sábado, 17 de abril de 2021

Cuatro nuevas oportunidades para amar al Tío Steve (II)


3. La Sangre Manda.
 
    La novela corta que da título al tomo, es todo un regalo del Tío Steve a sus Lectores Constantes (como bien le/nos gusta llamarnos a quienes lo seguimos y adoramos desde hace años), como a los demás y es que bien hay razones de sobra para considerar así este título.
    Con casi 200 páginas de extensión, bien podría ser publicado como una obra en solitario, tal como lo hizo King en el pasado con títulos tales como Montado en la Bala y Blockade Billy, los que luego incorporó a sendas antologías; mientras que en otros casos como Elevación y La Caja de Botones de Gwendy, solo existen en formato independiente.   Pero su autor la ha hecho formar parte de su última colección de novelettes, llevando esta el título de la historia que revisamos ahora: La Sangre Manda.  ¿Por qué? No solo por su llamativo nombre, sino que por razones de sobra y que bien descubriremos juntos por medio de esta revisión.
      El texto en cuestión, se trata del esperado regreso de una de las heroínas más queridas del Tío Steve: Holly Gibney.  Cabe recordar, que a esta la conocimos cuando apareció bien entrada la novela Mister Mercedes, quien de inmediato se "robó la película" y que hasta a su propio autor lo sorprendió, puesto que originalmente no pensaba mantenerla en toda la Trilogía de Bill Hodges; pero al final el personaje tomó fuerza y se convirtió lejos en la mejor de las protagonistas de dicho tríptico policial (y estamos hablando de unos libros con personajes potentes y carismáticos, tal como le salen tan bien a nuestro escritor).  Con posterioridad, King la llevó a coprotagonizar su violento e impactante policial sobrenatural El Visitante; la intervención de la fémina no pudo ser más grata y nos volvió a dar momentos conmovedores y divertidos.
    ¿Y quién es Holly Gibney? (a la que adoro con todo mi corazón, así como a Roland y a todo su Ka-Teth de La Torre Oscura y al Club de los Perdedores de It).  Pues se trata de una mujer que llega a nosotros, cuando ya está en la tercera década de su vida, tímida y llena de complejos, con tratamiento psiquiátrico y marcada por una madre castradora, que la mantiene con ella impidiéndole salir de su hoyo existencial.  Es entonces que conoce a Bill Hodges, quien le simpatiza tanto por la propia personalidad entrañable de este, como porque desde un principio la trata sin condescendencias y ve en ella a la persona inteligente que es (la verdad, mucho más que el común de la gente), motivándola a tener una actitud más independiente.  En transcurso de Mr. Mercedes, Holly comenzará a dejar poco a poco sus miedos y terminará por ser quién solita derrote al villano. A partir de entonces, se vuelve por fin alguien autónoma y hace sus primeros amigos; demostrándonos ser un gran ejemplo de resiliencia, hasta llegar a la narración que hoy nos atañe y la tiene como protagonista.
      Un espantoso atentado se comete en una escuela y mueren muchos niños y adultos, así como otros quedan heridos y mutilados.   Holly por casualidades de la vida ve las noticias al respecto y con su mirada detallista, se fija en algo del reportero que cubre el hecho, que la lleva a darse cuenta de que tal hombre no es lo que aparenta.  Es así que comienza a investigar por su cuenta, hasta conocer a un anciano ex policía, que durante décadas ha seguido las huellas de la criatura que es en realidad el nuevo objeto de la atención de Holly (excelente inclusión dentro del argumento, que este resulta ser bastante atractivo a los ojos de los lectores). 
    En el libro intervienen bastante otros dos personajes de la trilogía de Bill Hodges: Los hermanos Robinson.  Es así que Jeremy y Barbara también tendrán su cuota de heroísmo en la historia, aparte de darnos bellos ejemplos de hermandad (entre ellos) y de amistad (con Holly), donde destacan la confianza e incondicionalidad en ambos tipos de afectos.
     Destacable, también, resulta cómo se aborda la difícil relación entre Holly y su madre, no solo un impactante y realista ejemplo de estas relaciones.  Holly nos da la pauta para enfrentar algo así, más teniendo en cuenta todo lo que ha tenido que pasar para convertirse en la tremenda mujer que es ahora.  Su capacidad para amar y perdonar, sumado al patetismo de su madre, que sin ser una mujer malvada tanto la ha dañado, nos permiten apreciar el lado más humano del Tío Steve.  A ello se le suma la presencia del tío de Holly, hermano de su madre, un hombre mayor con Alzheimer, que no deja de llegarnos al corazón y sin elementos sobrenaturales nos hace ver lo frágil que es la vida y que por esa misma razón debemos agradecer a quienes tenemos con nosotros y disfrutar de su compañía (los últimos párrafos del texto resultan sublimes para entender todo esto).



