por Stuart Gordon. Este film es el abuelo de Transformers y Pacific Rym. Soy un apasionado por los robots, los Mechas, androides, etc, y en esta película los hay. Son modelos tridimensionales y volumétricos hechos a mano. La mayoría de las secuencias donde aparecen estos robots en la película Robot Jox se realizaron con modelos y maquetas de gran tamaño y otros mas pequeños para hacer la animación Stop Motion con ellos.
 

                                                Preciosos recuerdos compartidos por Gabriel.

5. Cuéntanos acerca de tu participación en el origen de Ficcionautas Asociados.
 
     ¡¡¡Fueron años estupendos!!!.... Era los inicios la década de los 80.  Por aquellos días teníamos muy poca información sobre cultura pop en el área de la ciencia ficción internacional. 
       A nivel regional predominaba mayormente la literatura de este género y algo de comic, no obstante un grupo literario ciencia ficción llamado SOCHIF (Sociedad Chilena de Fantasía y Ciencia Ficción) acunó a los jóvenes interesados en este tema y que llegaron hasta esta agrupación gracias a los dos Encuentros de Ciencia Ficción y Fantasía que realizaron por aquellas fechas.
     Poco a poco y con el pasar de los años, nos dimos cuenta que no estábamos solos y que éramos una inmensa minoría.
      No se hizo esperar mucho y mostrarse la brecha generacional. las distintas inquietudes por el género de la ciencia ficción comenzaron a aflorar entre sus miembros y a manifestarse en distintas ramas artísticas como el anime, manga, cine, comic, ilustración, maquetas y modelos, etc.  Es así que estos jóvenes, entre los que me incluyo,  no comenzamos a encajar en los formatos de los antiguos fundadores de la Sochif, generándose un anexo, un apéndice diría yo: Ese fue el Grupo Chileno Juvenil de Fantasía y Ciencia Ficción, cuya sigla era muy extraña (Gruchijufacifi), jejeje...
     Generamos unos cuantos fanzines y el área de comic e ilustración encabezado por Roberto Alfaro y Fyto Mang.  Los del área comic desarrollaron algo así como una mini editorial y concretaron un proyecto: la revista Oxigeno; esta iba a ser creada bajo la organización de "Ficcionautas Asociados", quienes éramos los mismos de Gruchijufacifi y es que Ficcionautas Asociados sonaba mejor…Estos “viajeros de la ficción.”
     Para el lanzamiento de la revista Oxigeno realizamos unas muestras plásticas y artísticas, además de unas charlas. Esto permitió juntarnos con otros amantes del género. Dichos encuentros  y reuniones terminaron siendo los míticos Encuentros de Ciencia Ficción y Fantasía realizados en los Centros Culturales Santa Isabel y Padre Mariano, en la comuna de Providencia y que finalmente fueron realizados en un espacio más amplio,  el Centro Cultural de España, todo esto organizados por 6 miembros de Ficcionautas Asociados.
     Llegamos a realizar un Encuentro cada año, en el cual presentábamos ciclos de películas, charlas de todo tipo del género: cinematografía, literatura, música de films. Habían salones con artes y muestras 2d de páginas de comic, ilustraciones de Waldo Retamales, entre otros y por supuesto el área volumétrica que incluirán maquetas, modelos y esculturas de ciencia ficción y fantasía. Esa era el área de la cual tenía que responsabilizarme y estar a cargo.
 
      Así es como me llegué y se formó Ficcionautas Asociados, siendo cada uno de sus integrantes responsables de las distintas áreas:
 
* René Weber área de cinematografía, literatura y director del grupo
* Roberto Alfaro área de cómic e ilustraciones
* Marcos Borkosky (Fyto Manga) área de animes y mangas
* Juan Carlos Cabrera área de Star Wars
* Luis Saavedra área literatura
* Y Gabriel Huamán área maquetas, modelos y esculturas.
 
    En este viaje estuvimos acompañado por varios amigos, amigas artistas y fans de la CF; cada año ellos nos colaboraban para descubrir a nuevos talentos y creadores que estuviesen a la altura de ser presentados en los Encuentros de Ciencia Ficción y Fantasía de Ficcionautas Asociados.
 
    Cada año el Encuentro era esperado con ansias por el fandom, pero todo llegó a un punto final donde el cansancio, el desgaste,  los intereses y atenciones propias de la edad terminaron por agotarnos, dando de este modo al paso a la creación las nuevas agrupaciones, clubes y fans de cada género en particular: Grupos de juegos de rol, grupos de Star Wars, Star Trek, entre otros muchos más.

Hace mucho, mucho tiempo en una galaxia no muy lejana...

