Post N° 800: Dolor por Richard Corben.

     Este desgraciado año de 2020 aún no acaba y en su último mes se llevó a otro de los grandes, al genial Richard Corben, artista de la ilustración que me acompañó durante toda mi adultez, hasta esa fecha fatídica en que dejó esta tierra el 2 de diciembre.  Tenía 80 años cuando partió, así que tuvo una vida plena, llena de triunfos y legando a sus seguidores un montón de joyas del cómic y la ilustración.  Por razones que ya deben ser obvias, he decidido dedicarle este post tal como lo hice en su momento con Stan Lee, cuando llegué al número 600 en mi Cubil del Cíclope, ya que tal como el sonriente Stan es uno de los creadores que más he llegado a admirar y cuya muerte me ha causado bastante pesar.
     ¿Por qué digo que Corben me acompañó durante toda mi adultez hasta ahora? Pues porque supe de él cuando ya estaba en la universidad, justamente durante mi segundo año en ella y cuando luego de estudiar un año completo Filosofía, me metí a la carrera de Castellano.  Ese primer semestre del recordado año de 1995, entré al Curso Facultativo de Ciencia Ficción y allí tuve el gusto de conocer a uno de mis mejores amigos, a Miguel Acevedo y quien al poco tiempo después me prestó algunas de sus revistas Creepy, en la que aparecían varios de sus trabajos; creo que el primero de estos que pude leer y ver fue El Diamante Negro, que si no me equivoco se trata en realidad de una serie de historias dedicadas a tal maldito objeto.  Pues les confieso que apenas tuve en mis manos tal relato de horror sobrenatural, me quedé fascinado con su técnica…Y es que entre los grandes aportes que le dio al llamado noveno arte, se encuentra su uso del aerógrafo, por medio del cual logró darle un carácter 3D muy especial a sus imágenes y que pese a su estilo igual caricaturizado, da la impresión de realidad monstruosa y palpable con la cual consigue transportarnos a esos ambientes ficticios.  Por otra parte, amo sus aberraciones tanto como las de su colega Berni Wrightson, con quien compartió en las páginas de la editorial Warren en aquellos años y sus publicaciones para la mencionada Creepy y su hermana Eerie; pero el trazo de Corben posee algo que el papá de Shwampy no posee y que me gusta demasiado: un erotismo que aunque no es realista como el de otros colegas, da gusto cómo contrasta con sus criaturas pútridas, en una armonía perfecta… Me encantan sus monstruos y sus mujeres voluptuosas, vampiresas que esconden un lado siniestro atrayente.

     Apenas me introduje en la obra de Richard Corben, hice lo posible por conseguir algo suyo.  Cuando aún se encontraban ejemplares de la desaparecida editorial española Toutain y gracias a las ofertas de la comiquería Antiyal, donde hice varias de mis primeras compras en materia de historietas, pude comprar al menos dos compilatorios suyos: Den 2 y Mundo Mutante (¿O era Underground?).  Estos los leí hace muchos años ya y los tengo por ahí en mi biblioteca (en realidad, en uno de los muebles que poseo donde guardo cómics) junto a un montón más, que no sé bien en cuál lugar se encuentran.  La verdad es que no recuerdo de qué se tratan, así que me daré tiempo para buscarlos y releerlos.  Muchos años después visité otra tienda del rubro, la carísima ¡Shazam! y allí tenían dos títulos diferentes de la época de Toutain en excelente estado, que se hallaban a muy buen precio y, como no, estaban dedicados a otros títulos suyos; yo andaba sin plata en efectivo y no sé por qué razón no fui a un cajero automático de inmediato; el tema es que quedé de ir al día siguiente o algo así y cuando ya volví se los habían llevado… Por casos como esos, ahora apenas se me presenta una oportunidad así no la desaprovecho, que menos mal hoy en día tengo mi tarjeta para pagar de manera electrónica.
     En la misma Antiyal conseguí a precio de huevo Vic & Blood sobre el relato del mismo nombre de otro maestro: Harlan Ellison.  Era una edición tipo “taco”, de papel barato, de la editorial Norma y que creo venía con otras historietas, aunque de otros autores.  Por ahí la tengo también.  Con posterioridad, mientras iba camino a mi casa luego de la pega, conseguí en un puesto de libros que estaba al aire libre varios ejemplares de una mejor edición de Vic & Blood, de tamaño más grande y papel de calidad superior; esa vez compré como 5, uno para mí y los otros para regalar, así que me llevé todos los que tenía el vendedor (luego quedé como rey ante los amigos a quienes les hice tal obsequio).
    En una desaparecida tienda de cómics cuyo nombre no puedo rescatar, pillé a módico precio una edición chiquitita y de dos números de Banner, una emotiva historia escrita por Brian Azarello sobre Hulk e ilustrada por Richard Corben.  De ese modo supe que aparte de trabajar al amparo de los relatos de horror, este hizo bastante para Marvel, DC y otras compañías no precisamente de miedo; más encima, volvió a hacer dupla con Azarello para Hellblazer (que bien sabemos tiene mucho del género que más le gustaba) y al menos hizo una novela gráfica sobre nada menos que el Motorista Fantasma (personaje marvelita con mucho de la estética del género).  En cuanto a Banner y su maravillosa interpretación del Coloso Esmeralda, de puro tonto no me compré la edición de lujo de Panini en tapa dura, cuando la encontré barata en la Librería Chilena.

   Un día andaba vitrineando en la sucursal chiquitita de Crazy all Comics, una cadena de comiquerías que pese a sus valores excesivos, de vez en cuando tiene ofertas para volverse loco; fue así cómo me encontré nada menos que con su versión de La Casa en el Confín de la Tierra, la famosa novela de William Hope Hodgson y que no hace mucho había tenido el placer de leer.  Menos mal que no dudé en adquirirla y de paso le conté a Miguelito, otro incondicional de Corben, así que por encargo suyo me llevé otro ejemplar.
    Gracias al dato que me dio mi amigo Marcelo López conocí Buscalibre, servicio de venta de libros, cómics y demases por Internet, el cual siempre tiene geniales descuentos y donde puedes encontrar hasta títulos descatalogados; fue así que entre todas las joyitas que he adquirido por medio de este servicio, se encuentran los dos tomos de La Guarida del Horror, uno dedicado a Edgar Allan Poe y el otro a Howard Phillips Lovecraft, en cuyas páginas hay valiosas adaptaciones de los cuentos de estos y también de algunos de sus poemas; cabe mencionar que en el volumen sobre Lovecraft, el guión corre por completo de parte suya. Un detalle valioso de estos compilatorios, es que junto a sus versiones gráficas de los clásicos, van  los mismos textos originales, para disfrutar por igual de las historias también tal como las idearon sus padres.
     Solo hace un par de meses atrás adquirí otro compilatorio de Richard Corben por medio de Buscalibre, se trata de un bello tomo de más de 300 páginas con el nombre sugerente de Sombras en la Tumba y que comenzaré apenas termine este mismo 2020, que ya se acaba, el libro que ahora tiene mi atención.  Acá encontramos varios de sus trabajos en blanco y negro y una serie de portadas suyas a todo color.
     Pendientes me quedan sus trabajos para Conan el Bárbaro, que estuve a punto de comprarme este año y los realizados para Hellboy, los que deseo mucho.  Hay otros títulos suyos que he estado a punto de conseguir también en más de una ocasión, que espero adquirirlos ojalá el año que viene, pues están a buenos precios como su recopilatorio de historias para la revista Creepy, El Dios Rata y un tomo más grande de sus adaptaciones de Poe llamado El Espíritu de los Muertos.
     Termino este homenaje realizado con todo mi aprecio al maestro, dejando constancia de que prometo volver a verme de una vez Heavy Metal, la película de culto animada de principios de los ochenta y donde en uno de sus segmentos fue adaptada su primera historia de Den, que ya ni me recuerdo de qué se trata, pues la vi en la época de los VHS.
    Soñé varias veces con la idea de que adaptara algún trabajo de Stephen King o que ambos hicieran algo exclusivo para el cómic, pero me quedaré con las ganas o la ilusión.
     Richard Corben, siempre estarás en nuestros corazones y tengo fe en que en el Más Allá te pueda encontrar junto a otros genios que amo, para así charlar de lo lindo sobre todas esas historias que amamos.