      Otro detalle: Esta joyita está dentro del Multiverso kingniano y comparte más de un elemento con ello.  Es asi que en determinado momento, se menciona el caso del Aviador Nocturno, violenta novela corta de King, que en esta realidad es un hecho noticioso; de igual manera, se nombra al periódico sensacionalista Inside View, tan importante dentro de la historia de dicha obra.  Luego tenemos la naturaleza de la criatura, a la que se enfrentan esta vez nuestra heroína y sus compañeros, un ente que tiene mucho del mencionado Visitante, de Pennywise y del monstruo de la novelette El Policía de la Biblioteca.  Stephen King sabe crear grandes villanos, humanos o no, y este en sus pocas, aunque potentes apariciones, merece nuestros respetos.
     Por otro lado, hay detrás de la figura del periodista que tiene entre ceja y ceja a Holly, una clara crítica al morbo que promueven los medios de comunicación; el seguimiento tan detallado de los hechos noticiosos más violentos, que hacen ganar tanto dinero a las empresas dedicados a ello, debido justamente al interés exacerbado del público de saber más y más de lo que pasa e incluso inundándose de puras malas noticias, es un fenómeno que lo vemos incluso hoy en día con la cobertura sobre la actual pandemia.  En efecto hay un mercado de la desgracia, en el cual los medios y la gente común han llegado a tener una enfermiza simbiosis en torno al horror real.
      Otros elementos caros a la narrativa kingniana que podemos apreciar acá: Uno de ellos viene a ser el de las confrontaciones verbales, físicas o la mezcla de ambas entre los agentes del bien y del mal.  Y es que al Tío Steve les quedan estupendas, puestos que sus diálogos son muy entretenidos, siendo muchas veces estos momentos algunas de las mejores partes de sus narraciones.  Cada vez que Holly se haya frente a su nuevo enemigo, la primera de ellas no de manera presencial, es un placer seguir el hilo de la conversación y ver cómo reaccionan/piensan los rivales (bueno, en esta ocasión nunca nos metemos dentro de la cabeza del villano, a diferencia de otros títulos del escritor, lo que es habitual en él) y es gratificante apreciar cómo se van desarrollando estas batallas, que definirán el curso final de todo.
     Luego no pueden faltar la presencia del humor, que si bien acá solo se aprecia de manera fuerte una vez, aun así a este servidor lo hizo reír a carcajadas; lo mismo sucede con el elemento religioso, que no deja de formar parte de los intereses de King.  Respecto a esto último, Holly es profundamente creyente en Dios y todos los días reza (otra característica suya que adoro).  Es muy inteligente y puede pensar de manera muy racional, consiguiendo llegar a la médula del asunto con rapidez, cuando otros más "normales" que ella no pueden conseguirlo; pero es justamente su visión del mundo que acepta la existencia de Dios, lo que la hace tener una mente más abierta a la presencia del mundo sobrenatural (una clara ventaja) y que la pone sobre los cientificistas y demases cerebrines positivistas.
     A diferencia de Fin de Guardia y El Visitante, en las que interviene nuestra querida heroína, como de otras historias de King, lo fantástico no es tan fuerte o más bien se muestra solo dos veces; sin embargo, el autor ha logrado dosificar tan bien sus ingredientes, que nos ha entregado un verdadero manjar.  Ojalá veamos adaptada pronto esta historia al cine o la televisión, como una cuarta temporada de Mr. Mercedes (¡Que me encantaría!) o la segunda de El Visitante (siempre y cuando otra empresa compre el show, luego de que HBO decidió cancelarlo, pese a su éxito).
     Pero lo más importante de todo, espero y esperamos más aventuras de Holly a futuro... ¡Y viva el Rey!

sábado, 10 de abril de 2021

Otra partida de aperitivos.


Tras el éxito de la primera temporada de Star Trek: Discovery, sus responsables decidieron regalarnos nada menos que 4 cortometrajes ambientados en ese universo, 3 de ellos teniendo de protagonistas a sus personajes y uno transcurriendo nada menos que en el futuro de esa visión futurista que partió en los sesenta gracias a Gene Rodenberry. 
      Bajo el nombre de Star Trek: Short Treks, fueron estrenados en 2018 antes de la emisión de la segunda temporada de Discovery.  Luego, ya confirmada un tercer año de este programa y la creación de 3 nuevos programas trekkies, se dio paso a producir 6 cortos más, los que fueron exhibidos entre diciembre de 2019 y enero de 2020.
     Cabe mencionar que esta vez intentaron innovar más, al producir dos en formato animado (GGI, que parece a los gringos ya no les gusta el tipo tradicional, salvo para ciertos cartoons televisivos... Algo que bien deberían aprenderle a los japoneses) y solo uno de ellos tiene relación directa con Discovery; mientras que 3 (los mejores...salvo el último) son todo un anticipo a lo que se nos viene con Star Trek: Strange New Worlds, el spin-off dedicado al Capitán Pike y al joven Spock, que realmente promete mucho. En cuanto al mentado corto final, es un magnífico anticipo de los eventos que veremos en Star Trek: Picard en su ya vista (y gozada) primera temporada.

 
1. Preguntas y Respuestas: El cadete Spock (ahora sin su tupida barba que lo hacía verse tan salvaje y varonil) llega al Enterprise para realizar sus servicios.  Allí es recibido por la estupenda Número Uno (Rebecca Romjin Stamos... ¡La adoro!). Es entonces que ambos quedan atrapados en un ascensor y ambos que apenas se conocen, deben lidiar con el aburrimiento.   Muy divertido, fue una estupenda manera de comenzar con estos cortos y dejarnos ganosos de las aventuras dedicadas a Pike y compañeros.  Por cierto, el guión corre a cargo de Michael Chabon, destacado escritor que está detrás de Picard.

2. El Problema con Edward: Aún mucho más divertido que el anterior y lleno de humor, nos revela uno de los grandes misterios del universo trekker: el origen de la plaga de los tribbles.  Todo sucede cuando una simpática oficial, amiga de Cristopher Pike (que aquí por fin volvemos a ver al estupendo capitán) es ascendida a cargo de una nave; allí un acomplejado científico, cree encontrar la respuesta a la hambruna que ocurre en un planeta que deben socorrer.  En determinado punto, los momentos más graciosos llegan a ser catastróficos y en verdad da gusto cómo todo está llevado a cabo.


3. No preguntes: El Enterprise está dotándose de su tripulación y entre sus integrantes viene una joven cadete, quien en su primer día en la Nave Insignia de la Federación se encuentra con una prueba muy difícil... ¡Un motín y más encima debe cuidar a un reheo muy especial! Una gran sorpresa para el final y un nuevo personaje que ojalá veamos entre los protagonistas de Star Trek: Strange New Worlds.

 
4. La Chica que hizo las Estrellas: A mi humilde parecer el corto "malo" de esta tanda, pues peca de cursi y parece cualquier cosa, menos algo de la continuidad trekker. Consiste este en el primero del par de cortos animados mencionados más arriba y que nos retrata algo así como una historia infantil tradicional africana, que le cuenta a una pequeña Michael su padre, antes de que el destino los separe y esta sea adoptada por vulcanos.  El típico relato de autosuperación (o de seguir nuestros sueños) que tiene al menos una moraleja, se hizo demasiado estereotipado para su servidor.



5. Efrain y Punto. Con una estética diferente en su animación, resulta toda una curiosidad tanto por la trama que muestra (donde casi no hay diálogos), como por el hecho de que sus protagonistas fueron creados en exclusiva para esta pieza: una tardígrado (ese animal gigantesco que conocimos en la primera temporada de Discovery) y uno de esos robotitos de mantención que serán incorporados tan bien en la tercera temporada de la señalada serie.  A esto se le suma la inclusión de al menos un par de momentos icónicos en la cronología trekker. Por cierto, el guión fue escrito por Michael Guiachino, destacado compositor y en lo que tal vez sea su primera incursión en este arte (cabe mencionar que Guiachino hizo la banda sonora de las pelis de Star Trek de Abrams).