 
6. ¿Cómo funcionaba tu taller en el parque O´Higgins? ¿Y qué bellos recuerdos nos puedes compartir al respecto?
 
    Accedí a una invitación de Roberto Alfaro a realizar talleres allí. Roberto estaba generando actividades culturales y de difusión en ese lugar.
    Mis talleres funcionaban los días sábados y domingos en un horario variable y acomodado al interés del alumno; pero el ambiente que se generaba allí era tan agradable, que hacía que se quedaran más allá de la hora o llegaran más temprano, je,je.
 
    En cuanto a su estructura, teníamos un programa semestral y metas que cumplir clase a clase. Los trabajos terminados se presentaban en algún encuentro temático al que éramos invitados.
 
    Recuerdo que con los chicos del taller nos invitaban a las premiere de algunas películas y más de algún trasnoche se llevo alguien para poder terminar ya sea su traje, casco o maqueta para poder llegar al día del estreno, en especial las películas de Star Wars.
 
7. Háblanos sobre tu participación en el programa televisivo de Bakania.
 
     Llegué a Bakania gracias Fyto Manga.(Marco Borkoski)  Él ya llevaba una temporada con ellos y me invitó para ser parte de los contenidos de la segunda temporada y presentar el tema “efectos especiales”.
     El programa iba todos los días y nuestra participación era una vez por semana. Teníamos que preparar elementos y contenidos de cada sección, los que nos tomaba un buen tiempo y desgaste en hacerlos. Para ello armamos un equipo de trabajo, donde participaron Yamila Huerta, Angel Jara y Adrián Rabello, más los alumnos del taller que nos colaboraban al momento de realizar los efectos prácticos en el estudio.
     Allí hablábamos de la construcción de los props, efectos de maquillajes, historia, etc, etc.
     Recuerdo dos ocasiones muy buenas:
     En una oportunidad hablamos de maquillajes y caracterizaciones. Llevamos ese día a un alumno del taller vestido como momia.  Era delgado y alto, con vendas envejecidas y zonas del cuerpo carcomidas.  Le pedimos a Gonzalo Muñoz-Lerner, el conductor del programa, que metiera su mano en un agujero que tenía el personaje por un costado.  Asombroso fue ver la cara de Gonzalo y las arcadas espontaneas que le generó al retirar en su mano un montón de gusanos reales moviéndose (usamos tebos para pescar).  Por supuesto, no le avisamos nada antes a Gonzalo, sino perderíamos las reacciones espontáneas y la sorpresa.
     La otra fue cuando el set de estudio se llenó, repleto de borde a borde,  de maquetas de naves y estaciones espaciales. Habíamos lanzado al aire, la semana anterior, un concurso sobra naves y modelos de ciencia ficción. Para aquella oportunidad enseñamos la técnica SCRATCHBUILD e invitamos a los telespectadores a realizar sus propios modelos. Nunca imaginamos la cantidad de obras que llegaron para el concurso, Nos tomo cerca de 4 horas hacer la selección de los finalistas.

8. ¿Cómo es la elaboración de una maqueta y/o diorama?
 
     Una maqueta es un modelo o ficticio a escala de un objeto que tiene otro tamaño y materialidad. Un diorama es una representación tridimensional de un suceso, en ella está la maqueta junto a los otros accesorios y decorados que nos presenta una narrativa visual de un suceso
     Para ambos casos existe un proceso creativo con sus etapas bien establecidas. Primero la claridad de las ideas a realizar y la recopilación de información, todo lo necesario para poder visualizar o esclarecer la idea o el modelo que vas a realizar. Luego tienes que definir los tamaños, el uso que le vas a dar: Por ejemplo, si es una maqueta de una nave espacial, definir si esta va a estar colgada o sobre un soporte pedestal, detrás de una vitrina o al contacto directo del público, etc., etc. Posteriormente viene la selección de materiales que vas a utilizar para su construcción. Siguiente la construcción misma del modelo, que concluye con el trabajo de arte y pintado. El prestar atención a los detalles hace que tu trabajo tenga un realce y aceptación.
     Como último punto e importante para algunos es el almacenamiento, digamos el embalaje de tu obra para que perdure en el tiempo y resista los trajines que conlleva presentar una maqueta en una exposición y que requiere una buena caja de trasporte.
 
9. ¿Cómo es la elaboración de máscaras?
 
     Al igual que el caso anterior, se inicia por tener la claridad de lo que vas a elaborar. Analizar su forma y visualizar su posible matizado, es decir, si va a ser de una sola pieza o varias.
 