Adentrándose en los primeros años del éxito marvelita.

1. Un tomo para saltar de gusto.

    La Era Marvel de los Cómics es un precioso (y lujoso) trabajo editado nada menos que por la prestigiosa editorial Tashen, dedicada a los libros de arte, que en alrededor de 400 páginas aborda los primeros años de la empresa conocida también como la Casa de las Ideas.  El texto aborda los años comprendidos entre 1961 y 1978, época en la cual vendría a configurarse el universo Marvel tal y como lo conocemos, al punto de llegar a convertir a esta empresa en uno de los mayores hitos comerciales y de impacto en la cultura popular (al nivel de su Distinguida Competencia, DC y Disney).

      En una presentación de gran tamaño, con sobrecubierta y papel de la mejor calidad para resaltar los colores de las imágenes que incorpora (entre portadas, viñetas, afiches, ilustraciones, fotografías a color y en blanco y negro, entre otros), considera a diferencia de otros libros de este tipo, el momento justo en el cual comenzó todo una vez que Stan Lee junto a Jack Kirby, cuando en 1961 lanzaron el N° 1 de Los 4 Fantásticos.  Por lo tanto, tal como queda demostrado muy bien en este documento, recomendado para los más ñoños y marvelitas, a partir de entonces fue en ascenso la compañía, que si bien llevaba décadas editando historietas, solo entonces gracias a la presencia de artistas como los mencionados se convirtió el verdadero rival del sello de Superman y compañía.  

    Al interior entre las tapas encontramos una cronología que abarca los años tratados en sus páginas, incluyendo algunos de los grandes momentos de sus colecciones, considerando debuts de sus personajes más destacados, historias relevantes y hechos del mundo real que concordaron justo con estas publicaciones; a ello se le agregan pequeñas imágenes ilustradoras de ello.  Ahora bien, este último detalle no es algo exclusivo del texto que hoy nos reúne, que les puedo nombrar otros casos que hacen esto como lo son Crónica Marvel y DC Comics- Crónica Visual Definitiva; pero siempre es un gusto informarse de datos interesantes como estos y ver cuánta relación puede existir entre el mundo de la fantasía y el real.

    El resto del libro nos adentra en la magia detrás de Marvel, desde la presentación de sus artífices, el llamado Bullpen que incluía a sus directivos y artistas, que más encima quienes comenzaron  con los cargos más humildes y a edad muy temprana (en buena parte de ellos), luego fueron ascendiendo hasta convertirse en algunos de sus nombres destacados.  Así que muchos grandes personajes reales, hoy considerados desde hace rato entre los mejores de su rubro, desfilan a lo largo de toda su extensión.  De igual modo, a los textos escritos se agregan reproducciones de muchas de las primeras ediciones de estos cómics, entre bocetos, dibujos originales, publicidad de la época y otros, algo que al menos no se veía en otros títulos dedicados a Marvel o DC.   

2. El autor.

   El libro en cuestión no fue escrito por cualquier persona, que no se trata de un mero estudioso y erudito de estos temas, sino que corresponde nada menos que a Roy Thomas (22 de noviembre de 1942, USA). ¿Y quién es este señor? dirán ustedes. Pues alguien que  a uno de los principales protagonistas de la llamada Era Marvel, incluyendo los siguientes capítulos en este ascenso de la Casa de las Ideas.

    Como muchos de los integrantes del mismísimo Bullpen, comenzó de muy joven a trabajar para la empresa, si bien ya era profesor de Literatura titulado cuando a los 25 años fue contratado como guionista (a diferencia de algunos colegas suyos tal cual Jim Shooter,  que eran aún adolescentes cuando ingresaron a las mismas filas).  Allí rápidamente consiguió su prestigio por méritos propios, llegando a ser nada menos que el primer sucesor que de Stan Lee como Redactor Jefe.

    Tras comenzar con unas pocas intervenciones en las seriales dedicadas a personajes cono Doctor Strange, su oportunidad de oro estuvo cuando le entregaron el relevo en los guiones de Los Vengadores, la segunda etapa de los igualmente llamados "Héroes más poderosos de la Tierra", luego de la escrita por el propio Stan Lee e incorporando a personajes de la talla de Ultron y Visión; más encima, fue uno de los gestores de la recordada saga de la Guerra Kree-Skrull, uno de los momentos claves en la cronología marvelita y además, a menos que me equivoque, el primero de los grandes arcos argumentales de estas historias.

   En los setenta, Roy Thomas fue el responsable de llevar a las viñetas a ese inmenso personaje literario salido de la fértil pluma de Robert Howard, Conan el Bárbaro.  Fue así que por más de una década estuvo escribiendo para La Espada Salvaje de Conan, adaptando no solo los textos de Howard sobre este guerrero, sino que reescribiendo otros cuentos suyos para aumentar las aventuras del Cimmerio; por no mencionar sus guiones originales.  Además introdujo a la Era Hiboria, la prehistórica época en la que vivió Conan, a Sonia la Roja, otra creación del texano y a la que insufló de una nueva vida.

     Siguiendo con su paso por Marvel, gracias a él esta industria obtuvo la licencia de Star Wars, escribiendo las primeras adaptaciones de la obra maestra de George Lucas, incluso de antes del estreno del filme y realizando las secuelas originales que incluso antecedieron por años a El Imperio Contraataca.

     Su paso por DC voy a omitirlo, si bien estoy bastante tentado por contarles de sus otras grandes colaboraciones, lo mismo que en otros sellos editoriales. No obstante, este post trata acerca de Marvel, universo que en el presente me es más grato que DC mismo.

3. Palabras finales.

     Compré el libro en cuestión de pura casualidad y en oferta, si bien debo reconocer que se trataba de una suma que no cualquiera estaría dispuesto a desembolsar.  Estuve leyéndolo durante más de un mes, de forma graduada y fue en realidad un verdadero placer enterarse de tantos datos sabrosos acerca de esos años tan relevantes para Marvel.  Por otro lado, uno también logra conocer desde puntos de vista más humanos al Bullpen, que en otros volúmenes, como es el caso de Marvel Comics: 75 Años de Historia Gráfica, solo se preocupan de los aspectos más artísticos de sus producciones.