 
6. Niños de Marte: A mi humilde parecer, si es que no el mejor corto de esta segunda temporada, sí lejos el más hermoso y emotivo. Dos niñas, una humana y la otra alienígena, estudian en el mismo instituto y tienen a sus padres trabajando en los astilleros de Marte; pero no son amigas... Por muy divertidos que vienen a ser los 3 primeros cortos, este es el único que conserva el lado más trascendente de Star Trek y que consiste en la idea de que no importa cuán diferentes seamos, en el fondo somos iguales, porque compartimos la capacidad de amar y por ello podemos dejar de lado las divergencias en pro de una vida mejor juntos.

domingo, 4 de abril de 2021

Cuatro nuevas oportunidades para amar al Tío Steve (I)


     Quienes disfrutamos desde hace rato con la literatura de Stephen King y hemos crecido con sus libros y las adaptaciones que se han hecho de sus ficciones, sabemos que no escribe solo para ganar dinero (hasta mi mamá sabe que se ha hecho millonario con su trabajo y ella no lee, como bien lo hace su retoño que ya adolescente le pidió de regalo libros de su escritor favorito), sino que en verdad disfruta del arte de contarnos historias... ¿Y cómo podemos afirmar esto? Pues porque sagradamente todos los días se dedica a redactar varias horas al día y solo dos al año no lo hace (creo que el 5 de julio y en Navidad ¿No?), pero además porque a diferencia de un montón de sus colegas y entre ellos muchos de los que son bestsellers, no solo saca gruesos volúmenes, sino que le gusta incursionar en los formatos del cuento y la novela corta; se supone que tales "géneros" no son rentables, al menos para los gringos, sin embargo a él no le importa, pues ya tiene toda la plata que quiere y de ese modo puede contribuir feliz de la vida a cuanta antología hay e incluso ser publicado en revistas tan importantes como el New Yorker.  De paso, cada cierto tiempo saca una nueva colección de cuentos, muchos de ellos rescatados de esas ediciones varias en las que participa y, de igual manera, en otras ocasiones publica colecciones de novelas cortas y que por lo general son 4 en total por recopilación.
      If it Bleeds viene a ser su quinto libro correspondiente a las novelas cortas y apareció tan solo el año pasado.  Publicado en español bajo el nombre de La Sangre Manda (una traducción casi exacta a Si Sangra, que es lo que realmente significa su título original) corresponde al libro que en el presente estoy gozando y que a partir de ahora empezaré a comentarles.   Es mi intención dedicarle al menos una entrada más a este tomo, que a medida que me vaya terminado cada una de sus narraciones, escribiré al respecto para mantener frescos mis recuerdos e ideas, que en todo caso no sé qué tan extensas me saldrán estas revisiones personales.
    Démosle no más.
 
1. El teléfono del señor Harrigan.
 
    Un muchachito de unos 9 años conoce a un acaudalado anciano cercano a los ochenta, quien le paga por leerle y hacerle uno que otro trabajo en su mansión.  Esta intimista obra con la que parte la más reciente colección de novelas cortas del Tío Steve, abarca los recuerdos del narrador-protagonista, alguien que desde sus primeros años de adultez y ya profesional, rememora el valor que tuvo para él esa fraternidad tan especial, entre dos personas tan distintas, pero que se encontraron entre sí por esas casualidades de la vida (o tal vez porque debía ser así) y cómo cada uno marcó la existencia del otro.
    Hay un elemento sobrenatural detrás de esta historia, incluso terrorífico, no obstante todo esto se encuentra en segundo plano y no solo por carecer del carácter más gráfico de muchas narraciones kingnianas, sino porque lo esencial del relato radica en el valor que le otorga a las relaciones interpersonales: al poder de la amistad y en general al significado del amor entre nosotros.
     Como en muchos títulos de nuestro autor, es la amistad la que termina por salvar, incluso de manera literal a los protagonistas; en este caso, ese socorro fraterno va incluso más allá de lo que podemos llegar a apreciar el común de los mortales y aun así los detalles con los que marca su texto King al respecto, nos pueden tocar de manera profunda, puesto que más de uno de sus lectores alguna vez vio en un adulto que no fuera de su sangre, a alguien en quien confiar y a un verdadero par o a quien admirar.
    De igual manera, gratificante resulta ser cómo esta pieza aborda el amor paterno-filial entre un niño y su padre, retratando de manera tan humana algo que es tan antiguo y que, sin embargo, hoy vemos de manera más frecuente que antes: las familias monoparentales. 
    El Tío Steve como el gran artista que es, no deja de representar la vida tal como es, lo que queda bien demostrado por lo afirmado arriba y ello sin que lo fantástico, maravilloso y extrapolativo le quite peso estético a su trabajo.  Por lo tanto, esta novelita trata acerca del crecimiento personal, de la madurez, aunque también de lo maravilloso que es ver el mundo con los ojos que tenemos al ser niños; por esto y por más razones que se me pueden escapar, no podía dejar todo solo en momentos felices y de ese modo esta novelette trata por igual los temas de la muerte y el dolor que ello conlleva, si bien esto por igual significa un aporte más para nuestro desarrollo personal.
    La literatura en sí misma o, mejor dicho, el amor a las historias clásicas y a sus autores (sin dejar de lado a los contemporáneos), a su vez no deja de estar presente en los escritos de nuestro escritor; de este modo El teléfono del señor Harrigan, no está exento de tales cultos y amorosos detalles e invitándonos, como en ocasiones anteriores, a incursionar en dichas obras (y en verdad que S.K. sabe cómo entusiasmarnos al respecto).
    A todo esto, la trama transcurre en las inmediaciones de Castle Rock, que como sabrán los seguidores acérrimos de nuestro escritor favorito, se trata de una ciudad ficticia muy importante en su bibliografía y en ese sentido da gusto que no se haya olvidado de ella, pese a que durante hartos años no la volvió a revisitar e invitarnos a sus mágicas calles.
    Por último, plausible resulta ser cómo King se actualiza y hace que sus nuevas creaciones reflejen la actualidad. Es así que en el caso concreto de este título y de ahí su nombre, se nos hace un interesante recorrido por el mundo de los celulares (como llamamos en Chile a los teléfonos móviles) y las aplicaciones que estos usan; datos que no son gratuitos, puesto que gracias a ello es que el autor introduce esa marca suya que tan bien lo identifica: los objetos cotidianos que se vuelven una puerta para que lo extraordinario, maravilloso o aterrador toque/invada lo que entendemos como nuestra realidad, aparentemente tan segura y equilibrada.  Y respecto a todo esto, sin dudas que a sus "Lectores Constantes", que lo leemos desde el milenio anterior (o sea, que mínimo tenemos unos treinta años, lo que no es mi caso, claro), nos llamará la atención cuando el narrador se refiera a "Principios de siglo", lo que no corresponde al XX como el resto de sus obras, sino que a este siglo XXI que ya ha pasado a su tercera década; pues esto es valioso dentro del relato, porque su protagonista es un hijo de este tiempo y ello bien lo sabe caracterizar King, quien como muchos de nosotros ha sabido hacer parte de sí estas tecnologías, que no hace mucho solo serían propias de la ciencia ficción.