     Luego gracias a las fotografías, dibujos o bocetos comienza el modelado en arcilla, plastilina, plastecera u otro material maleable que permite dar forma con las manos aplicando y quitando materia a la forma que estamos trabajando.
     Cuando ya hayan pasado muchas horas de trabajo y esté finiquitado el modelo, después de realizar las correcciones y cambios, viene el matrizado. Para eso hay distintos tipos de materiales en lo que concierne a su elaboración y eso va a depender de tener muy claro la funcionalidad, o sea, si será algo estático y formará parte de una estatua o si es para ser colocado y utilizado por un actor que dará vida al personaje.  Para eso usamos caucho de siliconas, yeso extra duro, goma látex, etc., etc.
      Para terminar con la aplicación de arte y pintura, lo que finalmente le da vida a la máscara
 
10. ¿Por qué tanto amor por Star Wars?
 
    Más que amor, creo que es un reconocimiento por ser la producción audiovisual que asombró a más de una generación completa y detonó una admiración por el género. Más que amor es felicitar, disfrutar y aprender de todo el desarrollo técnico y artístico empleados en esa producción, atendiendo desde los detalles visuales generales, hasta los más mínimos como las maquetas y los modelos. Todo aquello que la tecnología en esa época podía brindarles. Reconocer que comienza a motivar el estudio por el Diseño Industrial, el Cine, la Ingeniería en Sonido, etc., etc., carreras relacionadas a la producción cinematográfica.
    Star Wars nos presenta de una manera magistral un género que ya venía algo de capa caída, colocando a la Space Opera en un sitial de nuestra cultura Pop hasta hoy en día.
 
11. ¿Crees que en Chile puede haber mercado para lo que haces? (expláyate)
 
     Claro que sí, aunque este un mercado es selecto y aparentemente reducido si se compara con un rubro standart.  Una prueba de que existe un mercado nacional es la existencia de nuestra empresa Creafixion, lo que ella es hoy en día. Como muestra tenemos un listado de trabajos elaborados para distintas empresas de eventos y retáis. Siempre entregando sus servicios en el área de educación, así como en el campo de la entretención, siendo el área publicitaria y promocional la más fuerte en solicitarnos. Internamente hemos podido dar oportunidades de aprendizaje y trabajo para varios artistas y talentos jóvenes. Eso es algo que no llena de dicha.  Como país aún somos jóvenes, si nos comparamos con Norteamérica o Europa, pero es cosa de tiempo y madurez de idiosincrasia, una madurez de ética e identidad. Por otro lado, a nivel regional veo muchos emprendimientos de servicios totalmente personales, condicionales, cargadas de egos y vanagloria.
 
12. ¿Qué tal está la industria internacional hoy en día respecto a tu disciplina?
 
      Esta siempre en constante evolución, tanto en técnicas, herramientas, como en materiales, situaciones que gracias a un sistema de mercado global podemos acceder en un corto tiempo; de este modo, podemos aprender de lo que está a la vanguardia de materiales nuevos y tecnologías de vanguardia. Económicamente mientras haya cine y publicidad siempre habrá pan para comer, je, je, je.
 
 
13. ¿Los efectos digitales se “comieron” a los de carácter físico?
 
     No lo creo. Aún el ojo humano es capaz de reconocer la diferencia de algo elaborado en CGI de algo construido materialmente. Personalmente creo que son otro tipo de herramienta y como tal es el complemento a otras herramientas y sistemas. Si haces un excesivo uso o abuso solamente de una de ellas, puede llegar a fallar y dar malos resultados. Este recurso hay que saber ocuparlo y ocuparlo de manera adecuada, justa y precisa.
 
14. Cuáles son tus consejos para quienes desean incursionar en lo que haces?
 
     Mucha paciencia, perseverancia y humildad. Aprender de nuestros errores y reconocer las críticas con altura de miras, eso nos ayudará a ser mejores en nuestro oficio.  Una cosa que siempre explico a nuestros alumnos es: Nuestros trabajos, nuestro oficio, son los que deben hablar por nosotros y no nosotros los que debemos explicarlos o justificarlos.
 
14. ¿Es posible apreciar tu trabajo y/o aprender de tu experiencia?
 
     Si, claro, en las redes sociales tenemos publicaciones como en Instagram: @creafixion, Facebook: Creafixion y también por Facebook a Gabriel Huaman Maquetas y Modelos. Prontamente estaremos presentando nuevas redes y plataformas donde podrán ver nuestras realizaciones, talleres, eventos, streaming etc.

 

Educando a las nuevas generaciones y a futuros especialistas.

 

¡Gracias, San Zack Snyder, por favor concedido!