     Así es que quienes puedan acceder a este trabajo, ya sea adquiriéndolo, pidiéndolo prestado a alguien de confianza o sacándolo de alguna biblioteca, no duden en conseguírselo, que no se van a arrepentir y tal vez se lo acaben mucho antes que yo.

Feliz con mi compra.

Creo que lo mejor es "echarse" a los malos...¿No?

1. La trama.

     La primera temporada de El Castigador terminó con la vara muy alta, que no solo se trataba de la producción Marvel-Disney-Netflix más dura y violenta, sino que estaba llena de emoción y entre ello hasta una lágrima podía sacarte. Era de esperar que Frank Castle volviera a la pantalla chica, para continuar su guerra personal (y justificada) contra el crimen.

     El antihéroe de la calavera, interpretado en tercera ocasión por John Bernthal (si se considera la primera de ellas, su introducción en la segunda temporada de Darevil), retorna a la pantalla chica poco más de un año después, del estreno de su propia serie. Es así que luego de profundizar en su pasado y sus razones para no perdonar a los criminales, en esta nueva ocasión lo vemos en una faceta más heroica que nunca (que no todo se trata de venganza).

      El azar o el destino, lleva a nuestro protagonista a cruzarse con una muchacha que viene escapando de unos tipos que la quieren matar. Solo un experto como él podría ver y decodificar, las señales que indicaban que algo nefasto se estaba cocinando; de ese modo, el veterano se ve involucrado en una batalla que lo hará llegar hasta las triquiñuelas políticas, que tan bien se dan entre los poderosos y corruptos de Gringolandia.

      Recordemos que antes de iniciar su cruzada, Castle era un esposo y padre devoto; de modo que toda esa pasión se convirtió en odio intenso, en contra de los malvados acostumbrados a oprimir a los inocentes. Si antes estuvo dispuesto en ayudar a Micro a recuperar su antigua vida, incluyendo a su familia (para que este no la perdiera y no sufriera su propio calvario), la llegada de esta chica a su vida, despierta en él al padre protector que apenas habíamos logrado vislumbrar. Por lo tanto, el arco argumental en torno a la relación entre el hombre y la muchacha, viene a ser uno de los grandes atractivos de la temporada (que, como no, las actuaciones de sus actores se encuentran a la altura de tan sólidos guiones). Además, la chiquilla para nada resulta ser un personaje estereotipado, el típico niño o adolescente detestable por tratarse de alguien demasiado perfecto u odioso; al contrario, se vuelve todo un complemento para el protagonista y quien no solo ve en ella a una víctima a la que defender, sino que a una oportunidad para plasmar su paternidad frustrada. De este modo, la relación entre ambos lleva a Castle a mostrar una humanidad, que roza en la ternura y que nos muestra su verdadera debilidad: el amor hacia la familia y en especial hacia los hijos y niños (de hecho, en al menos dos ocasiones diferentes, nuestro Castigador demuestra piedad y flexibilidad, con criminales que logran demostrar este tipo de sentimiento).

      La muchacha misma que despierta en el vigilante todo lo de arriba, se vuelve una de las protagonistas de la temporada. Su carácter fuerte, pese a su juventud y a su falta de experiencias (que, en todo caso, igual le ha tocado vivir terribles sucesos que pocos adultos han pasado), la ubica entre los personajes sólidos del show. Valiente, voluntariosa e inteligente, no se queda corta al lado de sus compañeros de aventura.

2. Viejos conocidos.

      Por otro lado, si se nos va revelando a un protagonista capaz de sacrificarse por una menor que le recuerda a su hija, estableciendo con ella luego una relación de tipo paterno-filial, en esta ocasión también se profundiza en la lealtad con sus pares: o sea, la fraternidad. Es así que regresa a la serie su antiguo compañero del ejército, el moreno dedicado a ser consejero de ex veteranos y quien ahora toma mayor relevancia en esta temporada. La incondicionalidad entre los dos, al punto de arriesgar el todo por el todo hacia el colega en apuros, nos retrata muy bien el viejo tema de la amistad entre hombres. Cabe mencionar que, por lo tanto, Curtis en esta segunda temporada se convierte en uno de los personajes principales de la historia (por otro lado, que tenga una pierna amputada, utilizando una extremidad ortopédica a manera de reemplazo, resulta ser una celebración a la inclusión; puesto que este nos demuestra, que solo la voluntad para vivir con dignidad nos permite realizarnos, por sobre nuestras vicisitudes).

      Y si de amistad estamos hablando, no podemos olvidar lo que viene a ser este lazo entre un hombre y una mujer, ya que vuelve por un capítulo la querida Karen Page, la ex pareja de Daredevil. Solo ahora que ya conocemos mejor a esta fémina, con su pasado oscuro (gracias a la tercera temporada, del programa dedicado al Hombre Sin Miedo), podemos comprender cómo ella puede sentirse tan cercana a un hombre como Frank; y es que independientemente de sus diferencias, ambos reconocen en el otro a una persona que lucha por un mundo mejor y que ha tenido que levantarse de sus cenizas para seguir viviendo. Por cierto, tras la cancelación del título sobre el Diablo Guardián y otros de Netflix/Marvel/Disney, esta es la primera y tal vez última vez en que vemos a un personaje de una de estas series, como invitado en alguna serie hermana.

      Otro tremendo personaje femenino con el cual nos reencontramos, es con la agente Madani y quien no deja de estar entre los protagonistas. Es así que tras los acontecimientos pasados, su trato con el antihéroe ha llegado a un punto en el existe un respeto mutuo y a través del cual esta servidora del Gobierno, se ha dado cuenta que un hombre como Castle más que alguien fuera de la ley, es alguien necesario para acabar con amenazas como las que él extermina. A sus ojos y a los de muchos (que el público real también puede asumir esta certeza), no queda otra que aplicar todo el rigor a los criminales violentos...Algo que en USA más de una vez lo han tenido en cuenta, a lo largo de su historia. Queda decir que Dinah y Frank más de una vez trabajarán juntos a lo largo de esta temporada.

       No solo los "buenos' de la historia regresaron este año, que por igual reaparece el ex mejor amigo de Castle, Billy Russo y ahora villano, conocido en los cómics como Puzle. La última vez lo vimos en coma, tras la paliza que le dio el Castigador a manera de castigo por sus crímenes, para que viviera el resto de sus días llevando marcado en lo que fue su otrora bello rostro, la evidencia de la monstruosidad de su corazón. Ahora bien, en los cómics este es en verdad espantoso, que en la serie optaron por dejarle solo unas cuantas cicatrices en la cara, quizás para no afear tanto al actor a cargo suyo. No obstante, está mucho más demacrado y delgado que en el pasado, manteniendo esa postura suya peligrosa. Igual destacable viene a ser que este en la presente adaptación, tiene problemas de memoria, lo que se condice con su nueva imagen como alguien roto e incompleto, un puzle humano; asimismo, no es un "malo de pacotilla", que los guiones le otorgan cierta nobleza que no esperábamos en él. Su destino es cruzarse otra vez con el compañero al que traicionó, así como con la mujer que confió en él y a la que también desechó de su vida. En todo caso, si uno quiere verlo en pantalla y en carne y hueso, tan horripilante como el de las historietas, recomendable es la película The Punisher: War Zone, para nada mala.