Portada alemana.

 
2. La Vida de Chuck.
 
    Stephen King tiene historias raras (como Bicicleta Estática, entre las que puedo recordar por ahora), inclasificables en algunos casos, que pueden ser del gusto de uno o no debido a su naturaleza extraña y entre ellas hayamos esta...Pero se trata, en todo caso, de una obra hermosa y que si bien no va a estar considerada entre lo mejor de su autor, al menos si resulta ser un interesante ejercicio narrativo, que demuestra tanto la maestría de este para jugar con las técnicas literarias, como para ser creativo y otorgarle a sus relatos una honda emotividad.
     Dividida en tres partes, cada una con su respectivo título, tal como dice su nombre aborda la vida de su protagonista, Chuck; sin embargo, lo hace de atrás para adelante y solo en los últimos párrafos de su primer apartado aparece el personaje, que antes de ello el argumento viene a ser algo muy distinto (en apariencia) a lo que vamos a encontrar más adelante.
     Primero asistimos a lo que se ve como una historia más del Tío Steve sobre el fin del mundo, la que este cuenta de una manera muy atrapante y que no deja de hacernos sentirlo como algo cercano a lo que ahora mismo estamos viviendo.  King nos transporta una vez más a la vida de un ciudadano común y corriente, pero en esta ocasión lo aterrador de lo que parece ser el fin de los tiempos, aparece como algo que ya está pasando desde hace un tiempo atrás y el protagonista (que no es Chuck, si no que otro) se ha adaptado como el resto de quienes lo rodean a sobrevivir a dicha catástrofe o, tal vez, a aceptarla; en este sentido, plausible resulta ser cómo S.K. logra darle a su narración un carácter tan natural a algo que claramente no lo es (la vida sigue su curso y la gente sigue, pese a todo, en lo suyo).  Y entre medio de todo esto, unos surrealistas avisos publicitarios que empiezan a invadir todo, provocan la incertidumbre de la gente y entre ellos los lectores, que no tenemos idea de a dónde irá a parar todo esto.
    Luego Chuck ya es el verdadero protagonista de la historia o quizás deberíamos decir el coprotagonista, junto a una muchachita que ha sido abandonada por su novio y un músico callejero.  Es aquí que el escritor nos concede un primer bello momento en la vida de Chuck, cuando este dejando de lado el tedio del típico gringo adulto oficinista, se da el tiempo para una "locura" de esas que hacen de nuestra existencia algo lleno de recuerdos preciosos.
     En el tercer acto conocemos a Chuck de niño y adolescente (tal como pasó con el protagonista de la novela corta anterior) para asistir a otros momentos valiosos, que ahora tienen que ver con su proceso de maduración y donde pese a la pérdida de los seres queridos, no falta la oportunidad para ser feliz y pleno.
    Ligado bastante a El teléfono del señor Harrigan, esta obra nos vuelve a hablar acerca del valor que tienen en nuestras vidas aquellas personas que han pasado a nuestro lado y de lo que significan las relaciones que llegamos a tener con ellas.  Pero, además, es un texto que habla sobre el significado de lo que hacemos y del lugar que todo ello tiene en nuestra memoria y corazón; luego su conjunto nos hace ser quiénes somos, como bien sucede con el Chuck de esta obra.
    Un precioso dicho se repite en esta novelette, el cual ya fue usado en su predecesora:
 
Cuando muere alguien, una biblioteca se incendia” (o algo así, je).
 
      Estas sabias palabras cobran más sentido ahora y a ello se le suma el significado de un verso de Walt Whittman que aquí aparece y que el Tío Steve no deja de explicarnos (si bien prefiero no repetir acá su interpretación):
 
                                                  “Soy inmenso, contengo multitudes”.
 
     Por último, los niños de King no dejan de sobrecogernos y tan maravillosos en su realismo, pese a que les haga pasar tantos hechos extraordinarios.  Se sienten cercanos, nos recuerdan a nosotros cuando teníamos esos años y es que no son los genios superdotados de Orson Scott Card y eso es lo mejor de todo.  Pueden ser más inteligentes que la mayoría, aunque no en plan genios, sino que sus acciones y razonamientos responden a lo que vemos en los pequeños que conocemos o en lo que recordamos de nosotros mismos de aquellos dorados años.
 
Su servidor feliz como una lombriz con el este libro de su autor favorito.

viernes, 2 de abril de 2021

Entrevista a Gabriel Huamán


 
    Con esta entrevista que esperé tan ansiosamente tener en mis manos y compartir con ustedes por medio de mi humilde blog, tal como ya pasó con las de los sensei Roberto Alfaro y Luis Saavedra, comienzo feliz este cuarto mes del presente año.  Es así que hoy les presento a este otro maestro al que tuve el gusto de conocer ille tempore ya y al que muchos en Chilito les debimos junto a sus compañeros ya mencionados y demases, que se abriesen espacios nacionales para aquellos temas, personajes y autores que tanto amamos los frikis de corazón.  Espero se diviertan y aprendan tanto con estas palabras, tal como lo he hecho yo al leer con gusto la entrevista a este genio del maquetismo.
 