 
    Millones de fanáticos deceistas esperamos con ganas el estreno del filme live action de la Liga de la Justicia, más sabiendo que su responsable era nada menos que Zack Snyder, el mismo artífice del inicio del llamado DCU (Universo Extendido DC Cinematográfico) con El Hombre de Acero y Batman versus Superman.  Las expectativas eran altas, pero el sueño de millones se derrumbó apenas se pudo ver el resultado de años de espera (en la práctica, desde la infancia de muchos que crecimos con estos cómics y sus personajes), puesto que el producto final dejó mucho que desear.
    Estrenada en 2017, la cinta tuvo varios problemas para ser terminada y entre ellos debido a que el cineasta abandonó el proyecto antes de realizar la postproducción y el montaje final, puesto que su hija Autumn se suicidó y como era de esperar no estaba en condiciones de dedicarse a dichas labores.  Fue así que se contrató a un artista incluso mucho más virtuoso que el propio Snyder: Josh Whedon. 
    Whedon, escritor/guionista, productor y director dio el salto a la fama cuando en los noventa tomó su guión de una pésima película juvenil, Buffy la Cazavampiros y la convirtió en una exitosa serie de televisión del mismo nombre, la que sin dudas hizo historia y hasta tuvo un quizás aún mejor spin-off en Angel.  Luego nos dio la series de ciencia ficción también de culto Firefly y Dollhouse, que lamentablemente no fueron tan longevas, si bien aún así se ganaron el corazón de millones y el aprecio de la crítica.  Entre medio vino su trabajo en una de las más celebradas etapas de los cómics de los X- Men (¡Si hasta el divo de Grant Morrison lo alabó en su libro Supergods por esta labor, considerándolo el único libretista que saltó de la pantalla chica a las viñetas de manera destacable! Sitial que compartía junto a nada menos que Michael Straczynski).  El momento más alto de su carrera estaría al dirigir y escribir la primera aventura hollywoodense de Los Vengadores de Marvel... Pero luego llegó La Era de Ultron, su segunda y última incursión en el universo marvelita, la cual no fue tan rentable como se esperaba y de ese modo se fue a la Distinguida Competencia.
    Con un curriculum como el de arriba (que ni siquiera mencioné todo), varios celebramos la llegada de Whedon, quien además le podía aportar el humor que al universo tan demasiado oscuro de la visión de Znyder le faltaba.  Y claro que hizo esta labor de aligerar el tono del filme, sin embargo se le pasó la mano, como luego pudimos comprobar y al final la cinta resultó ser un verdadero bodrio infumable, que buena parte del público (en especial los más ñoños) y la prensa detestaron. Lo que sucedió es que Whedon, presionado por los productores como el mismísimo Geoff Jhons (importante guionista de DC y hace rato peso pesado al mando de la empresa y de sus productos derivados como películas y series), recortó un montón de material filmado por su predecesor y grabó nuevas escenas, dándole giros argumentales distintos a la trama e incluso a las caracterizaciones de los personajes y las relaciones entre estos.  La película en sí se hizo aburrida y poco heroica, algo que no podíamos creer de la fusión Snyder/Whedon. Más encima, luego nos enteramos del maltrato que tuvo Whedon con las estrellas, conducta que venía desde su época en Buffy, ya que comenzaron a salir las denuncias en contra de él y de ese modo pasó a formar parte de la lista negra de Hollywood (si bien como dice mi amigo Ricardo Ruiz, es raro se hayan demorado tanto en denunciar todo esto y de manera conjunta más encima).
     Pasó el tiempo y algunas heridas sanaron, con ello llegó la posibilidad de que Snyder estrenara su versión de la Liga de la Justicia, de modo que comenzó todo un movimiento en redes sociales por parte de los frikis para que se concretara esta posibilidad.  Así fue como a principios del año pasado, se concretó el proyecto, concediéndosele al director varios millones para pulir su edición y que en una primera instancia, se iba a estrenar como miniserie de 4 episodios de una hora cada uno; ante esta noticia, quedaba más claro que nunca que la versión de Zack Snyder, difería mucho de lo que llegó a los cines en su momento.

El gran cambio de Steppenwolf entre una versión y otra.