3. Renovación de personajes.

     Nuevos personajes salen, entre ellos un agente del FBI afroamericano, fiel creyente en la ley y el orden, de modo que ve a Castle y a Madani como individuos reprochables; sin embargo, debe tocarle en algún momento darse cuenta de que las cosas no son blanco y negro, puesto que la vida está llena de matices. Además aparece una psiquiatra, especialista en tratar a pacientes violentos, y quien se involucra más de la cuenta en las rencillas entre Frank, Dinah y (otro tremendo personaje complejo, que en su caso nos comprueba que, al parecer, buena parte de sus colegas están más perturbados que la gente a la que atienden).

    No obstante, quien sobresale por sobre los dos de arriba, viene a ser Pilgrim. Se trata de un amoroso padre de familia, que pertenece a una comunidad muy religiosa y el cual hace el trabajo sucio para sus líderes, quienes se esconden bajo su supuesta bondad. Este, tal como la mayoría de los protagonistas del programa, esconde un pasado violento, del cual escapa y que en algún momento regresará a su vida. Cabe decir que se trata de implacable asesino nato, como el mismo Castle, que viene a ser la otra espina en el costado de Frank y compañía. Su personalidad cansina, de vestir propio de un pastor evangélico, más su regia estampa varonil, le otorgan un carisma especial y convertirse en alguien que puede ser tanto o más peligroso que Puzle.

4. Evaluación final.

     El programa es tan violento como lo recordábamos, pero no cuesta aplaudir cuando el Castigador se "echa" a los villanos sin dudarlo (que incluso esta vez hasta mujeres malvadas y despiadadas hay, entre ellas una interpretada por la siempre solvente Annete O Toole, la recordada Martha Kent de Smalville). Igual hay uno que otro toque de humor, que se agradece tras tanto gore.

    El varonil John Bernthal sigue dando la estampa como el Castigador, de rostro impertérrito y presencia amenazadora (bueno, para los villanos, claro). Esta vez lo vemos más usar su símbolo, la calavera y en los últimos segundos del final de temporada (probablemente el fin de la serie, a menos que Disney la rescate cuando de una vez estrené su nueva plataforma de streamming), recién se nos da en el gusto a los seguidores, y a los más ñoños de los cómics, haciendo que use un atuendo calcado al de los varios que ha usado dentro de las viñetas.

    Por cierto, me habría gustado haberlo visto como miembro de Los Defensores, en el caso de que les hubieran hecho una segunda temporada.

     En los créditos aún sale Stan Lee como productor ¿Será acaso que cuando estaban produciendo este título aún seguía vivo? Lo más probable.  Y tras finalizar con broche de oro esta historia, sus responsables no dudaron en dedicarle a su memoria tan formidable temporada, que en todo caso este personaje no fue creado por "El Hombre", pero bien sabemos que fue gracias a él que los herederos de su legado pudieron seguir incrementando el panteón marvelita, con tan grandes personajes e historias.

John Pilgrim.

El mayor legado de George Romero.

1. La génesis de todo.

     En 1968 George Romero no regaló para la cultura popular no solo una tremenda cinta de terror, que aún hoy en día se sigue apreciando (casi) con el mismo efecto emocional e intelectual que cuando se estrenó; incluso se podría argumentar que hoy en día las propuestas de su obra están más presentes que nunca...Me estoy refiriendo a su ópera prima, La Noche de los Muertos Vivientes.

      Se trata de una cinta "independiente", o sea, realizada sin apoyo de las grandes productoras del medio y que el cineasta realizó en la práctica junto a un grupo de amigos universitarios y gracias al financiamiento de gente lejos del sistema cinematográfico (como que la carne y huesos que se ve "devorando" a los zombies, fue aportada al menos por una carnicería o matadero bien intencionados).

     Se podría decir que esta historia, sobre el hoy ya bastante conocido concepto de un "Apocalipsis Zombie" fue la primera película en mezclar de forma verosímil el horror con la ciencia ficción, sin considerar las adaptaciones de la novela Frankenstein de Mary Shelley o pastiches inspirados en dicha historia. Y es que antes se habían hecho filmes donde aparecían criaturas como estas, aunque impulsadas por medios mágicos, por lo general debido a la intervención de un brujo o hechicero maligno. Y es que acá vemos a las criaturas producto de un accidente científico o más bien resucitadas debido a la existencia de una rara radiación cósmica (haciéndose presente con ello, uno de los mayores temores de aquel tiempo: las consecuencias devastadoras de la guerra nuclear y/o el uso de artefactos, más bien armas, basadas en la fusión).

     A primera vista la trama de este largometraje es bastante sencilla, no obstante, detrás suya podemos hallar un montón de aspectos positivos que nos podrían tener horas y horas entretenidos comentándolos y analizándolos: Un grupo de personas provenientes de distintos destinos, encuentra como único refugio de las "bestias humanas" que los acechan, una casa en el campo. Allí no solo deben lidiar con los zombies, si no que por igual los problemas entre ellos, debido a sus distintos temperamentos, hacen de la convivencia un verdadero infierno de pasiones.

     Dentro de las maravillas de esta verdadera joyita del séptimo arte en general, que no solo se trata de una tremenda obra de terror, se encuentra el valioso detalle de que fue una de los primeros títulos del séptimo arte (gringo), en tener de protagonista a un personaje y actor afroamericano. Tal como ya lo hizo años antes en la televisión yanqui, Gene Rodenberry con Star Trek, al crear al personaje de la (bella) teniente Uhura, fue posible tener en pantalla a alguien de etnia codeándose con los blancos, como un igual y no haciendo de empleado o, incluso, de criminal; es más, estamos hablando de uno de los dos personajes principales del guión que, por sobre todo, encarna virtudes tales como la resiliencia, la valentía y la piedad.

      Junto al anterior, nos encontramos con Barbara (uno de los dos primeros personajes del argumento, en salir apenas comienza todo, quien va acompañada por su detestable hermano). "¡Vienen por ti, Barbara!" le dice su familiar para molestarla antes de que se tuerza todo, en lo que viene a ser el parlamento más famoso de esta pieza y que, como no, adelanta el destino de esta, de sus compañeros y de toda la humanidad. La fémina corresponde, hasta cierto punto, a la típica mujer rubia (¿y tal vez bonita?) que podríamos encontrar en un montón de productos audiovisuales de "miedo" y a la que hay que proteger, más encima, puesto que se la pasa la mayor parte del metraje en estado catatónico. De este modo, de los dos protagonistas que llegan a la casa a resguardarse del peligro, es el negro el único en demostrar fuerza de carácter y, en cambio, la blanca encarna más bien aspectos negativos, que pueden ser tanto vistos como defectos de su "raza" o comunidad, como de nuestra especie en general.