1. Preséntate en 10 líneas.
 
      Soy un ariqueño que desde los 10 años dejé mi tierra natal y crecí en la zona central (viajando entre Valparaíso y Santiago). Hoy estoy   felizmente casado con mi compañera y amiga Lorena y soy padre de 2 hermosas hijas.   Junto con mi señora somos los socios fundadores de una empresa familiar llamada CREAFIXION.
     Desde pequeño, en mi ciudad natal, veía series como UltramanTarzánEl Llanero Solitario y Batman,  entre otras. Ya en Valparaíso pude disfrutar de series como Viaje al Fondo del Mar, Tierra de Gigantes, Perdidos en el Espacio y Star Trek. Luego con el paso de los años, cuando viví en Santiago, pude ver las series de tv inglesas como Space 1999, UFO y Los Thunderbirds, las que me atrajeron mucho por su estética, maquetas y modelos más que por su historia. A ellas les debo este gusto por las maquetas y los efectos especiales, sin dejar de lado el film que fue el gran detonante para tantos y para mí: me refiero a Star Wars y las series de los 80 y 90 como Sankuokai entre tantas otras.
 
 
2. ¿Cómo llegaste al tema del maquetismo?
 
      Desde muy pequeño presente habilidades manuales y el gusto por construir cosas con madera, cartón y otras cosas. Recuerdo que cuando niño hice un avión con una botella de perfume de mi madre.
     Después, ramos escolares como Técnicas Manuales, que hoy en día vendría a ser algo así como Tecnología, me eran muy fáciles y de mi agrado. Estas cualidades e intereses llevaron a construirme mis propios juguetes y naves espaciales algo más elaborados y detallados, pues la mayoría no llegaban a Chile o eran de muy difícil acceso y costosos. Recuerdo la ocasión en que en este ramo que menciono (Técnicas Manuales) nos dieron un trabajo que fue “tema Libre” y aproveché esa instancia para hacer un modelo de casi un metro de largo, una nave hibrida inspirada en el la nave Thunderbird 2 y el Águila de Space 1999; en su interior llevaba un snowspeeders de Star Wars, que también manufacturé  a partir de fotografías de una revista oficial de la película El Imperio Contrataca. Las Revistas y fotocopias eran documentos valiosísimos en aquella época.      
 
3. ¿Cuáles son tus maestros e influencias?
 
     Extranjeros son el inglés Martin Bower, John Douglass  y el equipo de maquetas de ILM.
     A nivel nacional Don Hugo Valdenegro, el primer constructor de modelos que tuvo el Planetario Usach. Ver sus modelos a través de las vitrinas del hall del Planetario y descubrir cómo estaban hechas fue de total inspiración e influencia para los años venideros.
     Y si hablamos de los FX de maquillajes y caracterización de personajes Rick Baker, Stan Winston y muchos otros talentos.
 
4. Si te dieran a escoger alguna producción mítica de cine o televisión y en la cual podrías haber trabajado… ¿Cuál sería y por qué?
 
    Robot Jox dirigida por Stuart Gordon. Este film es el abuelo de Transformers y Pacific Rym. Soy un apasionado por los robots, los Mechas, androides, etc, y en esta película los hay. Son modelos tridimensionales y volumétricos hechos a mano. La mayoría de las secuencias donde aparecen estos robots en la película Robot Jox se realizaron con modelos y maquetas de gran tamaño y otros mas pequeños para hacer la animación Stop Motion con ellos.
 




                                                Preciosos recuerdos compartidos por Gabriel.

5. Cuéntanos acerca de tu participación en el origen de Ficcionautas Asociados.
 
     ¡¡¡Fueron años estupendos!!!.... Era los inicios la década de los 80.  Por aquellos días teníamos muy poca información sobre cultura pop en el área de la ciencia ficción internacional. 
       A nivel regional predominaba mayormente la literatura de este género y algo de comic, no obstante un grupo literario ciencia ficción llamado SOCHIF (Sociedad Chilena de Fantasía y Ciencia Ficción) acunó a los jóvenes interesados en este tema y que llegaron hasta esta agrupación gracias a los dos Encuentros de Ciencia Ficción y Fantasía que realizaron por aquellas fechas.
     Poco a poco y con el pasar de los años, nos dimos cuenta que no estábamos solos y que éramos una inmensa minoría.
      No se hizo esperar mucho y mostrarse la brecha generacional. las distintas inquietudes por el género de la ciencia ficción comenzaron a aflorar entre sus miembros y a manifestarse en distintas ramas artísticas como el anime, manga, cine, comic, ilustración, maquetas y modelos, etc.  Es así que estos jóvenes, entre los que me incluyo,  no comenzamos a encajar en los formatos de los antiguos fundadores de la Sochif, generándose un anexo, un apéndice diría yo: Ese fue el Grupo Chileno Juvenil de Fantasía y Ciencia Ficción, cuya sigla era muy extraña (Gruchijufacifi), jejeje...
     Generamos unos cuantos fanzines y el área de comic e ilustración encabezado por Roberto Alfaro y Fyto Mang.  Los del área comic desarrollaron algo así como una mini editorial y concretaron un proyecto: la revista Oxigeno; esta iba a ser creada bajo la organización de "Ficcionautas Asociados", quienes éramos los mismos de Gruchijufacifi y es que Ficcionautas Asociados sonaba mejor…Estos “viajeros de la ficción.”
     Para el lanzamiento de la revista Oxigeno realizamos unas muestras plásticas y artísticas, además de unas charlas. Esto permitió juntarnos con otros amantes del género. Dichos encuentros  y reuniones terminaron siendo los míticos Encuentros de Ciencia Ficción y Fantasía realizados en los Centros Culturales Santa Isabel y Padre Mariano, en la comuna de Providencia y que finalmente fueron realizados en un espacio más amplio,  el Centro Cultural de España, todo esto organizados por 6 miembros de Ficcionautas Asociados.
     Llegamos a realizar un Encuentro cada año, en el cual presentábamos ciclos de películas, charlas de todo tipo del género: cinematografía, literatura, música de films. Habían salones con artes y muestras 2d de páginas de comic, ilustraciones de Waldo Retamales, entre otros y por supuesto el área volumétrica que incluirán maquetas, modelos y esculturas de ciencia ficción y fantasía. Esa era el área de la cual tenía que responsabilizarme y estar a cargo.
 
      Así es como me llegué y se formó Ficcionautas Asociados, siendo cada uno de sus integrantes responsables de las distintas áreas:
 
* René Weber área de cinematografía, literatura y director del grupo
* Roberto Alfaro área de cómic e ilustraciones
* Marcos Borkosky (Fyto Manga) área de animes y mangas
* Juan Carlos Cabrera área de Star Wars
* Luis Saavedra área literatura
* Y Gabriel Huamán área maquetas, modelos y esculturas.
 