     En el transcurso de este mes que ya termina, pudimos apreciar por fin la adaptación de la Liga de la Justicia, tal y como siempre la quiso su primer director.  Más encima, al final fue montada como filme, pese a su larga duración de 4 horas y como desde los inicios se prometió.  En la práctica todos quedaron fascinados, puesto que mejoró tanto la puesta en escena, que se trataba de una película aparte y lejos superior al "monstruo de Frankenstein", perpetrado por el otrora niño favorito de Hollywood.
     Muchas razones tenemos para querer ver y amar lo realizado por Snyder, pero antes de nombrar estos motivos es necesario hacer una aclaración: Sus superhéroes no corresponden a la imagen luminosa que tenemos de estos populares justicieros y solo Flash (en una versión que más nos recuerda al alegre Wally West, que al sobrio Barry Allen) aparece como alguien que mantiene cierta alegría inocente en su proceder; el resto, hasta la misma Wonder Woman y en un acto de dureza que no esperaríamos de ella en el clímax de la película, son demasiado graves y se nota cargan con mucho peso sobre sus hombros (Ciborg es un claro resentido y Aquaman solo gracias a su propio filme, recién se gana nuestros corazoncitos)... Y, sin embargo, no podemos dejar de aplaudir este verdadero espectáculo que se nos ha concedido.
     A ver, repasemos algunos de los aspectos positivos de este "Corte del Director", que en todo caso debo confesarles que me vi solo una vez la versión cinematográfica y me desagradó tanto que en la práctica la olvidé toda (salvo una graciosa escena relacionada con Aquaman y el lazo mágico de Wondy, que sin dudas era uno de los pocos ingeniosos aportes de Whedon).

"Papi" Darkeseid acompañado por Desaad y la Abuelita Buena.

 
1. En primer lugar esta vez el villano de la historia logra atraernos.  Steppenwolf es en la práctica un desconocido para la mayoría y comparado con los rivales de Loki, Ultron y Thanos a los que se enfrentan los Vengadores del cine, no tenía peso dramático dentro del guión en la encarnación anterior del filme. Sin embargo, ahora entendemos mejor sus motivaciones y esta vez su nuevo aspecto, muchos más aterrador y demoniaco es magnífico.  Sus diálogos y monólogos son casi shakespereanos.
 
2. Nos habíamos quedado con las ganas de ver al gran Darkseid por culpa de Whedon y demases, no obstante ahora sale que da gusto y queda constancia de que Steppenwolf es solo un emisario del Nuevo Dios Oscuro.  Para rematar y casi provocarnos más de un orgasmo de felicidad a los frikis, aparece harto Desaad y de paso incluso apreciamos a la mismísima Abuelita Buena (una de mis villanas favoritas).
 
3. El poco atlético (o más bien flacuchento) Flash del DCU me había parecido hasta ahora un verdadero payaso sin mayor atractivo, pero ahora nos lo humanizan tanto que no solo resulta ser un mero principiante cómico, sino que destacan en él sus deseos para hacer mejor la vida de los demás; por lo mismo, no duda en sacrificarse para conseguirlo y el heroísmo en él es conmovedor. Gracias a lo anterior logra sobresalir entre sus compañeros (bueno, difícil consiga ser tan carismático como la propia Diana de Themiscyra, aunque está muy cerca de ella). Así que ahora bien podemos esperar con ansias su largometraje en privado, que se sabe promete mucho.
 
4. Un querido superhéroe, pilar de la Liga de la Justicia, tiene dos memorables escenas.  No diré quién es por si alguien que no se ha llenado de spoilers y aún no ve esta versión, desea descubrirlo por su cuenta. He aquí una poderosa razón para esperar el mejor de los futuros a esta franquicia cinematográfica.
 
5. La verdad es que no sé si sale en el montaje para el cine, pero otro personaje notable vemos en el corte de Zack Snyder, alguien muy ligado a Batman.  Más encima, está interpretado por un tremendo actor, ligado desde hace años a las adaptaciones del género (y lo mejor es que no cometieron la estupidez de cambiar su raza, para dárselas de políticamente correctos).
 
6. Dos secundarios de peso relacionados con Aquaman intervienen, realzando la calidad de esta cinta llena de sorpresas de lo más gratas.
 
7. Superman con su traje oscuro, que bien nos recuerda ese gran cómic de los noventa sobre su resurrección, se ve estupendo.
 
8. Un villano increíble sale también, con un monólogo para sacarse el sombrero y en una escena postapocalíptica que vendría a ser la antesala del gran filme que estamos esperando.  Después de esta intervención, con mayor razón no aceptaré que me ninguneen la versión de dicho criminal, presentada hace unos años atrás en otra de las películas de esta saga.
 
     ¿Se me olvida algo más? Solo me queda decir que me habría encantado ver en pantalla grande esta joyita y acompañado de mi sobrinito Amilcar, como de mis amigos más frikis, para luego celebrar en grande un espectáculo como este.

                                            El potente tráiler subitulado (y este no es puras promesas)

¿Tan necesaria era otra versión?