     Junto a los dos de arriba, encontramos a dos parejas que contrastan entre sí: una compuesta por un par de adolescentes o veinteañeros tempranos, caracterizados por su personalidad afable y un matrimonio de cuarentones más o menos, que por igual arribaron al lugar de manera accidental y que al parecer llevan una vida holgada. Los jóvenes son lugareños y el muchacho es el verdadero anfitrión de la casa; siendo un tipo sencillo y "sano", como podríamos esperar de manera idílica de alguien de su edad y que vive en medio de un paisaje como ese. En cambio, la otra pareja se nota que viene de la ciudad, arrastrando sus vicios, al verse que el hombre es un machista, egoísta y cobarde, mientras que su señora es una mujer sometida al control del macho; acompañando a este par, se encuentra su hija pequeña de unos diez años, quien supuestamente está enferma.

      Toda una lucha de voluntades se da entre los dos machos alfa “extraños”, el negro y el blanco: el primero dispuesto a enfrentar al mal que los acecha y el otro escondiéndose cual una rata, tratando a los demás como si estuvieran para servirlo, en vez de considerarlos como sus aliados en el infortunio, tal como lo hace el moreno. A este último lo podemos admirar sin dudas, en tanto que el otro es pura "basura blanca", alguien por completo detestable. Ahora bien, el protagonista tampoco es un "santo" que digamos, pues se opone con firmeza a las estupideces del hombre casado e incluso es capaz de actuar con violencia si la ocasión lo amerita; pero es justamente esta faceta suya más colérica, la que ayuda a hacerlo más humano y, por eso mismo, más cercano a nosotros.

     Interesante viene a ser, además, el hecho de que este hombre "de color", incluso por su antagonista, es aceptado como un igual, sin despertar desconfianza y la "otredad" solo se dé en base a la manera de la distinta personalidad de cada uno y cómo se da la convivencia entre todos. No quepa duda de que al ser el héroe (trágico) de la historia, este encarna la idea del progresivo empoderamiento de su gente en la sociedad norteamericana, como alguien que tanto puede ser un gran aporte para el resto, como un individuo que por sí mismo merece todas las oportunidades para realizarse (y al respecto, plausible resulta que intelectuales y artistas "caucásicos", como Romero, hayan contribuido a que se produjera esta concientización social, algo que también lo podemos encontrar en esa misma década en la figura de Rod Serling con La Dimensión Desconocida y Stan Lee con sus cómics de la llamada Era Marvel y personajes suyos como Pantera Negra, por no olvidar al mencionado Gene Rodenberry).

     Como ya habrá podido quedar claro, en la figura del contrincante que tiene el protagonista, no solo los zombies merecen nuestro cuidado: pues son los vivos los más peligrosos de todo, tal como bien deja claro el pesimista final de la cinta, donde vemos a otros sobrevivientes actuando cual horda salvaje. De ese modo, Romero convirtió a sus muertos vivientes no solo en una actualización de los monstruos clásicos y de nuestro temor a perder el control de nuestros cuerpos y mentes (así como el miedo al más allá); sino que les dio el carácter de parábola o extrapolación de la muchedumbre idiota, que se deja a avasallar por sus impulsos: así que no hay que regresar de la tumba para comportarse como bestia depredadora, de manera individual o, más aún, en masa y si no recuerden a las verdaderas manadas destructoras de fanáticos religiosos e hinchas del fútbol (entre otros).

2- Otros aspectos valiosos a considerar.

      Desde un punto de vista técnico, esta película con lo poco que costó es una maravilla, que sus responsables se esmeraron tanto en ello, como también en el plano artístico. La hermosa fotografía en blanco y negro, le otorga a las escenas una dimensión pesadillesca sobrecogedora, ya sea en los planos donde podemos contemplar los exteriores, que nos dan la idea del vacío (¿dónde se encuentra el resto de la gente?), como cuando salen los horrores de ultratumba a hacer de las suyas. Además, aun cuando esta obra tenga en su título la palabra "noche", buena parte de los acontecimientos transcurren a plena luz del día, de modo que en todo momento el peligro está acechante.

      No se pueden obviar los tremendos parlamentos, con unos cuantos monólogos dignos del mejor teatro y que al hacer que buena parte de la trama transcurra en lugares cerrados y claustrofóbicos, que acentúan bastante la calidad artística de esta perla de la cinematografía, continúan dándole ese aspecto teatral a la puesta en escena.

      Por otro lado, los zombies para nada están mal en esta ocasión, que de seguro fueron muy siniestros al estrenarse la obra e incluso en la actualidad siguen infundiéndonos "respeto"; es así que vemos monstruosidades de todo tipo, ello respondiendo a la certeza de que a todos nos llega la muerte: mujeres, hombres, jóvenes, viejos, granjeros, obreros y ejecutivos (creo que niños no hay, que ello ya habría sido ya muy fuerte para la época); destaca entre todos estos, una mujer completamente desnuda y que responde a la intención de su autor, de hacer realista todo, pese a su carácter ficticio. Ahora bien, estos muertos vivientes se mueven lento, que sus funciones motoras no funcionan bien, debido a la descomposición; no obstante, tampoco se ven tan decrépitos, que igual las condiciones técnicas (de maquillaje) y monetarias, no daban tanto como para algo más gore.

      Con esta primera parte de lo que sería inicialmente una saga cinematográfica, conformada por una trilogía (La Noche..., El Amanecer...y El Día de los Muertos Vivientes, a razón de una entrega por década entre los sesenta y los ochenta), luego a comienzo del actual siglo, el ahora ya consagrado director y guionista nos concedió una segunda trilogía y a través de la cual pudimos ser testigos de las reorganización de la sociedad (gringa), tras vivir largo tiempo con la amenaza zombie a cuestas (está compuesta por La Tierra de los Muertos, El Diario de los Muertos y Survival of the Dead). Pero ya por medio de La Noche...,se instauraron algunos cuantos tópicos caros a la serie y a este tipo de historias: sobrevivientes concentrados en un lugar supuestamente seguro, para evitar ser comida de las bestias; presencia de un infectado por la epidemia zombie y que poco a poco comienza a degradarse; conflictos internos entre los vivos producto de la tensión y de sus propias pasiones, zombies comiéndose de manera gráfica a sus víctimas...

3- El remake.

     En 1990, a poco más de veinte años del estreno de la obra que hoy nos reúne, llegó a las salas de cine un remake y que a mi humilde parecer superó en muchos aspectos a su predecesora. Y lo afirmado recién por este servidor de ustedes, se debe a que la nueva versión estuvo a cargo del mismo Romero, quien hizo el guión mejorando varios aspectos de la trama y la dirección estuvo a cargo de su amigo Tom Savini, un artista completo amante de las historias de terror y quien tanto dirige, como actúa y realiza estupendos efectos especiales de maquillaje (que, además, fue protagonista de la secuela directa de esta película y participó en otra de sus producciones, Los Caballeros de la Motocicleta, toda una curiosidad en su filmografía). Por otro lado, los dos papeles protagónicos estuvieron a cargo de un par de artistas de la actuación, que a juicio personal respeto mucho (en especial al que hace del héroe negro): La preciosa colorina Patricia Tallman y Tonny Tood (uno de mis actores favoritos).