    En este viaje estuvimos acompañado por varios amigos, amigas artistas y fans de la CF; cada año ellos nos colaboraban para descubrir a nuevos talentos y creadores que estuviesen a la altura de ser presentados en los Encuentros de Ciencia Ficción y Fantasía de Ficcionautas Asociados.
 
    Cada año el Encuentro era esperado con ansias por el fandom, pero todo llegó a un punto final donde el cansancio, el desgaste,  los intereses y atenciones propias de la edad terminaron por agotarnos, dando de este modo al paso a la creación las nuevas agrupaciones, clubes y fans de cada género en particular: Grupos de juegos de rol, grupos de Star Wars, Star Trek, entre otros muchos más.

Hace mucho, mucho tiempo en una galaxia no muy lejana...

 
6. ¿Cómo funcionaba tu taller en el parque O´Higgins? ¿Y qué bellos recuerdos nos puedes compartir al respecto?
 
    Accedí a una invitación de Roberto Alfaro a realizar talleres allí. Roberto estaba generando actividades culturales y de difusión en ese lugar.
    Mis talleres funcionaban los días sábados y domingos en un horario variable y acomodado al interés del alumno; pero el ambiente que se generaba allí era tan agradable, que hacía que se quedaran más allá de la hora o llegaran más temprano, je,je.
 
    En cuanto a su estructura, teníamos un programa semestral y metas que cumplir clase a clase. Los trabajos terminados se presentaban en algún encuentro temático al que éramos invitados.
 
    Recuerdo que con los chicos del taller nos invitaban a las premiere de algunas películas y más de algún trasnoche se llevo alguien para poder terminar ya sea su traje, casco o maqueta para poder llegar al día del estreno, en especial las películas de Star Wars.
 
7. Háblanos sobre tu participación en el programa televisivo de Bakania.
 
     Llegué a Bakania gracias Fyto Manga.(Marco Borkoski)  Él ya llevaba una temporada con ellos y me invitó para ser parte de los contenidos de la segunda temporada y presentar el tema “efectos especiales”.
     El programa iba todos los días y nuestra participación era una vez por semana. Teníamos que preparar elementos y contenidos de cada sección, los que nos tomaba un buen tiempo y desgaste en hacerlos. Para ello armamos un equipo de trabajo, donde participaron Yamila Huerta, Angel Jara y Adrián Rabello, más los alumnos del taller que nos colaboraban al momento de realizar los efectos prácticos en el estudio.
     Allí hablábamos de la construcción de los props, efectos de maquillajes, historia, etc, etc.
     Recuerdo dos ocasiones muy buenas:
     En una oportunidad hablamos de maquillajes y caracterizaciones. Llevamos ese día a un alumno del taller vestido como momia.  Era delgado y alto, con vendas envejecidas y zonas del cuerpo carcomidas.  Le pedimos a Gonzalo Muñoz-Lerner, el conductor del programa, que metiera su mano en un agujero que tenía el personaje por un costado.  Asombroso fue ver la cara de Gonzalo y las arcadas espontaneas que le generó al retirar en su mano un montón de gusanos reales moviéndose (usamos tebos para pescar).  Por supuesto, no le avisamos nada antes a Gonzalo, sino perderíamos las reacciones espontáneas y la sorpresa.
     La otra fue cuando el set de estudio se llenó, repleto de borde a borde,  de maquetas de naves y estaciones espaciales. Habíamos lanzado al aire, la semana anterior, un concurso sobra naves y modelos de ciencia ficción. Para aquella oportunidad enseñamos la técnica SCRATCHBUILD e invitamos a los telespectadores a realizar sus propios modelos. Nunca imaginamos la cantidad de obras que llegaron para el concurso, Nos tomo cerca de 4 horas hacer la selección de los finalistas.


8. ¿Cómo es la elaboración de una maqueta y/o diorama?
 
     Una maqueta es un modelo o ficticio a escala de un objeto que tiene otro tamaño y materialidad. Un diorama es una representación tridimensional de un suceso, en ella está la maqueta junto a los otros accesorios y decorados que nos presenta una narrativa visual de un suceso
     Para ambos casos existe un proceso creativo con sus etapas bien establecidas. Primero la claridad de las ideas a realizar y la recopilación de información, todo lo necesario para poder visualizar o esclarecer la idea o el modelo que vas a realizar. Luego tienes que definir los tamaños, el uso que le vas a dar: Por ejemplo, si es una maqueta de una nave espacial, definir si esta va a estar colgada o sobre un soporte pedestal, detrás de una vitrina o al contacto directo del público, etc., etc. Posteriormente viene la selección de materiales que vas a utilizar para su construcción. Siguiente la construcción misma del modelo, que concluye con el trabajo de arte y pintado. El prestar atención a los detalles hace que tu trabajo tenga un realce y aceptación.
     Como último punto e importante para algunos es el almacenamiento, digamos el embalaje de tu obra para que perdure en el tiempo y resista los trajines que conlleva presentar una maqueta en una exposición y que requiere una buena caja de trasporte.
 
9. ¿Cómo es la elaboración de máscaras?
 
     Al igual que el caso anterior, se inicia por tener la claridad de lo que vas a elaborar. Analizar su forma y visualizar su posible matizado, es decir, si va a ser de una sola pieza o varias.
 
     Luego gracias a las fotografías, dibujos o bocetos comienza el modelado en arcilla, plastilina, plastecera u otro material maleable que permite dar forma con las manos aplicando y quitando materia a la forma que estamos trabajando.
     Cuando ya hayan pasado muchas horas de trabajo y esté finiquitado el modelo, después de realizar las correcciones y cambios, viene el matrizado. Para eso hay distintos tipos de materiales en lo que concierne a su elaboración y eso va a depender de tener muy claro la funcionalidad, o sea, si será algo estático y formará parte de una estatua o si es para ser colocado y utilizado por un actor que dará vida al personaje.  Para eso usamos caucho de siliconas, yeso extra duro, goma látex, etc., etc.
      Para terminar con la aplicación de arte y pintura, lo que finalmente le da vida a la máscara
 
10. ¿Por qué tanto amor por Star Wars?
 