1. El libro.
 
    Para 1979 Stephen King ya tenía publicadas una triada de novelas, todas ellas bestsellers (comenzando por su debut en grande con Carrie, luego su novela de vampiros Salem´s Lot y lo que sería ya su consagración como el actual “Rey del Terror”, El Resplandor).  Asimismo, ya había visto la luz un libro suyo bajo el pseudónimo de Richard Bachman, Rabia y numerosos cuentos suyos llegaron para gozo de los lectores por medio de varias revistas de prestigio, por no dejar de mencionar su primera colección de narraciones breves: El Umbral de la Noche.  Diversas temáticas del género estaban abordadas en dichas obras, pero salvo un cuento que la verdad no está entre sus mejores relatos (aunque no es malo), Marejada Nocturna, ninguno había abordado hasta entonces el fin de la humanidad.  Así fue que con The Stand (menciono el nombre original en inglés, debido a lo difícil que resulta traducirlo de manera literal a nuestra lengua y siendo lo más cercano algo así como La Elección) abordó con cercanías a la ciencia ficción, aunque no dejando de lado los elementos sobrenaturales, la literatura postapocalíptica.
    La trama de la obra que hoy nos retiene ya es casi de conocimiento público, considerando la situación en la que nos encontramos todo el planeta, debido a la pandemia del Covid-19.  Un virus de laboratorio escapa de un complejo militar estadounidense (a estas alturas chinos y gringos tienen culpas similares) y ello provoca la muerte de más del 99, 9% de la población mundial.  Los sobrevivientes en suelo yankee (nada sabemos de lo que pasa en el resto del mundo…Salvo en el epílogo de la obra) comienzan a tener sueños de carácter mágico: se les aparece una anciana de aspecto bondadoso, que los invita a visitarla en su granja y, por otro lado, un hombre joven de aspecto tenebroso; queda claro que la primera representa el Bien, mientras que el segundo el Mal… Es así que la mayor parte de las personas de buen corazón que quedan vivas, van donde la llamada Madre Abigail, mientras que por lo general los amantes de la violencia y de espíritu malvado acuden con Randall Flagg.
     Compleja como muchas de las creaciones del Tío Steve, se trata de una “novela río” donde el protagonismo está compartido por un montón de personajes, entre héroes y villanos, quienes se unen a sus pares para fundar dos comunidades separadas y que lamentablemente tendrán que enfrentarse entre sí, debido a la insistencia del líder de los habitantes de “Nueva Las Vegas”, una criatura que pese a su aspecto de ser humano es una entidad demoniaca que solo quiere el fin del mundo. 
     Llena de momentos impactantes y de personajes que no dejan de robarse el corazón de los “Lectores Constantes”, con un elemento religioso bastante potente, además, en su momento tuvo que ser reducida en cientos de páginas debido a que los editores no encontraban rentable y atractivo la publicación de un título de más de mil páginas, tal como desde un principio desarrolló la historia su autor.  Aparecida en nuestra lengua bajo el nombre de La Danza de la Muerte (¡Qué ingeniosos! ¿No?), en 1990 con su escritor ya vuelto toda una estrella de las letras y reconocido incluso por quienes no leen debido a las numerosas adaptaciones audiovisuales de sus trabajos (unas con más éxito de público y crítica que otras), para tal año fue posible gozar de la versión extendida y mejorada de esta epopeya.  Llevando el nombre de Apocalipsis en la lengua de Cervantes (otra demostración de la “inteligencia” de algunos en el rubro), llega casi a las 1300 páginas en la edición de tapa dura y formato grande en castellano (que es la que posee con orgullo su servidor).  Toda una verdadera maravilla que da gusto, cuenta más encima con preciosas ilustraciones del amigo y colaborador en numerosas oportunidades del propio King, la por entonces leyenda viviente Berni Wrightson.   Está más que claro que entre leer la primera versión del libro (censurada y/o mutilada) y esta última, no hay donde perderse.
 