      El primer gran cambio que se realizó en el guión del remake, corresponde a la manera de abordar al personaje de Barbara, quien pasó de ser una mujer histérica incapaz de superar sus temores, a ser una fémina independiente y de "armas tomar". En este sentido, comparte el heroísmo junto a su eventual compañero y vaya que dan ganas de aplaudirla. De este modo, a través de ella se presenta el empoderamiento de la mujer y como alguien que está al mismo nivel que los hombres, para ejercer de forma activa en la sociedad.

      Si los héroes de esta historia salen ganando más que nunca, el "villano" de esta versión resulta ser tan despreciable, que da gusto luego contemplar el "castigo" que le toca recibir; por otro lado, si la nueva Barbara nos invita a celebrar la emancipación de la mujer, su actitud hacía su esposa y que incluye ahora violencia física, nos permite tomar conciencia de los reales horrores a los que nos enfrentamos en la vida diaria. 

     La actriz que personificó a esta otra Brabara, ya había trabajado antes con Romero en su curioso drama Los Caballeros de la Motocicleta y en la estupenda Monos Diabólicos, así que ya había confianza en su labor; no obstante, es con su papel de la telépata Lyta Alexander de Babilonia 5, la emblemática serie de ciencia ficción de Michael Straczynski, que logró ganarse mi corazoncito. 

    En cuanto a Tony Tood, creo que esta es la única cinta donde lo he visto desempeñar un protagónico, aparte de esa otra maravilla del terror fílmico que es Candyman, sobre un cuento de Clive Barker… ¡Pero vaya que lo he visto en tantos papeles y en especial en televisión, donde ha sido actor invitado en un montón de series! Al respecto, destacable es su papel como Kurn, el hermano menor de Worf en TNG y DS9, además de otros roles en el último de estos programas y de Voyager.  También fue el demonio de Valerie en las Escaleras para Maestros del Horror, de igual forma sobre un texto de Barker y participó como el veterano de Vietnam asesino de los sueños en un capítulo de antología, de la segunda temporada de Los Expedientes-X (por no mencionar sus otras colaboraciones para el cine y la pantalla chica, que desconozco muchos casos).

    En cuanto a los muertos viviente de la “nueva versión” (que a estas alturas ya es bastante antigua, je), están muy bien hechos.   Destaca su apariencia que aprovecha los logros de los efectos de maquillajes, que ya en aquellos años tenían el suficiente realismo como para ser impactantes visualmente.  Cada zombie, como cada persona muerta, es distinto y ello se puede apreciar con lujo de detalles, que recordemos el mismo Tom Savini es un especialista en todo esto, de modo que en su película iba a procurar hacer de tales detalles algo muy visual.

 

4- La herencia.

    A le fecha incluso quienes nunca han visto si quiera el remake, conocen muy bien a los zombies, que el impacto que dejó la primera película de George Romero ha sido inmenso.  Antes de mencionar uno que otro ejemplo de ello, cabe tomar conocimiento que existe una novelización del filme original y hecha por el mismo coguionista de esta John A. Russo; esta misma fue traducida al español y salió en la recordada colección Super Terror de Martínez Roca, pero lamentablemente ya está fuera de catálogo; no obstante ha sido reeditada para habla hispana por otra compañía. 

    Como el filme por esas cosas raras (o tal vez por una bendición divina) hace rato que es de dominio público, hoy en día se pueden encontrar distintas ediciones de este, para gozo de sus seguidores; incluso hay una versión extendida con nuevas escenas filmadas a propósito y realizada para el aniversario número 30, de 1998, y dirigida por el mismo John A. Russo. 

    Aprovechándose del acceso libre al material original, muchas películas y series lo han usado con distintos resultados y entre lo mejorcito se puede mencionar el especial de Halloween de un excelente show televisivo, como lo viene a ser Medium y donde la protagonista se ve atrapada nada menos que dentro de dicha obra.

     Videojuegos como Resident Evil, con varias cintas de imagen real y al menos dos realizadas por medio de gráficos computacionales, son claras inspiraciones de la ópera prima de Romero, lo mismo que The House of Dead.  A su vez, un cómic tan popular como The Walking Dead, imposible se hubiera concebido si no hubiese estado antes el largometraje seminal de todas estas historias y que luego fue llevado a la pantalla chica con tan excelentes resultados; que luego su guionista, Robert Kirkman, haría versiones zombies de los mismos personajes de la Casa de las Ideas al crear Marvel Zombies y que con posterioridad otros guionistas seguirían a través de diferentes arcos argumentales (tal como la muy divertida La Bella, el Pato y el Robot, que une a la imposible dupla del Hombre Máquina y Howard el Pato, viajando por el Multiverso marvelita y en un momento se encuentran con “Zombies Romero” como bien les llaman en sus páginas). 

     Con respecto al séptimo arte, claramente influenciado de esta magna obra, cabe destacar el trabajo del italiano Lucio Fulci y su seguidilla de películas de muertos vivientes, bastante gores todas ellas y que si bien sus producciones fueron realizadas en su patria, supuestamente estaban ambientadas en Gringolandia.  Títulos notables suyos son Zombie 2 (supuesta secuela de El Amanecer de los Muertos Vivientes de Romero, que en Italia fue retitulada como Zombie), El Más Allá, La Casa Cercana al Cementerio y Pánico en la Ciudad de los Muertos Vivientes.

     En lo que concierne a literatura, existen varios autores que han explotado el género y entre los cientos o miles de títulos que podemos encontrar, existen varias antologías en la que han contribuidos escritores consagrados y hay algunas de ellas traducidas a nuestra lengua como El Libro de los Muertos (editada por John Skipp y Craig Spector) y Zombies (de John Joseph Adams); artistas que han participado de estos verdaderos homenajes a Romero, han sido Stephen King (amigo personal de este y que no olvidemos King le dedicó su novela Christine y trabajaron juntos en Creepshow, además de que el realizador llevó al cine con excelentes resultados su novela La Mitad Siniestra), Joe Hill, Neil Gaiman, George R. R. Martin, Clive Barker, Robert Mc Cammon y muchos más.  Por otro lado, no quepa duda que esa igualmente joyita que es Guerra Mundial Z de Max Brooks, lleva a otros niveles las ideas que Romero en 1968 gestó.  Un dato curioso, viene  a ser que existe la actual tendencia de llevar a este tópico clásicos de la literatura, tal como lo es Orgullo, Prejuicio y Zombies (de la cual incluso hay una película) y Quijote Z.  Y no dejemos de lado la única novela del maestro Stephen King, que trata este tema: Cell y la que cuenta con una estupenda adaptación hollywoodense, tristemente infravalorada.