    Más que amor, creo que es un reconocimiento por ser la producción audiovisual que asombró a más de una generación completa y detonó una admiración por el género. Más que amor es felicitar, disfrutar y aprender de todo el desarrollo técnico y artístico empleados en esa producción, atendiendo desde los detalles visuales generales, hasta los más mínimos como las maquetas y los modelos. Todo aquello que la tecnología en esa época podía brindarles. Reconocer que comienza a motivar el estudio por el Diseño Industrial, el Cine, la Ingeniería en Sonido, etc., etc., carreras relacionadas a la producción cinematográfica.
    Star Wars nos presenta de una manera magistral un género que ya venía algo de capa caída, colocando a la Space Opera en un sitial de nuestra cultura Pop hasta hoy en día.
 
11. ¿Crees que en Chile puede haber mercado para lo que haces? (expláyate)
 
     Claro que sí, aunque este un mercado es selecto y aparentemente reducido si se compara con un rubro standart.  Una prueba de que existe un mercado nacional es la existencia de nuestra empresa Creafixion, lo que ella es hoy en día. Como muestra tenemos un listado de trabajos elaborados para distintas empresas de eventos y retáis. Siempre entregando sus servicios en el área de educación, así como en el campo de la entretención, siendo el área publicitaria y promocional la más fuerte en solicitarnos. Internamente hemos podido dar oportunidades de aprendizaje y trabajo para varios artistas y talentos jóvenes. Eso es algo que no llena de dicha.  Como país aún somos jóvenes, si nos comparamos con Norteamérica o Europa, pero es cosa de tiempo y madurez de idiosincrasia, una madurez de ética e identidad. Por otro lado, a nivel regional veo muchos emprendimientos de servicios totalmente personales, condicionales, cargadas de egos y vanagloria.
 
12. ¿Qué tal está la industria internacional hoy en día respecto a tu disciplina?
 
      Esta siempre en constante evolución, tanto en técnicas, herramientas, como en materiales, situaciones que gracias a un sistema de mercado global podemos acceder en un corto tiempo; de este modo, podemos aprender de lo que está a la vanguardia de materiales nuevos y tecnologías de vanguardia. Económicamente mientras haya cine y publicidad siempre habrá pan para comer, je, je, je.
 
 
13. ¿Los efectos digitales se “comieron” a los de carácter físico?
 
     No lo creo. Aún el ojo humano es capaz de reconocer la diferencia de algo elaborado en CGI de algo construido materialmente. Personalmente creo que son otro tipo de herramienta y como tal es el complemento a otras herramientas y sistemas. Si haces un excesivo uso o abuso solamente de una de ellas, puede llegar a fallar y dar malos resultados. Este recurso hay que saber ocuparlo y ocuparlo de manera adecuada, justa y precisa.
 
14. Cuáles son tus consejos para quienes desean incursionar en lo que haces?
 
     Mucha paciencia, perseverancia y humildad. Aprender de nuestros errores y reconocer las críticas con altura de miras, eso nos ayudará a ser mejores en nuestro oficio.  Una cosa que siempre explico a nuestros alumnos es: Nuestros trabajos, nuestro oficio, son los que deben hablar por nosotros y no nosotros los que debemos explicarlos o justificarlos.
 
14. ¿Es posible apreciar tu trabajo y/o aprender de tu experiencia?
 
     Si, claro, en las redes sociales tenemos publicaciones como en Instagram: @creafixion, Facebook: Creafixion y también por Facebook a Gabriel Huaman Maquetas y Modelos. Prontamente estaremos presentando nuevas redes y plataformas donde podrán ver nuestras realizaciones, talleres, eventos, streaming etc.

 

Educando a las nuevas generaciones y a futuros especialistas.

 

martes, 30 de marzo de 2021

¡Gracias, San Zack Snyder, por favor concedido!


 
    Millones de fanáticos deceistas esperamos con ganas el estreno del filme live action de la Liga de la Justicia, más sabiendo que su responsable era nada menos que Zack Snyder, el mismo artífice del inicio del llamado DCU (Universo Extendido DC Cinematográfico) con El Hombre de Acero y Batman versus Superman.  Las expectativas eran altas, pero el sueño de millones se derrumbó apenas se pudo ver el resultado de años de espera (en la práctica, desde la infancia de muchos que crecimos con estos cómics y sus personajes), puesto que el producto final dejó mucho que desear.
    Estrenada en 2017, la cinta tuvo varios problemas para ser terminada y entre ellos debido a que el cineasta abandonó el proyecto antes de realizar la postproducción y el montaje final, puesto que su hija Autumn se suicidó y como era de esperar no estaba en condiciones de dedicarse a dichas labores.  Fue así que se contrató a un artista incluso mucho más virtuoso que el propio Snyder: Josh Whedon. 
    Whedon, escritor/guionista, productor y director dio el salto a la fama cuando en los noventa tomó su guión de una pésima película juvenil, Buffy la Cazavampiros y la convirtió en una exitosa serie de televisión del mismo nombre, la que sin dudas hizo historia y hasta tuvo un quizás aún mejor spin-off en Angel.  Luego nos dio la series de ciencia ficción también de culto Firefly y Dollhouse, que lamentablemente no fueron tan longevas, si bien aún así se ganaron el corazón de millones y el aprecio de la crítica.  Entre medio vino su trabajo en una de las más celebradas etapas de los cómics de los X- Men (¡Si hasta el divo de Grant Morrison lo alabó en su libro Supergods por esta labor, considerándolo el único libretista que saltó de la pantalla chica a las viñetas de manera destacable! Sitial que compartía junto a nada menos que Michael Straczynski).  El momento más alto de su carrera estaría al dirigir y escribir la primera aventura hollywoodense de Los Vengadores de Marvel... Pero luego llegó La Era de Ultron, su segunda y última incursión en el universo marvelita, la cual no fue tan rentable como se esperaba y de ese modo se fue a la Distinguida Competencia.
    Con un curriculum como el de arriba (que ni siquiera mencioné todo), varios celebramos la llegada de Whedon, quien además le podía aportar el humor que al universo tan demasiado oscuro de la visión de Znyder le faltaba.  Y claro que hizo esta labor de aligerar el tono del filme, sin embargo se le pasó la mano, como luego pudimos comprobar y al final la cinta resultó ser un verdadero bodrio infumable, que buena parte del público (en especial los más ñoños) y la prensa detestaron. Lo que sucedió es que Whedon, presionado por los productores como el mismísimo Geoff Jhons (importante guionista de DC y hace rato peso pesado al mando de la empresa y de sus productos derivados como películas y series), recortó un montón de material filmado por su predecesor y grabó nuevas escenas, dándole giros argumentales distintos a la trama e incluso a las caracterizaciones de los personajes y las relaciones entre estos.  La película en sí se hizo aburrida y poco heroica, algo que no podíamos creer de la fusión Snyder/Whedon. Más encima, luego nos enteramos del maltrato que tuvo Whedon con las estrellas, conducta que venía desde su época en Buffy, ya que comenzaron a salir las denuncias en contra de él y de ese modo pasó a formar parte de la lista negra de Hollywood (si bien como dice mi amigo Ricardo Ruiz, es raro se hayan demorado tanto en denunciar todo esto y de manera conjunta más encima).
     Pasó el tiempo y algunas heridas sanaron, con ello llegó la posibilidad de que Snyder estrenara su versión de la Liga de la Justicia, de modo que comenzó todo un movimiento en redes sociales por parte de los frikis para que se concretara esta posibilidad.  Así fue como a principios del año pasado, se concretó el proyecto, concediéndosele al director varios millones para pulir su edición y que en una primera instancia, se iba a estrenar como miniserie de 4 episodios de una hora cada uno; ante esta noticia, quedaba más claro que nunca que la versión de Zack Snyder, difería mucho de lo que llegó a los cines en su momento.