2. La Miniserie original.
 

    En 1994 se estrenó una miniserie de cerca de 6 horas, dividida en 4 episodios, dirigida por Mick Garris y con guión de nada menos que del propio Stephen King.  Cabe mencionar que esta fue la primera colaboración de ambos artistas, volviendo a trabajar en otra miniserie en 1998, siendo esta la versión para la televisión de El Resplandor (ya que a King nunca le gustó la película de Kubrick), si bien el propio Garris haría por su cuenta y bajo la bendición de su amigo varias más adaptaciones sobre su obra.
     Con artistas de la talla de Gary Sinese, Molly Ringwald (quien se ve realmente hermosa en esta producción, además de interpretar su papel con gran carisma como el resto de sus compañeros), Rob Lowe, Miguel Ferrer y Laura San Giacomo, entre otros (que luego muchos de ellos volvieron a laburar en otras adaptaciones de nuestro escritor), esta miniserie marcó precedentes para posteriores adaptaciones televisivas de la obra del Tío Steve, de gran calidad y alto presupuesto (antes solo teníamos lo realizado por Tobe Hooper a fines de los setenta, con la miniserie de Salem´s Lot, bastante buena por cierto, e It, también un clásico, aunque igual ambas realizadas con poco dinero).  No está de más decir que tal pieza de la pantalla chica, en verdad que dio en el gusto, tanto a los incondicionales del Rey del Terror, como al público en general y ello al dramatizar de manera tan espectacular, algunos de los momentos más emblemáticos del texto literario.  Por lo tanto, como diríamos en Chile, la adaptación de Mick Garris “dejó la vara bien alta” y en ese sentido esperar una nueva versión audiovisual era algo que a muchos no nos parecía necesaria… Pero cuando hay plata de por medio, no importa aventurarse y a veces nuevas versiones de obras que ya se consideran clásicos contemporáneos no resultan malas y hasta puede estar a la altura de sus predecesoras (que superarlas resulta difícil ¿No? Como bien ocurre con ambas películas para el cine de Carrie y casi hasta con Cementerio de Animales y la única excepción que recuerdo es con los largometrajes de It, que claramente superaron con creces la adaptación de la tele).
    Se me estaba olvidando, no podemos olvidar las contribuciones sin acreditar de verdaderos maestros de la actuación como Kathy Bates, ya oscarizada cuando realizó su intervención gracias a su trabajo en Misery y a Ed Harris, el cual tuvo un rol con mucho más escenas que la Bates (aunque esta última, en verdad que nos sorprendió gratamente con el monólogo que nos regaló a sus admiradores).

                       Un maravilloso tráiler de la miniserie de 1994 editado por fanáticos... 

                                  ¡Lo veo y no dejo de pensar que "todo pasado fue mejor"! 

 
3. El cómic.
 
    Debido al enorme éxito que significó la adaptación al cómic de la saga de La Torre Oscura, Marvel decidió atreverse a llevar a las viñetas otra obra de Stephen King.  De ese modo una genial opción era The Stand, una obra voluminosa que podía abarcar varios números y unos cuantos años sacándolo para así conseguir mayores divisas.
   Publicado entre 2008 y 2011, se encuentra dividido en 6 miniseries, cada una con su correspondiente subtítulo (El Capitán Trotamundos, Pesadillas Americanas, Almas Supervivientes, Casos Perdidos, Tierra de Nadie y Cae la Noche), de unos 5 números por entrega, salvo la última miniserie que posee 6. 
    Con el guión de Roberto Aguirre-Sacasa, un destacado libretista tanto de historietas como de televisión, como teniendo a Miker Perkins y Laura Martin tras el dibujo y el color respectivamente, viene a ser la segunda vez en que esta novela posee una más que digna adaptación.  Además, cabe destacar que el formato permite representar situaciones “difíciles” a la hora de retratar en pantalla y más para cuando fue llevado a la televisión en una primera instancia; entre esto último, se puede mencionar la incorporación del Muchacho, un psicópata de carretera que lamentablemente fue obviado en la versión catódica y que acá por fin lo vemos participar de la historia (quien, por cierto, tuvo nada menos que una gran ilustración por parte de Berni Wrightson en la versión extendida de la novela).  Eso sí, para pesar de muchos el clímax de tipo “Antiguo Testamento” fue cambiado en esta versión (aun así, sigue siendo un tremendo cómic y una gran traslación a este medio).

 