    Por último, en 2014 Marvel publicó Empire of the Dead, con guión de George Romero y arte de nada menos que de Alex Malev (¡Tremendo dibujante!), que originalmente iba a ser una película, aunque que luego su realizador decidió llevar al noveno arte, para aprovechar las posibilidades de este medio.  La serie consta de 15 números y está en español gracias a Panini (yo me la compré por Internet… ¡Y aún estoy esperando que me llegue!).

 

Definitivamente esta SÍ que es la película ñoña más esperada en lo que va del siglo.

1- …Y ahora… ¡La conclusión!

    ¿Cómo hablar de la película que hoy en día tiene a más de medio mundo hablando de ella, entre quienes la han visto y los que aún no lo han hecho, pese a sus intenciones de hacerlo, sin caer en el maldito spoiler? Tarea difícil, pero haré lo posible para no cometer dicho error, que en muchas ocasiones algunos lo hacen de forma malintencionada o porque no les importa quitarles la sorpresa a otros; y es que mi intención a la hora de escribir este texto no es la de contarla, sino que compartir con ustedes mis impresiones y, dentro de lo posible, hacer uno que otro análisis de sus muchas virtudes y aspectos.

    Mucho tengo que decir sobre esta cinta, que ya me la he visto repetido dos veces, de tanto que me fascinó, por lo que espero no dejar detalle alguno pendiente.

    Tras el devastador final de Avengers: Infinity War, era imposible que el espectador seguidor de estos filmes y en especial al ser un lector consumado de los cómics marvelitas, no deseara pronto poder ver (una y otra vez) su continuación; filme que no solo respondería a todas las interrogantes, sobre qué pasaría luego del desastre tras el “chasquido de Thanos”, sino que también sobre cómo nuestros superhéroes lograrían revertir sus consecuencias.  Aunque también, como muchos ya sabíamos, con este filme se cierra un ciclo de más de una década de éxitos de los Estudios Marvel, el llamado Universo Cinemático Marvel (UCM), que tras una tetralogía dedicada a los “Héroes más poderosos de la Tierra” y un montón de cintas más de sus personajes por separado o en compañía de otros, viene a significar la despedida de varios de sus estrellas, que (supuestamente) ya no volverían a encarnar a los personajes, que tan bien supieron llevar sobre sus hombros.

     La película comienza justo cuando todavía estaba gestándose el plan del villano, devolviéndonos a uno de los dos justicieros que no pudimos ver en la que le antecedió; es así que, bastante dramático resulta desde su punto de vista este verdadero cisma.  Luego se da paso a otro de esos paladines, que también estuvo ausente en dicho largometraje, regreso que luego será la oportunidad para que sus compañeros, puedan tener la oportunidad de remediar la tragedia a nivel global que significó todo. El resto del metraje, de nada menos que de 3 horas y que se pasan sin ningún momento aburrido entre medio, corresponde a todo lo que hacen el grupo de defensores de la Tierra para conseguir su propósito, que incluyen muchas, muchas sorpresas y emociones. Obviamente la iban a tener difíciles nuestros salvadores, que mil y un peligros, como pruebas deben pasar y entre ellas algunas de las más grandes que hasta el momento les ha tocado superar.

2- Qué sucedió con los sobrevivientes.

    Tal como dije más arriba, la historia comienza en los momentos justos en que Thanos logró su cometido, devolviéndonos a Ojo de Halcón y ahora viviendo en paz junto a su familia, una existencia que nadie de sus amigos había logrado tener.  Luego la trama salta al espacio profundo: ver a Tony Stark en las condiciones en las que se encuentra, acompañado solo por la ex villana Nebula, esta última tan cambiada, que su nueva humanidad no puede  ser más conmovedora, tal cual los máximos esfuerzos de Iron Man por mantenerse en pie; y es que contemplar al arrogante más  carismático del mundo, al borde de la muerte, es algo que te parte el corazón (¿Se dieron cuenta que nos “engañaron”, con mucha inteligencia, y en el primer tráiler este no sale tan decrépito como en la película?).

     Volviendo a Ojo de Halcón, la felicidad que le llegó nos sirve para abordar desde su punto de vista, la crisis que significó el mencionado “Chasquido del Infinito”; puesto que luego tenemos el gusto de verlo convertido nada menos que en Ronin, una de las otras identidades secretas de Clint Barton (¡No nos esperábamos esto! ¿Cierto?), que buena parte de su actitud y lucha interna a lo largo del metraje, aborda con verosimilitud algunas de las maneras de cómo podemos enfrentar la pérdida de los seres queridos. 

    Quien sobrelleva peor que nadie la tragedia, viene a ser el hasta ahora alegre Thor.  En su corazón anida un sentimiento de culpa que lo carcome, puesto que luego de las dos primeras impactantes escenas de esta película, asistimos con el corazón en la mano al primer asalto desesperado de nuestros superhéroes para obtener por fin la victoria…Es cuando el mismo Dios del Trueno lleva a cabo algo que no nos esperábamos.  No voy a negar que, pese al sufrimiento de la deidad asgardiana, no pueden ser más cómicas las circunstancias actuales en las que se encuentra este, apoyado todo por el talento de Chris Hemsworth para lograr tan bien la comedia.  

     Regreso a Iron Man.  Ahora que supuestamente ya no son necesarios los enmascarados y cruzados en el mundo, compartir con él la dicha que le ha tocado, resulta ser grato para muchos de nosotros.  Más encima, sigue con él la adorable Pepper Potts y hasta Happy Hogan sigue ahí para completar su plenitud (eso sí…Cada vez más gordo, je).  Su actual existencia, contrasta en comparación con la nueva vida de la mayoría de sus viejos camaradas; por esa razón, las posteriores acciones que toma, no pueden ser más heroicas…Y, recordemos, con él comenzó esta seguidilla de éxitos cinematográficos hace más de una década, de modo que al cierre de esta etapa no podía dejar de tener una preeminencia e incluso un papel por sobre el resto.

    Mucho le debemos al Vengador de Hierro, sobre la creación y mantención de dicho equipo, pero sin dudas que el verdadero líder moral del grupo corresponde al Capitán América.  Quien más que ninguno de todos los justicieros marvelitas, salvo Pantera Negra, representa mejor todo lo bueno a lo que puede aspirar un ser humano, nos otorga al menos un par de hermosos discursos y un montón de escenas maravillosas.  Su contraste con Iron Man es evidente y, pese a ello, los paralelismos entre ambos que con sabiduría han logrado explotar a lo largo de estos filmes, junto a un montón de detalles más, hace que nos podamos dar cuenta  de que estamos frente a lo mejorcito del UCM (¿O me estoy aventurando demasiado en mi apreciación?).  Su más dura decisión y el destino final que le depara, más encima perpetrado por él mismo, viene a ser una alusión a las últimas viñetas con las que la dupla de Mark Millar y Bryan Hitch, cerraron su paso por las aventuras de The Ultimates (Los Vengadores del universo Ultimate de Marvel y que no hace mucho tuvo el gusto de leer con gran satisfacción por mi parte y gracias a lo cual pude darme cuenta de este detalle comiquero).