El gran cambio de Steppenwolf entre una versión y otra.


     En el transcurso de este mes que ya termina, pudimos apreciar por fin la adaptación de la Liga de la Justicia, tal y como siempre la quiso su primer director.  Más encima, al final fue montada como filme, pese a su larga duración de 4 horas y como desde los inicios se prometió.  En la práctica todos quedaron fascinados, puesto que mejoró tanto la puesta en escena, que se trataba de una película aparte y lejos superior al "monstruo de Frankenstein", perpetrado por el otrora niño favorito de Hollywood.
     Muchas razones tenemos para querer ver y amar lo realizado por Snyder, pero antes de nombrar estos motivos es necesario hacer una aclaración: Sus superhéroes no corresponden a la imagen luminosa que tenemos de estos populares justicieros y solo Flash (en una versión que más nos recuerda al alegre Wally West, que al sobrio Barry Allen) aparece como alguien que mantiene cierta alegría inocente en su proceder; el resto, hasta la misma Wonder Woman y en un acto de dureza que no esperaríamos de ella en el clímax de la película, son demasiado graves y se nota cargan con mucho peso sobre sus hombros (Ciborg es un claro resentido y Aquaman solo gracias a su propio filme, recién se gana nuestros corazoncitos)... Y, sin embargo, no podemos dejar de aplaudir este verdadero espectáculo que se nos ha concedido.
     A ver, repasemos algunos de los aspectos positivos de este "Corte del Director", que en todo caso debo confesarles que me vi solo una vez la versión cinematográfica y me desagradó tanto que en la práctica la olvidé toda (salvo una graciosa escena relacionada con Aquaman y el lazo mágico de Wondy, que sin dudas era uno de los pocos ingeniosos aportes de Whedon).

"Papi" Darkeseid acompañado por Desaad y la Abuelita Buena.

 
1. En primer lugar esta vez el villano de la historia logra atraernos.  Steppenwolf es en la práctica un desconocido para la mayoría y comparado con los rivales de Loki, Ultron y Thanos a los que se enfrentan los Vengadores del cine, no tenía peso dramático dentro del guión en la encarnación anterior del filme. Sin embargo, ahora entendemos mejor sus motivaciones y esta vez su nuevo aspecto, muchos más aterrador y demoniaco es magnífico.  Sus diálogos y monólogos son casi shakespereanos.
 
2. Nos habíamos quedado con las ganas de ver al gran Darkseid por culpa de Whedon y demases, no obstante ahora sale que da gusto y queda constancia de que Steppenwolf es solo un emisario del Nuevo Dios Oscuro.  Para rematar y casi provocarnos más de un orgasmo de felicidad a los frikis, aparece harto Desaad y de paso incluso apreciamos a la mismísima Abuelita Buena (una de mis villanas favoritas).
 
3. El poco atlético (o más bien flacuchento) Flash del DCU me había parecido hasta ahora un verdadero payaso sin mayor atractivo, pero ahora nos lo humanizan tanto que no solo resulta ser un mero principiante cómico, sino que destacan en él sus deseos para hacer mejor la vida de los demás; por lo mismo, no duda en sacrificarse para conseguirlo y el heroísmo en él es conmovedor. Gracias a lo anterior logra sobresalir entre sus compañeros (bueno, difícil consiga ser tan carismático como la propia Diana de Themiscyra, aunque está muy cerca de ella). Así que ahora bien podemos esperar con ansias su largometraje en privado, que se sabe promete mucho.
 
4. Un querido superhéroe, pilar de la Liga de la Justicia, tiene dos memorables escenas.  No diré quién es por si alguien que no se ha llenado de spoilers y aún no ve esta versión, desea descubrirlo por su cuenta. He aquí una poderosa razón para esperar el mejor de los futuros a esta franquicia cinematográfica.
 
5. La verdad es que no sé si sale en el montaje para el cine, pero otro personaje notable vemos en el corte de Zack Snyder, alguien muy ligado a Batman.  Más encima, está interpretado por un tremendo actor, ligado desde hace años a las adaptaciones del género (y lo mejor es que no cometieron la estupidez de cambiar su raza, para dárselas de políticamente correctos).
 
6. Dos secundarios de peso relacionados con Aquaman intervienen, realzando la calidad de esta cinta llena de sorpresas de lo más gratas.
 
7. Superman con su traje oscuro, que bien nos recuerda ese gran cómic de los noventa sobre su resurrección, se ve estupendo.
 
8. Un villano increíble sale también, con un monólogo para sacarse el sombrero y en una escena postapocalíptica que vendría a ser la antesala del gran filme que estamos esperando.  Después de esta intervención, con mayor razón no aceptaré que me ninguneen la versión de dicho criminal, presentada hace unos años atrás en otra de las películas de esta saga.
 
     ¿Se me olvida algo más? Solo me queda decir que me habría encantado ver en pantalla grande esta joyita y acompañado de mi sobrinito Amilcar, como de mis amigos más frikis, para luego celebrar en grande un espectáculo como este.


                                            El potente tráiler subitulado (y este no es puras promesas)

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