4. La versión de 2020.
 
    Hace rato que estaba la intención de hacer una nueva versión de la famosa novela del Tío Steve, que tal como sucedió desde los años ochenta, se quiso realizar algo para el cine y al no poder concretarse este hecho, se optó por realizar nuevamente una producción televisiva (que la verdad una obra de esta envergadura, funciona mejor como miniserie, al poder abarcar de ese modo la mayor parte de su material original).  De este modo, una vez que se aprobó el proyecto las redes sociales se llenaron de información al respecto y, en especial, cuando se mencionaron las estrellas que trabajarían en esta ocasión. 
    Cabe mencionar que su estreno se atrasó debido a la actual crisis sanitaria y que al final aprovechando el morbo de lo que estamos pasando hoy en día, terminó por comenzar a ser exhibida a fines del año pasado ¿Raro no y más si se consideran las características del virus que hoy en día nos tiene sometidos y que lo asemejan a la Supergripe del libro de King?
    Producida por Richard P. Rubinstein, antiguo amigo y colaborador de George Romero y quien fue una de las primeras personas en interesarse de manera seria en adaptar esta obra (con el mismo Romero haciendo de director), fue adaptada por un gran número de guionistas y entre ellos el propio hijo menor de Stephen King: Owen.  La verdad es que todo parte bien, siendo el creador de este proyecto Josh Boone, de quien por fin pudimos ver el año pasado Nuevos Mutantes y el cual estipuló una manera muy diferente de contarnos la historia: a través de flashbacks.   No obstante, a lo largo de los 9 episodios que comprenden esta adaptación, se nota que hay muchas manos detrás de los guiones y de ese modo pierde cohesión al no tener sus responsables la capacidad de mantener la misma calidad entre un capítulo y otro.
    La verdad es que resulta difícil no comparar esta versión con la anterior y vaya que sale perdiendo.  Se eliminaron momentos en verdad muy queridos del libro y que la dupla Mick Garris/ Stephen King supo llevar a cabo maravillosamente en aquellos años, como la famosa escena del túnel de Lincoln (y que pese a todo el dinero que tenían en esta actualización, reemplazaron por una idea de lo más “barata”).  Por otro lado, le quitaron escenas a varios personajes claves y a otros los eliminaron de la trama, habiéndose desarrollado con muy poco carácter secundarios de peso como Tom Cullen y Trashcan (de hecho, este último con suerte tiene unos 4 momentos entre todo y eso que su actor se esforzó por hacer algo plausible, Ezra Miller, el Flash de DCU).  Para qué hablar de Nick Andros, uno de los mejores coprotagonistas del libro, tan bien ejecutado por Rob Lowe en los noventa, quien acá por igual apenas está considerado y se difumina el personaje perdiendo buena parte de su importancia para el devenir de los acontecimientos (¿Y qué les pasó con el emotivo momento, en el que se le aparece a su mejor amigo cuando menos lo esperábamos?) Asimismo, y para molestar de los encariñados con Madre Abigail, en vez de vivir esta sola en medio de su granja… ¡Lo hace en un asilo de ancianos! Pésima decisión, que le quita parte de su independencia al personaje, quien al ser una mujer con más de 100 años, siempre es mostrada como una persona voluntariosa y tan ejemplar que es difícil no quererla.

    La primera gran estrella de esta segunda producción, resulta ser James Marsden, pero su desenvolvimiento no destaca a diferencia de otros trabajos suyos.  Luego tenemos a la querida Whoopie Golberg y a quien no veíamos desde hace rato, haciendo nada menos que de la Madre Abigail… ¡Otro tremendo personaje al que le eliminaron varias de sus intervenciones! Da gusto verla actuar como siempre, no obstante, tampoco se le aprecia muy inspirada que digamos.  Por otro lado, el gran villano de esta epopeya se encuentra bajo los hombros de Alexander Skarsgård, tanto o más guapo que Marsden y si bien sobresale mucho más que su colega de actuación en esta ocasión, lejos mejor labor la llevó su predecesor Jamey Sheridan, quien si lograba dar miedo en sus episodios de locura.
    A diferencias de los anteriores, mejor quedan Owen Teague como el desequilibrado Harold Lauder y al cual le otorgan una humanidad tal, que por primera vez nos llega a provocar compasión ante su soledad; cabe mencionar que esta es la tercera vez en la que Teague participa en una adaptación de la narrativa kingniana, luego de sus papeles más pequeños en la tristemente infravalorada Cell y las versiones hollywoodenses de It.  De igual manera la ambivalente Nadine Cross, esta vez bajo la piel de la hermosa Amber Head, merece aplausos.  No puedo dejar de nombrar la versión de otro “villano”, Lloyd Heinred, esta vez personificado por Nat Wolff, tan diferente a su desarrollo por parte del desaparecido Miguel Ferrer, que hasta nos cae bien.
    Personalmente lo que más me gustó fue el clímax, muy bien desarrollado con todo eso de la famosa “Mano de Dios” (aunque igual no tan evidente esta vez) y volver a encontrarme con Greg Kinner, regio como siempre y aún a sus más de cincuenta años.
    ¿Y lo peor? El episodio 9, escrito por el propio King, en lo que me parece su más desastrosa idea luego de la olvidable The Golden Years, serie original suya de principios de los noventa y que era tan mala que solo tuvo 8 episodios.  Pues resulta que luego de resolverse la trama, tal como correspondía en el capítulo 9, a King se le ocurrió aprovechar una idea que tenía en mente desde hace años y centrada en Frannie Goldsmith, la única de los líderes de la llamada Zona Libre en no ser “puesta a prueba”; sin embargo, por mucho que uno ame al Tío King y a sus obras, a mi humilde parecer lo que aquí vemos resulta ser hasta ridículo, usando el recurso del deux ex machina que da lástima o rabia.  Si hubiesen cerrado todo como correspondía en el episodio 8, habría tenido el producto final más dignidad, sin embargo nadie es perfecto y ni siquiera mi autor favorito.
    Por último, Stephen King y Mick Garris hacen unos curiosos cameos por ahí.

                                                             Tráiler de la versión 2020.