    Y ahora me toca referirme a uno de mis favoritos, Hulk/Bruce Banner.  Desde la primera parte de la tetralogía dedicada a los Vengadores, hemos sido testigos de la evolución por la que ha pasado el también nominado Goliat Esmeralda: de ser una criatura de pocas palabras y lleno de ira, empero aun así noble (como por lo general se le conoce en sus versiones originales), a otro mucho más elocuente y gracias a su coprotagonismo en Thor: Ragnarok, esta posterior etapa suya viene a ser mucho más satisfactoria…Y es que el científico y su alter ego han encontrado la paz, pudiendo vivir en armonía los dos, que es un gusto.  A un monstruo gama como este sí que dan ganas de abrazarlo, que a mí me recuerda de lo mejorcito que vimos en él por televisión en Hulk y los Agentes de S.M.A.S.H.

    Del Hombre-Hormiga no me podía olvidar, que el Scott Lang de estos éxitos hollywoodenses nos resulta tan simpático (o casi), que el igualmente adorable Star-Lord.  Optimista como el mismo Capi o Thor en sus mejores momentos, alineado ahora en este tremendo equipo, viene a ser otro agregado para disfrutar.  Su caracterización más orientada a la comedia que al drama, en especial en esta cinta, a diferencia de algunos de sus pares, lo hace necesario para encariñarse con él; además, nadie puede negar que el actor que lo interpreta, Paul Rudd, hace rato que ha conquistado a una legión de espectadores.

   El mapache evolucionado artificialmente Rocket y Máquina de Guerra también nos dan hartos episodios gratos, que en especial el primero de ellos es entrañable.  No obstante, es la Viuda Negra, la única mujer fundadora del equipo, quien logra emocionarnos de verdad.  Le corresponde al personaje interpretado con tanto carisma por la bella Scarlett Johansson, darnos uno de los momentos más inolvidables de este título y quedar consignada como la mayor heroína (lo siento, Capitana Marvel) de la saga. 

     Ya mencioné a la Capitana Marvel…Pues era mi esperanza que luego de su (al menos para mí, aunque también para un montón) decepcionante debut en la pantalla grande, la superheroína se redimiera en esta entrega; y así fue, que me alegra mucho, puesto que no me desagrada el personaje, que solo pienso que estuvo mal orientado en aquella ocasión.  Es así que esta vez cada una de sus secuencias no fueron gratuitas, en especial donde aparece cual un verdadero ángel y luego cuando regresa justo en el momento clave para que se produzca el ansiado triunfo.  Y, perdonen si estoy casi al borde del spoiler, pero qué bueno no se haya cumplido el temor de mi primo Pablo Fuentes: que ella fuera quien derrotara al titán loco, siendo una “recién aparecida” en el UCM, que menos mal sus responsables fueron fieles a la continuidad y tradición de estas adaptaciones.

3- Para el placer de los más ñoños de la casa.    

    La Tierra (y se supone que también el resto del universo) perdió a la mitad de sus habitantes…Este importante detalle se hace sentir en la trama y, en especial en pantalla, cuando contemplamos la soledad de las calles, algunas de ellas llenas de escombros y de basura, porque la gente que queda ni se preocupa por vivir con dignidad.

    Por otro lado, nada más hermoso que volver a tener frente a los ojos de uno, a aquellos personajes que hace rato dejaron de estar en estas obras; ello gracias a un guión tan bien articulado, que logra juntar en una sola cinta a tanta estrella como nunca antes había sido posible…A ver, voy a aventurarme a mencionarlos: Frigga (la bella y sabia madre de Thor), el Anciano (o más bien “la Anciana”, maestro del Doctor Strange), Howard Stark (el padre de Tony), el guapo, varonil y malvado Crossbones en su apariencia civil, los muy simpáticos alienígenas Korg y Miek (amigos de Thor desde su aventura como gladiador, si bien personajes sacados de la saga Planeta Hulk), la también carismática versión afroamericana de Valkiria (como diríamos en Chile, “tirada de las mechas”, o sea forzada por la idea de asgardianos negros, pero que pese a ello me agrada), la doctora Jane Foster (la ex novia mortal del Dios del Rayo), el agente de Hydra encubierto en S.H.I.E.L.D. Jasper Sitwell…Loki tampoco podía faltar, pese a que hay que tener claro que solo en estas cintas es tan agradable; más otros por ahí que les voy a dejar a ustedes los descubran. Se me estaba olvidando… ¡Sale el Pato Howard otra vez!

     Inolvidables vienen a ser las dos intervenciones de la recordada agente Carter, Peggy, su regreso tras el fiasco que fue la malograda serie de televisión que tuvo y casi en el mismo nivel, solo para deleite de los muy frikis, la sorpresiva aparición de Edwin Jarvis; que esta última, viene a ser la primera vez en la que un personaje de los programas de televisión de imagen real del UCM, saltan a la pantalla grande.  

    Por otro lado, debe saberse que acá contamos con el último cameo que logró filmar Stan Lee, poco antes de su triste fallecimiento.  

     Debido a cómo se articula la trama, se recrearon varios momentos decisivos de las cintas previas y abordadas todas ellas desde un muy interesante punto de vista diferente, a cómo fue en su primer momento.

     Asimismo, todos aquellos superhéroes que se llevó consigo Thanos con su nefasto “chasquido”, tenían que volver… ¡Y vaya que lo hacen en gloria y majestad! Las dos veces que fui al cine a ver esta película (que puede lo haga en una tercera ocasión), un montón de gente aplaudió, que la escena es hermosa y tan emotiva, que en ambas ocasiones no dejé de llorar y más cuando reaparece otro de mis predilectos: nuestro amistoso vecino el Hombre-Araña.  La verdad es que tal como me dijo muy bien mi amigo Juan Francisco Bianqui (ex alumno, ñoño consumado y ya todo un hombre hecho y derecho), hay que estar preparado para tantas emociones juntas…En otras palabras, es muy probable que uno llegue al punto del llanto en más de una ocasión, como bien le pasó a su humilde servidor.

     Otros guiños a los cómics: la primera aparición de Rescate, la identidad superheroica de Pepper Potts, la imagen con el viejo casco original del primer Hombre-Hormiga y, más emocionantes que muchas cosas ya mencionadas, la consolidación del Capitán América como el hombre más “digno” de la Tierra (ustedes me entienden ¿No?) y la “entrega del manto” a un justo sucesor, que en este último caso habían dos evidentes candidatos a tomar el relevo, de cierto querido veterano de guerra.

    No sé si me equivoco, que para mí cuando los dos bandos alineados y cada uno en su lugar, se lanzan a la batalla final, me pareciera ser un homenaje de Las Dos Torres y El Retorno del Rey (ambas sobre las novelas de El Señor de los Anillos, filmadas por Peter Jackson).

    Tras comenzar los créditos, no contamos con las escenas agregadas que ya nos tenían (mal) acostumbrados los de Marvel Studios; pero sí resulta sobrecogedor, ver en grande los nombres de los artistas detrás de tan queridos personajes, con alguna imagen característica suya detrás de ello y, luego, sus firmas, algo que solo antes había apreciado tras los créditos de El Retorno del Rey y Star Trek: The Undiscovered Country.

                               El emotivo tráiler N° 2 de la película que hoy nos ha reunido.